Impressionismus & Kubismus: Von Monet bis Picasso

Der Impressionismus: Licht, Farbe und Momentaufnahme

Der Begriff Impressionismus wurde durch die satirische Wochenzeitschrift Le Charivari von Louis Leroy geprägt. Sein Kommentar bezog sich auf ein Werk von Claude Monet, das den Aufgang der Sonne zeigt – ein entscheidender Moment der Kunstgeschichte. Monet, Renoir und Degas versuchten, die Natur in ihren Bildern einzufangen, indem sie die Methode des En-plein-air (Malen im Freien) verteidigten. Statt im Atelier zu arbeiten, beobachteten sie die Veränderungen des Lichts an demselben Objekt von der Morgendämmerung über den Mittag bis zum Sonnenuntergang.

Die Künstler suchten ihre Motive in den Wäldern, an den Ufern der Seine sowie in den Straßen und Cafés von Paris. Das Modell war die Landschaft, auf der das Sonnenlicht auf Wasser, Blättern oder der Haut reflektiert wurde. Es bestand zudem ein großes Interesse an den Fortschritten der Moderne, wie Schiffen und dampfverhüllten Bahnhöfen mit rauchenden Lokomotiven, sowie am modernen Leben allgemein. Ihre Sujets lagen außerhalb der offiziellen akademischen Malerei. Sie mieden die schwarzen Schatten der akademischen Technik, was oft kritisiert wurde. Das Hauptmerkmal war die zersplitterte, lockere und spontane Pinselführung, oft direkt aus der Tube aufgetragen. Dies erzeugte eine Schwingung, die das Bild für Kritiker wie Leroy „unfertig“ erscheinen ließ. Er warf ihnen vor, nicht malen zu können.

Die Meister: Monet, Renoir und Degas

Claude Monet: Er blieb der Landschaft und dem Impressionismus treu. Er wollte das Unmögliche malen und reiste sogar zu den Fjorden, um den kalten Hauch des Schnees zu reproduzieren. Sein Ziel war der Serialismus (Wiederholungen desselben Themas, um die wechselnden Wirkungen von Licht, Farbe und Jahreszeiten zu prüfen). Seine bekanntesten Serien sind die Fassade der Kathedrale von Rouen und die Seerosen (Nymphéas), in denen sich Formen und Farben in Wasserbecken auflösen.

Auguste Renoir: Sein Interesse galt dem Porträt und der menschlichen Figur. Er schuf Kollektivporträts wie Le Moulin de la Galette. Er arbeitete unter anderem für die Gattin von Georges Charpentier, was ihn zum Erfolg führte. Später geriet er in eine Krise, kehrte zur Zeichnung und zur Lehre der Museen zurück. Danach malte er weibliche Akte und einfache Themen, die er als „zeitlos“ betrachtete.

Edgar Degas: (Hier schließt der Text an die weiteren Entwicklungen an).

Kubismus und Picasso: Eine ästhetische Revolution

Der Kubismus bricht das Bild in polyedrische Strukturen auf und zeigt unterschiedliche Sichtweisen gleichzeitig. Er reduziert Figuren, Objekte und Landschaften auf geometrische Formen. Dies ist ein bedeutendes Phänomen der zeitgenössischen Kunst, da es mit den traditionellen plastischen Konventionen bricht, die seit dem italienischen Quattrocento bestanden. Diese ästhetische Revolution wurde maßgeblich von Pablo Picasso angeführt, dessen Genie im 20. Jahrhundert mit Freud in der Psychoanalyse oder Einstein in der Wissenschaft vergleichbar ist.

Die künstlerischen Phasen von Pablo Picasso

Picassos Vater war Zeichenlehrer an der Kunstgewerbeschule in Málaga, wodurch Picasso schon in Kindheit und Jugend mit der Malerei vertraut war. Zwischen 1901 und 1904 durchlief er die Blaue Periode, eine Reaktion gegen den Impressionismus, die in trüben Farben menschliches Leid und die tragische existenzielle Kondition ausdrückte. Danach verließ er die Melancholie und hellte seine Palette in der Rosa Periode auf, in der er Motive aus dem Wanderzirkus und kleinen Theatern malte.

Im Gegensatz zur Lyrik dieser Phase widmete er sich nach einer Cézanne-Ausstellung und dem Studium afrikanischer Masken neuen Wegen. Sein erstes kubistisches Werk war Les Demoiselles d’Avignon (fünf nackte Prostituierte in der Carrer d’Avinyó, deren Körper in geometrische Bausteine zerlegt sind). Trotz anfänglicher Kritik arbeitete Picasso unermüdlich weiter.

Analytischer und Synthetischer Kubismus

Während seiner kubistischen Phase lassen sich zwei Hauptphasen unterscheiden:

• Analytischer Kubismus: Fokus auf Landschaft und menschliche Figuren. Die Form wird aufgebrochen und neu zusammengesetzt, was zur Abstraktion von der Realität führt (z. B. Porträts von Ambroise Vollard und Daniel-Henry Kahnweiler). Hier entdeckte er auch die Collage.
• Synthetischer Kubismus: Einbeziehung realer Objekte wie Zeitungsausschnitte, Partituren oder Menükarten. Ein Beispiel ist das Stillleben Still Life with Chair Caning (Stillleben mit Rohrflechtsitz), bei dem ein Stück Wachstuch einen Stuhl darstellt.

Schließlich kehrte die menschliche Präsenz in sein Werk zurück. Er schuf Versionen der Drei Musikanten und die Panflöte, wurde zur lebenden Legende und erreichte den Höhepunkt seiner kubistischen Schaffenskraft.