Englische Literatur: Restauration und Zeitalter der Vernunft

Restauration und 18. Jahrhundert

Sozialer und historischer Kontext

Die Stücke der Restaurationszeit und des gesamten 18. Jahrhunderts können hinsichtlich ihrer Bedeutung und ihres Interesses nicht mit dem Drama des elisabethanischen und jakobäischen Zeitalters verglichen werden. Jede Epoche scheint eine literarische Form zu wählen, auf die sie sich spezialisiert. Im Zeitalter der Vernunft wählten die Genies vor allem den moralischen oder satirischen Aufsatz in Prosa oder Versen. Die Haltung der Zeit gegenüber dem Drama war, obwohl dies nicht in vollem Umfang realisiert wurde, grundlegend frivol: Es konnten eine Handvoll Komödien produziert werden, die immer noch gefallen, aber in der Tragödie versagte die Epoche fast vollständig. Die Werke scheinen sich auf das Lachen, die heroische Haltung (die nicht überzeugt) oder die sentimentale Träne zu spezialisieren. Eine ernsthafte Analyse des menschlichen Verhaltens und der Motive blieb anderen literarischen Formen vorbehalten.

Die Puritaner schlossen die Theater im Jahr 1642 und zerstörten damit eine Tradition des Stückeschreibens und Schauspielens, die nie wiederhergestellt werden konnte. Als der König Patente an Thomas Killigrew und Sir William Davenant vergab, um dramatische Unternehmen zu gründen, musste das englische Drama wieder von vorne anfangen, neue Techniken erfinden und sich auf eine neue Art von Geschmack berufen. Die Daten der beiden Gründer des Restaurationstheaters zeigen, dass sie eine Verbindung zum Drama des vorherigen Zeitalters darstellten; Davenant behauptete sogar, der uneheliche Sohn Shakespeares zu sein. Aber die Bedürfnisse des Restaurationspublikums unterschieden sich von denen der früheren Zeit, und auch die physischen Gegebenheiten des Dramas hatten sich verändert. London hatte nun nur noch zwei Theaterkompanien und zwei Theater: eines für die King's Players und eines für die Duke's Players.

Davenant hatte Erfahrung mit der Inszenierung von Masques unter Karl I. gesammelt. Sein Geschmack lag in der Richtung aufwendiger Inszenierungen und der Verwendung vieler Maschinen; die Effekte tendierten eher zum Spektakulären als zum Intimen. Inigo Jones, der Architekt, hatte bereits in den Masques von Ben Jonson gezeigt, welche wunderbaren Dinge auf der Bühne möglich waren – wie Beleuchtung und rasche Szenenwechsel mehr Staunen erregen konnten als die subtileren Wirkungen der Poesie. Davenant selbst erhielt 1656 die Erlaubnis, The Siege of Rhodes im Rutland House aufzuführen. Dieses Stück legte mehr Wert auf Gesang und Schauspiel als auf Poesie und Handlung. Tatsächlich wurde es als die erste englische Oper betrachtet. Die Opernhaftigkeit ist eine der Qualitäten, die wir in den neuen Tragödien sehen, von denen viele Konventionen Musik als Sprache suggerieren. In den neuen Theatern wurde die elisabethanische Bühnenplattform integriert.

Die moderne Bühne

Die moderne Bühne begann in dieser Zeit. Anstelle der alten großen Plattform vor der Vorbühne haben wir nun eine kleine Schürze, auf der das Handeln praktisch unmöglich ist. Alles spielt sich hinter der Guckkastenbühne ab, und es gibt keinen persönlichen Kontakt mehr zwischen Schauspielern und Publikum. Wir haben die alte Vertrautheit des elisabethanischen Theaters verloren.

Eine weitere Neuerung der Restauration war die Einführung von weiblichen Schauspielern. Endlich war eine realistischere sexuelle Atmosphäre auf der Bühne möglich. Dies verlieh den Liebesszenen nicht nur eine poetische Verliebtheit, sondern auch einen realistischen Nervenkitzel, da nun wirklich zwei Geschlechter auf der Bühne standen.

Die Puritaner beendeten die Gewohnheit des Theatergangs, die früher in allen Klassen der Gesellschaft verbreitet war. Ab dem Jahr 1660 wurde der Theaterbesuch zu einem Monopol mal der einen, mal der anderen Klasse, aber nie wieder finden wir ein Drama, das jedermann ansprechen soll. Wir haben heute keinen Shakespeare, teils weil wir nicht über Shakespeares Publikum verfügen. Das damalige Publikum wollte nicht zu sehr bewegt oder zum Nachdenken angeregt werden. Und so sind Shakespeare und Ben Jonson fast vollständig aus dem neuen Theater verschwunden.

Restaurationsliteratur

Die neue Tradition der Sprache war französisch geprägt, ebenso wie die neuen Sitten und die Einstellung zur Liebe. Als die neuen Dramatiker zu erscheinen begannen, spezialisierten sie sich zum größten Teil auf die Komödie, welche die Sitten des Tages widerspiegelte und in der die wichtigsten Zutaten Lust, Ehebruch und Intrigen waren – überdeckt von einem intelligenten Furnier des Witzes. Der Senior der Restaurationskomödie war George Etherege, am besten bekannt für Love in a Tub und She Would if She Could.

In den Stücken von William Wycherley begegnet uns echter Zynismus und eine Umkehrung der Moral (The Country Wife, The Plain Dealer, Timon of Athens). John Vanbrugh wurde innerhalb der Restaurationszeit geboren, seine Stücke erschienen jedoch am Ende des Jahrhunderts. The Relapse ist eine Fortsetzung des Stückes von Colley Cibber namens Love's Last Shift. Er schrieb auch The Provoked Wife.

William Congreve schrieb Komödien, die sich mit der Welt der Mode, Werbung und Verführung befassen, aber sie halten sich immer noch auf der englischen Bühne (The Way of the World). Seine weiteren Komödien sind The Double Dealer, The Old Bachelor und Love for Love. Sie funkeln und rasen trotz der komplizierten Handlungen und der Menge an Charakteren dahin. Congreve schrieb auch eine Tragödie namens The Mourning Bride.

Tragödien der Restauration

Das neue Drama produzierte auch im tragischen Bereich Wichtiges. John Dryden selbst hatte ein Gespür für den Kern der Sache. Seine Conquest of Granada war vielleicht keine herausragende Produktion, aber die späteren Tragödien in Blankversen (All for Love) sind lesbar und immer noch spielbar, trotz des konventionellen Themas von Liebe versus Ehre und der etwas unwirklichen Psychologie. Dryden schrieb auch Komödien (Marriage à la Mode).

Von anderen Autoren der Restaurationszeit muss man Thomas Otway erwähnen, dessen Venice Preserved vielleicht sein bestes Werk ist. Dies ist eine echte Tragödie, pathetisch und dem elisabethanischen Zeitalter viel näher als Drydens All for Love.

Verfall des Dramas

Mit der Jahrhundertwende sank das englische Drama noch weiter. Ein Mann namens Collier griff die Unmoral und Gottlosigkeit der englischen Bühne an, und es gab eine allgemeine Bewegung, die Komödie zu bereinigen und an die bürgerliche Gesinnung und den Geschmack des Publikums anzupassen. Die Komödie wurde weniger witzig, weniger schockierend und viel langweiliger.

Anfänge der Oper

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts schien die Oper dem Drama den Rang abzulaufen. Wir erleben den Beginn jener Vergötterung ausländischer Musik, die bis vor kurzem das musikalische Unternehmertum in England lähmte. So entstand ein neuer Standard in der Dramatik: weniger subtil, weniger intellektuell und weniger poetisch als alles bisher Bekannte.

Das neue Drama

Oliver Goldsmith und Richard Brinsley Sheridan belebten den Geist der Restaurationskomödie wieder – witzig, aber von Grobheit gereinigt. Die burleske Komödie war ein gutes Korrektiv zu den sentimentalen Exzessen der Bühne. Henry Fielding begann seine literarische Laufbahn als Dramatiker, die jedoch im Alter von dreißig Jahren aufgrund eines unglücklichen Vorfalls endete. So wird die trockene Strecke des Dramas im 18. Jahrhundert durch ein paar heitere Oasen entlastet. Aber die Wüste bleibt, und wir müssen an anderer Stelle nach dem echten literarischen Reichtum dieses Zeitalters der Vernunft suchen.

Poesie im Zeitalter der Vernunft

Das 18. Jahrhundert in England war geprägt von folgenden Faktoren: Der Handel blühte, das Reich wuchs, zwei starke Konkurrenten (Holland und Frankreich) waren vernichtend geschlagen worden, und es gab keinen Streit mehr zwischen König und Parlament. Die Mittelschicht war fest etabliert, und die Whig-Partei beherrschte das Jahrhundert. Die Mittelschicht nahm durch Ehen mit der Aristokratie Teile der aristokratischen Kultur an. Es war kein Zeitalter des Konflikts, sondern der Balance. Die Herrschaft der Vernunft schien möglich, Fortschritt war kein leerer Mythos, und mit Genugtuung blickten die Menschen auf das römische Zeitalter zurück, in dem Ordnung und Geschmack regierten und in dem sie ein Spiegelbild ihrer eigenen Leistung sahen.

In der Kunst herrschte der Geist der Klassik. Soziale Konventionen waren wichtiger als individuelle Überzeugungen, Vernunft wichtiger als Emotion und Form wichtiger als Inhalt. Trotz der ruhigen Oberfläche der Ordnung wurde das Gegenteil der Klassik langsam vorbereitet und brach zur Zeit der Französischen Revolution aus. Dieses Gegenteil nennen wir Romantik; wir verbinden sie mit dem Individuum, das gegen die Gesellschaft rebelliert, und mit der Bereitschaft, konventionelle künstlerische Formen abzulehnen. Das Romantische ist stark mit dem Selbst beschäftigt, sehr emotional und ungeduldig gegenüber den Einschränkungen, die eine stabile Gesellschaft verlangt.

Der größte Dichter dieser Periode ist Alexander Pope. In vielerlei Hinsicht fasst er das 18. Jahrhundert zusammen: Als Sohn eines wohlhabenden Kaufmanns fehlte es ihm weder an Geld noch an Freizeit. Doch obwohl er die Stimme seines Zeitalters war, stand er in vielerlei Hinsicht außerhalb. Als Katholik konnte er weder eine öffentliche Schule noch eine Universität besuchen; elegant und stark in seinem Werk, war er körperlich schwach und kleinwüchsig. Als klassischer Dichter nahm er die Welt, wie sie war, nahm am gesellschaftlichen Leben teil und verarbeitete jeglichen Groll über seine Herkunft oder körperliche Verfassung in Satiren oder philosophischer Akzeptanz. Pope ist im Wesentlichen der Sänger der Ordnung im Universum und der Gesellschaft. Seine Werke sind philosophisch, kritisch oder satirisch.

Der Essay on Man scheint kaum einen Fortschritt gegenüber den formalen Vorzügen älterer Werke zu zeigen. Pope scheint früh die Perfektion im engen Bereich des Heroic Couplet erreicht zu haben; er ist in der Tat der einzige englische Schriftsteller, auf den das Wort „Perfektion“ angewendet werden kann. Dies zeigt auch die Grenzen und die Stärke der augusteischen Kunstauffassung: Die größten Künstler sind selten perfekt, weil sie immer mit neuen Sprachformen experimentieren. Popes Essay on Man mag in seinen Grundvoraussetzungen für uns heute zu simpel erscheinen, um als Philosophie ernst genommen zu werden. Aber als Sammlung prägnanter Couplets, die die rationalen Begriffe der Zeit vortrefflich resümieren, ist es großartig.

Sein schönstes Gedicht ist The Rape of the Lock, eine Geschichte über den Diebstahl einer Locke einer jungen Dame der Gesellschaft. Als Übersetzer interpretierte Pope Homer für das Zeitalter der Vernunft. Er wurde durch die Übersetzung der Ilias sowohl reich als auch berühmt. Dies ist eine bemerkenswerte Leistung, auch wenn man mit dem Kritiker sympathisieren kann, der sagte, es sei „sehr hübsch, aber nicht Homer“.

Thomas Gray ist am besten bekannt für seine Elegy Written in a Country Churchyard, die den heroischen Vierzeiler von Dryden verwendet. Gray verwandte große Mühe auf das Polieren seiner Verse; der leichte Fluss der Elegie ist eher das Ergebnis harter Arbeit als reiner Inspiration. In jeder Strophe begegnen wir Zeilen, die Teil der englischen Sprache geworden sind und in ihrer Vertrautheit fast nach Shakespeare klingen. Doch Gray besaß nichts von der Schnelligkeit und Gewandtheit des großen elisabethanischen Dichters. Jeder Effekt wurde mühsam erarbeitet. Das Gedicht wird vielleicht vor allem deshalb geliebt, weil es die Stimmung des Selbstmitleids anspricht, die in uns allen vorhanden ist.

Schließlich gab es William Blake, vielleicht einer der größten und sicher einer der originellsten englischen Dichter. Blake ist den meisten Menschen als Autor der Songs of Innocence und durch Gedichte wie The Tyger bekannt. Aber seine Leistung ist massiv und sein Ziel immens. Er wünschte, mit der Zwillingskunst aus Poesie und Zeichnung eine riesige eigene Mythologie aufzubauen, die symbolisch die Kräfte darstellt, die in der Seele eines Mannes miteinander im Krieg liegen. Blakes Mächte und Götter sind solide, groß und manchmal beängstigend. Seine Philosophie hat einen einfachen Grund: Er lehnt Vernunft, Gesetz und konventionelle Religion ab und sagt, dass die Menschheit nur durch die Sinne und die Fantasie erfüllt werden kann. Blakes kurze Gedichte sind höchst individuell und oft rätselhaft.

Prosa im Zeitalter der Vernunft

Daniel Defoe war Journalist, was ihn unserer Zeit besonders nahebringt. Er ist in vielerlei Hinsicht der Vater der modernen Zeitschrift, die Meinungen zu Neuigkeiten liefert. The Review, die er 1704 gründete, ist der Vorläufer einer langen Reihe gut informierter Zeitschriften. Er war jedoch auch zur Ironie fähig: Seine Schrift The Shortest Way with the Dissenters behauptete ernsthaft, dass diejenigen, die nicht der Church of England angehörten, gehängt werden sollten. Diese Broschüre wurde von vielen ernst genommen; als die Behörden jedoch entdeckten, dass er sie an der Nase herumgeführt hatte, steckten sie Defoe ins Gefängnis. Das interessanteste seiner dokumentarischen Werke ist A Journal of the Plague Year.

Der Roman entwickelte sich mit Samuel Richardson, einem professionellen Drucker, der erst mit fünfzig Jahren mit dem Romanschreiben begann. Er liebte es, jungen Frauen beim Verfassen ihrer Liebesbriefe zu helfen, und wurde von einem Verleger gebeten, einen Band mit Musterbriefen für verschiedene Gelegenheiten zu schreiben. Dies inspirierte ihn zu einem Roman in Briefform, der den Lesern eine moralische Lektion vermitteln sollte. Dieser Roman war Pamela, or Virtue Rewarded. Nach modernen Vorstellungen ist es eine seltsame Art der Belohnung und eine seltsame Basis für eine Ehe, aber diese Moral findet sich auch heute noch in billigen Novellen und Zeitschriften.

Der größte Schriftsteller des Jahrhunderts ist Henry Fielding. Er begann seine Karriere als Romanschriftsteller fast durch Zufall. Während er eine Parodie auf Pamela schrieb, entwickelte sich sein Joseph Andrews zu etwas viel Größerem. Bei Fielding verwendet man oft den Begriff Schelmenroman (pikaresker Roman) – eine Bezeichnung für Romane, in denen die Hauptperson ein Schurke ist, die Handlung auf der Straße oder einer Reise spielt und exzentrische Charaktere aus der Unterschicht erscheinen. Fieldings Jonathan Wild ist ein echter Schelmenroman.

Tobias Smollett ist verantwortlich für Roderick Random, Peregrine Pickle und Humphry Clinker. Roderick Random ist der erste einer langen Reihe von Romanen über das Leben auf See – eine Tradition, die Namen wie Joseph Conrad und Herman Melville hervorbrachte.

Laurence Sterne schuf mit Tristram Shandy einen merkwürdigen und exzentrischen Roman, der alle Regeln der Sprache, Zeichensetzung und Handlung bricht. Trotz der erheblichen Länge des Buches passiert eigentlich nichts: Niemand kommt irgendwo an, und der Held wird erst in der Mitte des Buches geboren! Der Autor behindert absichtlich jede Bewegung: Gerade wenn wir denken, dass sich eine Geschichte entwickelt, fügt Sterne eine unglaubliche Abschweifung ein. Es gibt unzüchtige Witze und sentimentale Passagen, die oft erst im letzten Moment durch einen ironischen, grotesken oder rabelaisischen Schlag gerettet werden.