Akademische und Neoklassizistische Malerei: Prinzipien und Institutionen

1. Akademische Malerei

1.1 Grundsätze der Akademie

Um den Anforderungen der Akademie gerecht zu werden, sollten Maler eine Reihe von Grundsätzen beachten:

Einhaltung der Hierarchie der Gattungen

Themen: Religiöse, mythologische oder historische Themen mussten eine moralische Botschaft vermitteln [aus der die Menschen lernen konnten]. Sie kommen in absteigender Reihenfolge:

• Historienmalerei (religiös, mythologisch, historisch)
• Szenen des täglichen Lebens (sogenannte kleine Gattung, Genre oder Sittenbild)
• Landschaft
• Stillleben (*Still Life*)

Nach Ansicht der Akademie waren Porträts, Landschaften und Stillleben unterlegen, da sie bloße Darstellungen von Objekten ohne moralische Kraft oder künstlerische Phantasie waren. Die Genremalerei wurde für ihr Können, ihren Einfallsreichtum und ihre Stimmung bewundert, durfte aber nie mit der großen Kunst verwechselt werden.

Joshua Reynolds bekräftigte, dass die Genremalerei eine untergeordnete Position in der Hierarchie der Gattungen einnahm, da sie den Zugang des Malers zu zentralen Formen störte, die die verallgemeinernden Kräfte des Geistes hervorbrachten. Der Schwerpunkt lag auf der Historienmalerei, insbesondere auf dem menschlichen Körper. Die natürliche Ordnung der Gattungen besagte, dass ein wichtiges Werk jedes Genres der Malerei in den Händen eines Genies entstehen könnte.

Obwohl die europäischen Akademien streng auf ihren Domänen bestanden, konnten viele Künstler neue und einzigartige Genres erfinden, die in der Hierarchie aufstiegen und die Bedeutung der Historienmalerei erhöhten. Reynolds gelang es, einen Porträtstil zu erfinden, der als Grand Manner (Großer Stil) bezeichnet wurde und seine Modelle als mythologische Figuren schmeichelte. Jean-Antoine Watteau erfand die galanten Feste (*Fêtes galantes*). Claude Lorrain praktizierte die ideale Landschaft (Prix de Rome 1817). Jean Siméon Chardin malte ab 1730 Figuren in seinem Werk, vor allem Frauen und Kinder.

Einhaltung der Hierarchie der Größen (Formate)

Einer Gattungshierarchie entspricht eine Hierarchie der Formate: Großformat für die Historienmalerei, Kleinformat für Stillleben.

Primat der Zeichnung über die Farbe

Dies diente der geistigen und abstrakten Kunst. Der Künstler bediente sich der Umrisse und Schatten. Die Farbe spielte eine untergeordnete Rolle und deren Studium wurde nicht als notwendig erachtet.

Vertiefung der Aktstudie

Sie basiert auf der Arbeit mit antiken Skulpturen und dem lebenden Modell. Es geht nicht nur um das Kopieren der Natur. Die Zeichnung des menschlichen Körpers ist der überlegene Ausdruck und die Verkörperung der höchsten Ideale.

Arbeit im Atelier gegenüber der Arbeit im Freien

Die Arbeit im Atelier wird gegenüber der Arbeit im Freien bevorzugt: Letztere Praxis wird toleriert, aber nur, um Zeichnungen und Skizzen anzufertigen, die später im Atelier für das Genre verwendet werden.

Fertigstellung der Werke

Die Arbeiten sollten ein fertiges Aussehen haben. Die Ausführung muss glatt und ohne sichtbare Pinselstriche sein.

Nachahmung der Alten zur Imitation der Natur

Die Nachahmung der Natur erfolgt durch die Nachahmung der Alten.

1.2 Institutionen im Zusammenhang mit der Akademie

Die Schule der Schönen Künste (École des Beaux-Arts)

Die Ausbildung der Studenten basierte nur auf der Zeichnung nach lebendem Modell und antiken Skulpturen. Kandidaten für die Hochschule für Bildende Künste mussten einen Aufnahmewettbewerb bestehen, bei dem eine nackte Figur nach lebendem Modell gezeichnet werden musste. Jedes Jahr wurden Schüler eingeladen, an zahlreichen Wettbewerben teilzunehmen. Die vorgeschlagenen Themen stammten im Wesentlichen aus der Mythologie, der griechischen und römischen Geschichte sowie der Bibel. Den Studenten mussten die Fähigkeiten vermittelt werden, um diese Themen durch die in der Schule unterrichteten Methoden zu beherrschen.

Der Salon

Der Salon wurde erstmals 1667 von Colbert organisiert. Er galt als reguläre Ausstellung lebender Künstler und wurde nach dem Salon Carré des Louvre benannt, wo er bis 1848 stattfand. Er nahm eine zentrale Stellung im künstlerischen Leben des neunzehnten Jahrhunderts ein und war der einzige Ort, an dem Künstler ihre Werke zeigen konnten. Zu dieser Zeit waren persönliche oder private Ausstellungen selten. Im Salon erwarb das Ministerium für Bildende Kunst Werke, die in das Musée du Luxembourg, in Provinzmuseen oder in öffentlichen Gebäuden ausgestellt wurden.

Die Kunstkritik

Die Kunstkritik entstand in dem Moment, als der Salon regelmäßig organisiert wurde, und wurde um 1750 durch die Berichterstattung in den Medien bekannt. Um 1850 vervielfachten sich Kunstzeitschriften und Zeitungen, die ihre Spalten für Berichte über die Salons und Ausstellungen öffneten.

2. Die Neoklassizistische Malerei

Die neoklassizistische Reaktion entwickelte sich ab der Mitte des achtzehnten Jahrhunderts als klassizistische Kunst bis zum Zusammenbruch des Ancien Régime. Die Kunstformen strebten die Wiederbelebung der edlen Formen der griechisch-römischen Vergangenheit an. Der Theoretiker und Maler Anton Mengs führte die neoklassizistischen Theorien von Raffael fort. Sein Gemälde, das er auf dem Dach eines Zimmers in der Villa Albani in Rom schuf, kann als Manifest dieses neu geborenen Klassizismus betrachtet werden.

In seinem Parnass verzichtete er auf farbenfrohe Effekte oder barocke Kompositionen zugunsten eines Gemäldes, in dem Symmetrie und Vernunft koordiniert wurden und die Perfektion der Formen antiker Skulpturen mit den Werten der Gemälde Raffaels vereint wurde. Mengs' Parnass wurde zu einem der beliebtesten Werke der Stadt, das alle Reisenden der Grand Tour besuchten. In Mengs' Werk sind viele Ideen der klassizistischen Kultur des Altertums zusammengefasst. Mengs' Parnass sollte die Zeit überdauern. Mengs führte oft fremde Elemente ein. Er fügte eine kleine, gedrungene dorische Säule ohne Basis hinzu, die eine der Musen stützt. Die Komposition spielt eine Schlüsselrolle im griechisch-dorischen Stil. Die umstrittene Säule von Mengs war das Echo einer Debatte, die wichtige figurative Implikationen haben sollte: Die griechisch-dorische Ordnung ohne Basis wurde fast zu einem Emblem der vereinfachten und abstrakten Tendenzen des späteren Neoklassizismus.

Die Archäologie führte zu Gemälden, die den Beispielen des Altertums folgten, wie bei Joseph M. Vien, dem französischen Direktor der Akademie in Rom von 1775 bis 1781. Kurz nach seiner Ankunft in Rom nahm er mehr als 22 Studenten auf. Er versuchte, der Institution mehr Strenge und Disziplin zu verleihen. Es gab auch eine Rückkehr zu traditionellen Malmeistern wie Raffael, Correggio, Carracci und Poussin. Diese etwas eklektische Malerei versuchte, alle überflüssigen Details wegzulassen, um die Bedeutung des Themas zu unterstreichen. Das Thema stand im Mittelpunkt der neoklassizistischen Malerei, da sie dazu bestimmt war, die Gesellschaft zu regenerieren, indem sie die Tugenden der Bürgerschaft interpretierte, die aus Themen der klassischen Literatur abgeleitet wurden. Der Neoklassizismus war eine Anlehnung an die Tradition des klassischen Altertums. Es gibt eine Vielzahl von Aktdarstellungen im griechischen Stil, die grandios und kühl wirken, sehr gelehrt und wissenschaftlich. Es ist eine Kunst voller Regeln, bei der die Zeichnung zählt, während die Farbe als zweitrangig betrachtet wird.

Der wichtigste Verfechter des Klassizismus war der französische Maler Jacques-Louis David, der während seines Aufenthalts in Rom stark von klassischen Einflüssen geprägt wurde. David basierte die Form seiner Figuren auf der antiken Skulptur. Sein großer Nachfolger war Jean Auguste Dominique Ingres, der sich durch die kühle Gelassenheit seiner Linien und Farben sowie die sorgfältige Liebe zum Detail mit der akademischen Tradition in Frankreich identifizierte.

2.1 Merkmale des Neoklassizismus

• Komposition mit Nutzung von Vertikalen und Horizontalen.
• Klarheit und Harmonie. Ablehnung von List und Dekoration.
• Vorherrschend: die Form der Zeichnung über die Farbe.
• Gleichmäßiges, klares und kaltes Licht.
• Die Bildfläche erscheint glatt und fehlerfrei, mit einer Ausführung, die kaum den Pinselstrich des Autors erkennen lässt.
• Es wird im Bereich der Historienmalerei kultiviert, wobei Handlungen der Französischen Revolution gefeiert und griechische und römische Mythen dargestellt werden. Die Themen waren Geschichten und Allegorien. Die Szenen zeigten nicht den Höhepunkt der Geschichte.
• Gemalt wird in Öl auf Leinwand. Der Stil strebte auch nach Einfachheit in der Komposition. Jedes Bild bezog sich auf ein einzelnes Thema. Der Rahmen besteht in der Regel aus Architekturen.
• Es wurde fast eine archäologische Rekonstruktion angestrebt, indem die von Archäologen bei Ausgrabungen entdeckten Objekte auf der Leinwand dargestellt wurden.