Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts: Epochen & Stile

Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts

Der Impressionismus und der Post-Impressionismus fielen in eine Epoche des tiefgreifenden Wandels. Die Industrielle Revolution brachte rasanten technischen Fortschritt wie Elektrizität, den Ausbau des Schienennetzes, Fortschritte in der Medizin sowie Telefonie und Telegrafie mit sich. Es war eine Zeit der Konsolidierung liberaler Staaten, die von demokratischen Regierungen und Parlamenten geführt wurden. Zudem war es die Blütezeit des Kolonialismus und Imperialismus, in der europäische Mächte Kolonien in Asien und Afrika beherrschten. Frankreich, eine führende Kolonial- und Wirtschaftsmacht, etablierte Paris bis in die 1920er Jahre hinein als das unbestrittene Zentrum der Kunstwelt.

In der französischen Kunst herrschten bis zum Aufkommen des Impressionismus die strengen Regeln der Académie des Beaux-Arts, die fest im neoklassizistischen Stil verankert war. Die Akademie organisierte jährliche Ausstellungen (den Pariser Salon), bei denen nur Werke zugelassen wurden, die den akademischen Anforderungen entsprachen. Eingereichte Werke mit neuartigen Themen oder abweichenden Techniken wurden konsequent abgelehnt. Im Jahr 1863 wies die Jury so viele Künstler ab, dass ein öffentlicher Skandal entbrannte. Kaiser Napoleon III. ließ daraufhin eine parallele Ausstellung ins Leben rufen: den berühmten Salon des Refusés (Salon der Zurückgewiesenen).

Ein wegweisendes Werk dieser Epoche war Le Déjeuner sur l'herbe (Das Frühstück im Grünen) von Édouard Manet, das den Beginn der Moderne markiert. Dieses Bild an der Schwelle zwischen Realismus und Impressionismus brach radikal mit der akademischen Tradition. Obwohl es heftige Kritik erntete und als äußerst kühn galt, wurde es von einer Gruppe junger Maler gefeiert, die später den Impressionismus begründeten.

Die Impressionisten und der Post-Impressionismus

Ende der 1860er Jahre lehnten diese Künstler die akademische Kunst ab, bewunderten das Werk von Manet und trafen sich regelmäßig im Café Guerbois. Im Jahr 1874 beschlossen die Maler, eine unabhängige Gemeinschaftsausstellung zu organisieren, an der Künstler wie Claude Monet, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas und Camille Pissarro teilnahmen. In dieser Ausstellung wurde ein Werk von Monet mit dem Titel Impression, Sonnenaufgang (Impression, soleil levant) gezeigt. Dieses Bild gab der gesamten Bewegung ihren Namen, nachdem ein Kunstkritiker den Begriff spöttisch zur Beschreibung des Stils verwendete.

Die Gruppe hielt sich nicht an akademische Regeln. Sie malten im Freien (Pleinairmalerei) und stellten Szenen des alltäglichen Lebens dar. Ihre Gemälde wurden vom Licht dominiert, was sich besonders in der Darstellung von Wasser und atmosphärischen Effekten auf Objekten widerspiegelte. Sie nutzten lockere, nebeneinander gesetzte Pinselstriche, die sich erst im Auge des Betrachters zu einer optischen Farbmischung zusammensetzten.

Der Begriff Post-Impressionismus bezieht sich auf die verschiedenen Stilrichtungen zwischen 1890 und 1905. Dies bedeutete jedoch nicht das sofortige Verschwinden des Impressionismus. Verschiedene französische Maler entwickelten jeweils sehr persönliche Stile, die sich von den rein impressionistischen Idealen wegbewegten. Der Begriff wurde erst 1910 für eine Ausstellung geprägt, die Werke von Malern wie Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Henri de Toulouse-Lautrec zeigte. Obwohl postimpressionistische Werke einige impressionistische Züge aufweisen, zeichnen sie sich durch das Streben nach einer subjektiveren und emotionaleren Realität aus – dargestellt wird nicht nur das äußere Erscheinungsbild, sondern das, was das Individuum fühlt und denkt.

Die Architektur aus Eisen und Glas

Die Industrielle Revolution veränderte die Gesellschaft des 19. und 20. Jahrhunderts grundlegend. Durch das starke Bevölkerungswachstum entstand ein enormer Bedarf an neuen städtebaulichen Infrastrukturen. In dieser Epoche suchte man nach einer Architektur, die den funktionalen Bedürfnissen der modernen Gesellschaft entsprach. Gleichzeitig ermöglichten neue Materialien wie Eisen und Glas stabilere und wesentlich schnellere Konstruktionen, wodurch Gebäude von monumentalen Ausmaßen entstehen konnten.

Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts wurden in europäischen Hauptstädten regelmäßig riesige Gebäude aus Eisen und Glas errichtet, um die Weltausstellungen zu beherbergen. Viele dieser Bauten waren temporär und wurden nach dem Ende der Ausstellungen wieder abgebaut. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts wurden Metallkonstruktionen zunehmend mit Zement kombiniert, wobei Metall als tragendes Skelett diente und Glasflächen für große Fensterfronten genutzt wurden. Ein wegweisendes Beispiel hierfür: Das British Empire beschloss, für die erste Weltausstellung in London das größte Gebäude der Welt zu errichten – den Crystal Palace, einen revolutionären Bau, der ausschließlich aus vorgefertigten Elementen aus Eisen, Glas und Holz bestand.

Jacques-Louis David und der Klassizismus

Die Französische Revolution markierte das Ende einer Epoche, in der die absolutistische französische Monarchie in eine tiefe Krise geraten war. Die Verschwendungssucht am Hofe von Ludwig XVI. traf auf eine schwere Wirtschaftskrise und steigende Lebensmittelpreise infolge von Missernten, was zu großem Unmut in der Bevölkerung führte. Als der König schließlich die Generalstände einberief, um neue Steuern zu fordern, eskalierte die Situation. Der Dritte Stand (das Bürgertum) beschloss, sich von den Generalständen abzuspalten und die Nationalversammlung zu gründen. Die breite Bevölkerung schloss sich dem Aufstand an, und die Französische Revolution begann im Jahr 1789. Im Jahr 1792 wurde die Republik ausgerufen. Ein Jahr später wurden Ludwig XVI. und seine Familie, des Hochverrats beschuldigt, unter der Guillotine hingerichtet. Von diesem Moment an begannen die Koalitionskriege in ganz Europa, die später von Napoleon Bonaparte angeführt wurden.

Jacques-Louis David war der herausragende Maler dieser revolutionären Ära. Seine Malerei wandte sich von den Verspieltheiten des Barock und Rokoko ab, um eine wesentlich rationalere Bildsprache zu pflegen, welche die bürgerlichen und revolutionären Ideale verkörperte.

Die Romantik als Lebensgefühl

Die Romantik war eine kulturhistorische und künstlerische Bewegung der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, die sich in Kunst, Literatur und Musik manifestierte, aber auch eine grundlegende Lebenseinstellung darstellte. Ideologisch war sie eng mit den liberalen und nationalistischen Prinzipien der Französischen Revolution verknüpft. Zudem lässt sie sich mit den Theorien Jean-Jacques Rousseaus zur persönlichen Freiheit in Verbindung bringen.

Zu den Kernmerkmalen der Romantik gehörten:

• Die Verteidigung der individuellen und kollektiven Freiheit.
• Die Betonung intensiver Gefühle und Leidenschaften im bewussten Kontrast zum kühlen Rationalismus des Klassizismus.
• Ein besonderes Interesse an wilden Landschaften und Exotismus als Flucht aus der Realität.
• Die ungezähmte Natur als Spiegelbild der seelischen Verfassung des Künstlers.

Die von Weltschmerz geplagten Romantiker flüchteten vor der Realität in Traumwelten und die Vergangenheit, wobei sie oft die tiefsten und dunkelsten menschlichen Leidenschaften thematisierten.

Der Realismus und Gustave Courbet

Der Realismus war eine künstlerische Bewegung in den Jahren 1848 bis 1870, die sich der möglichst getreuen und ungeschönten Darstellung der Wirklichkeit verschrieb. Die realistischen Maler und Bildhauer strebten nach einer客观 Abbildung der Realität. Dies geschah in einer Zeit, in der sich die Industrielle Revolution in Europa festigte. Es bildete sich eine neue Arbeiterklasse heraus, während auch die Landbevölkerung oft unter erbärmlichen Bedingungen lebte – ein krasser Kontrast zum Reichtum des Bürgertums und des Adels. Es war eine Epoche, in der die liberalen Ideale und Hoffnungen nach den gescheiterten Revolutionen von 1848 tief enttäuscht worden waren.

Stilistisch handelte es sich um eine objektive Kunst, die auf idealisierende Bildelemente und allzu helle Farben verzichtete, um maximale Realitätstreue zu gewährleisten. Sie widmete sich bevorzugt alltäglichen und oft ungeschminkten Lebenssituationen.

Gustave Courbet war ein französischer Maler, der sich entschieden gegen den akademischen Stil stellte. Da seine Werke abgelehnt wurden, organisierte er eine eigene Ausstellung in einem Pavillon namens Pavillon du Réalisme. Courbet war zudem politisch aktiv; seine Malerei diente ihm stets auch als gesellschaftliche und politische Stellungnahme.