Federico García Lorcas Theater: Werke und Symbole

Federico García Lorcas Vision des Theaters

Lorca war geprägt von der Suche nach neuen Formen und der Ablehnung des traditionellen Theaters. Er wollte das „leere Theater“ überwinden, um sich darauf zu konzentrieren, dem Publikum moralische Zeugnisse oder Beispiele des Herzens und des Lebensstandards zu geben. Ein Mensch sollte seine Gefühle nicht nur zeigen, damit die Zeit vergeht, sondern das Theater sollte der Ort sein, an dem sich das wahre Leben der Menschen offenbart. Lorca erreicht diesen Zweck durch eine Behandlung, die in seinen Werken erscheint: Der Konflikt zwischen Freiheit und Autorität wird in einer Reihe von Symbolen reflektiert. Die poetische Sprache, die Lorca für sein poetisches Drama verwendet, ist primär von tiefer Lyrik erfüllt, die den dramatischen Konflikt verstärkt. Er begann fast von Beginn seiner literarischen Karriere an, Theater zu schreiben, und durchlief dabei verschiedene Phasen:

Symbolistische und poetische Dramen

Die frühen Arbeiten von Lorca zeigen einen gewissen Einfluss des modernistischen poetischen Dramas. „Der Fluch des Schmetterlings“ (1920) ist ein symbolisches Drama in Versen, das das Thema der unmöglichen Liebe aufgrund gesellschaftlicher Konventionen behandelt. Die Welt der Würmer und Schmetterlinge in diesem Werk ähnelt seinem „Buch der Gedichte“. Im Jahr 1927 wurde „Mariana Pineda“ veröffentlicht, in dem Lorca die historische Figur aus Granada als Heldin darstellt, die im Reich von Fernando VII. verurteilt wurde. Trotz der historischen Fakten steht die Liebesgeschichte im Vordergrund. Das Scheitern der Liebe und der Freiheit ist ein immer wiederkehrendes Thema in seinen späteren Arbeiten, eingebettet in eine Theaterlandschaft aus poetischer Sprache und Musik.

Die Farcen (Possen)

Lorca schrieb vier Stücke, die als Farcen bezeichnet werden können: „Die Puppen von Cachiporra“ (oder die Tragikomödie von Don Cristóbal und der Puppe Rosita, 1923) sowie „Die wunderbare Schusterfrau“ und „In seinem Garten liebt Don Perlimplín Belisa“. In seinen ersten beiden Werken befasst er sich mit der Frage der Vernunftehe und dem Triumph der wahren Liebe. Die anderen beiden Werke konzentrieren sich ebenfalls auf diesen Versuch, thematisieren jedoch primär den Altersunterschied zwischen dem Paar, wobei das Problem am Ende nicht allein die Liebe ist.

Surrealistische Dramen

In der Ära, in der er „Dichter in New York“ komponierte, entstanden Werke voller Symbole und einer neuen Sprache. Keines dieser Werke wurde zu Lorcas Lebzeiten repräsentiert, da er erkannte, dass das Theaterpublikum noch nicht bereit war, diese Inszenierungen zu verstehen. Das Manuskript von „Das Publikum“ (1930) wurde von seinem Freund Rafael Martínez Nadal aufbewahrt, dem Lorca es im Sommer 1936 übergab, bevor er nach Granada ging. Nadal veröffentlichte es erst 1970. Das Werk zeigt die Notwendigkeit für ein neues Theater, das die Wahrheit über menschliche Gefühle, die Freiheit zu lieben und Homosexualität ausspricht. „Sobald fünf Jahre vergehen“ (1931) ist ein weiteres surrealistisches Drama über das Vergehen der Zeit und intime Frustration.

Die großen Tragödien

Die Tragödien sind die reifsten Arbeiten Lorcas. „Bluthochzeit“ (1933) präsentiert zum ersten Mal das Thema der leidenschaftlichen Liebe, die in einer Tragödie endet; Teile sind in Versen geschrieben, angelehnt an das lyrische Drama von Lope de Vega. „Yerma“ (1934) handelt von der Unfruchtbarkeit einer Frau, die vor allen Dingen Kinder haben möchte und sich weigert, ihr Schicksal zu akzeptieren, was schließlich im Mord an ihrem unfruchtbaren Ehemann endet. Lorca nutzt hier Lieder und Chöre, ähnlich wie in griechischen Tragödien. „Bernarda Albas Haus“ stellt die Konfrontation zwischen Bernarda, die soziale Macht und Konventionen verkörpert, und ihren Töchtern dar, die nach sexueller Freiheit streben. Diese Tragödie endet mit der Niederlage der Wünsche der Mädchen. Dieses Werk ist am stärksten von poetischen Elementen befreit. Lorca plante zudem eine Trilogie, zu der „Die Zerstörung von Sodom“ gehören sollte, doch dieses Werk gilt als verloren oder wurde nicht vollendet.

Doña Rosita bleibt ledig

„Doña Rosita bleibt ledig oder Die Sprache der Blumen“ (1935) steht aufgrund des Entstehungsdatums etwas außerhalb des restlichen Theaters dieser Zeit. Es ist Teil des „Granada-Gedichts“ und thematisiert ebenfalls die Freiheit und die unerfüllte Liebe, die durch gesellschaftliche Konventionen verdrängt wird. Die Frau wird als abhängiges Wesen dargestellt, das innerhalb der familiären und männlichen Strukturen leben muss.