Spanisches Theater der Moderne: Valle-Inclán, Lorca und Gattungen

Das spanische Theater der Moderne

Erstens müssen wir uns daran erinnern, dass das Theater eine einzigartige literarische Gattung ist: Die Sender‑Empfänger‑Beziehung ist nicht unmittelbar, sondern vermittelt durch den Saal. Ebenso muss man sich daran erinnern, dass Theater auch ein Geschäft ist, in dem unterschiedliche Interessen zum Spiel kommen, die sein Wachstum beeinflussen werden. Lange Zeit lehnten Autorinnen und Autoren bürgerlichen Geschmack des Publikums ab, Fragen von großer gesellschaftlicher Bedeutung oder ideologische Anliegen wurden formal gesucht und manchmal als Abenteuer formuliert. Rentabilität, Unterhaltung und Dramatik standen oft in Spannung mit formalen Regeln.

Wandel im späten 19. Jahrhundert

Im späten neunzehnten Jahrhundert gab es mehrere Versuche, das Ende der Rhetorik und des melodramatischen Theaters herbeizuführen. Man versuchte, wirkliche, umstrittene Fragen in einer weniger rhetorischen Sprache zu behandeln. Dennoch gelang es nicht allen — Jacinto Benavente zum Beispiel hatte Erfolg bei der Gestaltung eines neuen Theaters, das den Forderungen eines Publikums entsprach, das eine erfolgreiche Formel entwickeln wollte: eine ausgewogene Dosis Gesellschaftskritik, verantwortliche Darstellung und wiederholte Erzählmuster. Eigeninteresse spielte dabei eine Rolle.

Gattungen: Komödie und poetisches Drama

Eine andere Theaterform, die gewann, ist die Komödie costumbrista. Diese betont die malerische Umgebung einer bestimmten Geografie, archetypische Charaktere, eine Umgangssprache und volkstümliche Elemente, etwas Humor und konservative Ideologie. Beispiele sind Carlos Arniches und die Brüder Álvarez Quintero.

Das poetische Drama entspricht einer Art Versdrama, geprägt von historischen Themen, die Nostalgie und Sehnsucht nach traditionellen Werten hervorrufen. Beispiele hierfür sind konservative Theaterautoren wie Eduardo Marquina.

Autoren, die Erneuerung suchten

Manche Autoren näherten sich der dramatischen Lage mit dem Anspruch einer Erneuerung. Unamuno wandelte das Drama und betrachtete es als geeignetes Instrument, um menschliche Probleme zu zeigen. Azorín gründete seine Werke oft auf Dialog. Am 27. (Anmerkung: vermutlich eine Datumsangabe im Originalkontext) nahm man eine kämpferische Haltung ein, versuchte, ein neues Publikum zu erreichen, indem das Theater zum Volk gebracht wurde. Diese Arbeiten wurden von der traditionellen Bühne häufig zurückgewiesen, und die meisten Stücke erlebten keine lange Aufführungsdauer.

Valle-Inclán und die Szene

Auf der spanischen Bühne prägten wirklich Valle-Inclán und Federico García Lorca die Szene.

Valle-Inclán zeigt Originalität, radikale Ansätze, Reichtum und Ausdruckskraft seiner Sprache, seine vielfältigen Themen und die Ästhetik seiner Werke sind oft außerhalb der zeitgenössischen Bühnenpraxis und wurden eher zum Lesen „verbannt“. Er entwickelte eine elegante und nostalgische Moderne bis hin zu einer literarischen Forschung, die in eine heftige Verzerrung der Realität mündet. Die erste Stufe seines Werks gehört zur modernistischen Schule, zu den mythischen Zykluskomödien Las bárbaras. Gleichzeitig schrieb er eine Reihe von Bühnenstücken und Farcen. All dies führte zu einer literarischen Gattung, dem esperpento.

Sein Meisterstück Luces de Bohemia enthält eine Definition dieses Genres, das das Tragische mit formalen, burlesken Eigenschaften verbindet. Die Esperpento‑Mischungen zeichnen sich durch Kontraste, einen Reichtum der Sprache, poetische Dimensionen sowie eine Verzerrung von Raum und Zeit aus. Valle‑Inclán ist eine der großen Figuren der spanischen Literatur aller Zeiten. Er schmiedet eine Kunst, die frei bricht, mit erstaunlicher Beherrschung der Sprache — eine Gestalt ohne Vergleich in der spanischen Literatur seit Quevedo.

Federico García Lorca

Lorca hat ein Theaterwerk geschaffen, das bis zur Höhe seiner Poesie reicht und zu den Gipfeln des spanischen und universellen Theaters zählt. Seine überwältigende Persönlichkeit verbarg tiefes Unbehagen, eine Wunde, die das tragische Schicksal seiner Figuren prägte: Leidenschaften, Verurteilung, Einsamkeit, Wahnsinn und Frustration bis hin zum Tod. Lorcas Figuren zeichnen sich auf zwei Ebenen aus: der metaphysischen und der gesellschaftlichen Ebene. Das dominierende Thema in seinen Stücken ist immer dasselbe: der Konflikt zwischen Individuum und Gesellschaft, also der Konflikt zwischen Norm und Natur.

Die Wurzeln seiner Stücke sind vielfältig: klassische Vorbilder, populäre Formen, die griechische Tragödie, Shakespeare sowie experimentelles Theater und Avantgarde. Er greift auf Vers und Prosa zurück, auf Volkslieder und einen lebendigen Dialog, mit einer Sprache, in der Poesie und Wirklichkeit koexistieren. Er folgt populärem Geschmack und einer starken poetischen Aufladung. In seinen Arbeiten zeigt sich das Vorhandensein von Symbolen, Metaphern, Vergleichen und starken emotionalen Konnotationen sowie einer sinnlichen und imaginativen Theaterentwicklung.

Periodisierung von Lorcas Werk

Man kann Lorca wie folgt einteilen:

• A) Die frühen Jahre in den 20er Jahren: The Curse of the Butterfly (Jugendstil und Symbolismus) und Puppet Blackjack (Puppentheater, Farce).
• B) Avantgarde‑Erfahrungen: Zwei Werke zeugen von einem doppelten ästhetischen Wendepunkt: Die Die öffentliche und verbringen Sie fünf Jahren (Komödie). (Anmerkung: Titelnamen im Original wurden beibehalten, auch wenn sie ungewöhnlich klingen.)
• C) Reifezeit: Lorca erklärte wiederholt seinen Wunsch nach breiterer Kommunikation und sozialer Beratung. Gleichzeitig finden wir in dieser Phase die Fülle der Dramatik und die erfolgreiche, vielfach aufgeführte Trilogie mit großer Publikumswirkung.

Die ländliche Trilogie

Die Trilogie des ländlichen Raums besteht aus: Bodas de sangre (Bluthochzeit), Yerma und La casa de Bernarda Alba (Das Haus der Bernarda Alba). Gemeinsame Merkmale sind: die Art der diskutierten Probleme (oft sexualisierte oder frauenbezogene Themen), Frauen als handelnde Akteure, die Einstellung in die andalusische Landschaft und das tragische Ende.

Zusammenfassend zeigt das spanische Theater der Moderne ein Ringen zwischen kommerziellen Zwängen und künstlerischer Erneuerung, zwischen traditionellen Formen und avantgardistischen Experimenten. Namen wie Benavente, Arniches, die Brüder Álvarez Quintero, Marquina, Unamuno, Azorín, Valle‑Inclán und García Lorca markieren unterschiedliche Wege und Beiträge zu dieser dynamischen Entwicklung.