Amerikanische Literatur der Nachkriegszeit: Themen und Werke von Baraka, Le Guin und Carver

Literarische Strömungen der Nachkriegszeit

Der Begriff „Fabulation“ und „fabulist fiction“ wurde von Robert Scholes in seiner kritischen Studie geprägt. Dieses Genre wird oft als parodistische Behandlung früherer literarischer Konventionen angesehen und nicht als innovativ in seiner Form. „Magischer Realismus“ ist ein weiterer Begriff, der häufig verwendet wird, um Erzählungen zu beschreiben, die Realität und Fantasie gleichberechtigt behandeln.

Nach dem Zweiten Weltkrieg entstand Literatur, die zuvor als „frivol“ galt (Science-Fiction, Western, Kurzgeschichten usw.). Die 1960er Jahre mit ihren bedeutenden sozialen und politischen Ereignissen (Kennedy-Attentat, Vietnamkrieg) forderten die Vorstellungskraft der Autoren heraus. Die 1980er Jahre, oft als „Me-Dekade“ in den USA bezeichnet, sahen eine Rückkehr zu alltäglichen Erfahrungen. Der Stil der Autoren dieser Zeit entsprach dem Realismus, trug aber auch zu dessen Erneuerung bei.

Leroi Jones (Amiri Baraka): „Dutchman“ (1964)

Das Stück „Dutchman“ von Leroi Jones (Amiri Baraka) aus dem Jahr 1964 ist im Kontext des Rassenkampfes für soziale Rechte angesiedelt, der durch Ereignisse wie die Ermordung von Malcolm X im Jahr 1965 und den Angriff auf den Schwarzen Nationalismus geprägt war. Die Black Aesthetic verwirft die weiße Kultur, Kunst und Politik und lehnt die Werke früherer schwarzer Literatur ab (aufgrund unbewusster Imitation weißer Modelle/Werte).

Jazz wird als einzig gültiges Modell für den Ausdruck der schwarzen Erfahrung dargestellt. Lula kritisiert Clay, als er versucht, ihr einen Einblick in das schwarze Bewusstsein zu geben. Ihre verbale Aggression eskaliert, bis sie ihn ins Gesicht schlägt und ersticht. Ähnlich wie Richs Gedicht, das nicht das Kommende verkündet, spricht Clay mit Lula über den westlichen Rationalismus und ihre Begründungen, ihn zu töten. Ihre roten Haare, ihr kurzes Kleid und ihr Verhalten sind dabei auffällig. Angewandte rhetorische Methoden umfassen Übertreibung und Gewaltbilder. Baraka wählte das Drama für seine engagierten Werke, da er Metaphern in „lebendige“ Charaktere verwandeln konnte.

Das Stück „Dutchman“, das in einer Zeit der Rassenkonflikte spielt, offenbart ungesehene persönliche Konflikte, die in der schwarzen Bewegung verwurzelt sind. Es kritisiert die schwarze Mittelschicht und die Integrationisten, die weiße Ideologien und deren Repräsentationen übernommen hatten. (Lula kritisiert Clay beispielsweise dafür, dass er eine enge, dreiknöpfige Schulterjacke trägt, und erinnert ihn daran, dass sein Großvater ein Sklave war und er nicht in Harvard studiert hat).

Didaktische Fabel und Symbolik

Das Stück ist eine didaktische Fabel mit einer allegorischen Struktur, die mehrere Bedeutungsebenen und eine Reihe erkennbarer Symbole bietet:

• U-Bahn: Erkundung von Themen unter der Oberfläche der Realität, im „Untergrund“.
• Initiationsreise: Trägt zur Struktur und Bedeutung des Stücks bei.
• Der Apfel: Zeigt rhythmische Muster und Anspielungen, verstärkt die Eindimensionalität der weiblichen Hauptfigur. Die symbolische Kraft der Frucht umfasst sowohl Lulas Körper als auch Clays Selbsterkenntnis.
• Clays Buch: Anspielung auf Genesis, den Baum der Erkenntnis und den Fluch des Nichtwissens.
• Messer: Phallische Waffe, Symbol für sexuelle Vereinigung und Instrument der Hinrichtung (Clay wird von Lula erstochen).
• Clays Name: Anspielung auf die Urmaterie, verstärkt das Muster der verbotenen Frucht und des folgenden Sündenfalls.

Clay erinnert an Ralph Ellisons Invisible Man; er versucht, als Schwarzer unsichtbar zu sein, indem er sich als weißer Mann verkleidet (Sprache, Kleidung). Das Treffen der beiden Charaktere deutet das Scheitern der weiß-schwarzen Beziehung (Frau/Mann, Mittelschicht) an.

Hauptthemen

• Rassenvorurteile: Eine individualistische Haltung wird nicht gebilligt. Die Interpretation von Professor Alan Flint beleuchtet das Urteil der Gesellschaft über die schwarze Bevölkerung, selbst wenn diese gebildet oder „gut gekleidet“ ist.
• Symbolischer Sündenfall: Eine Neuinterpretation von Adam und Eva, die nicht Demütigung und Vertreibung aus dem Paradies beinhaltet. Im Stück ist Amerikas Eden die U-Bahn – ein unerwünschter Ort zum Leben. Clays Vertreibung fehlt daher die tragische Konnotation des christlichen Schemas. Der „zweite Adam“ kann als Versucher und schwarzer Messias gesehen werden, der erlöst, aber wie Taylor argumentiert, ist die Rolle dieses jungen Mannes dazu verdammt, ein tragisches und gewaltsames Ende zu nehmen.
• Männlichkeit: Mentale Entmannung (Verlust von Identität und Männlichkeit). Das Messer, das gegen ihn verwendet wird, dient als phallisches Instrument, das körperlichen und geistigen Tod verursacht.
• Geschichte als unterdrückende Kraft: Die Protagonisten können sich nicht von ihrem Erbe der Unterdrückung und Sklaverei lösen. (Lula sagt Clay am Ende, dass sie beide behaupten, frei von ihrer eigenen Geschichte zu sein).

Ursula K. Le Guin: „She Unnames Them“ (1985)

She Unnames Them ist eine fabulistische Umschreibung der Genesis, die uns die Geschichte von Adam und Eva mit einer Wendung erzählt. Die Geschichte wurde erstmals 1985 im The New Yorker veröffentlicht und wurde zwei Jahre später Teil der Sammlung Buffalo Gals and Other Animal Presences. Der Band verbindet Fiktion, Essay und Lyrik. Sie enthält auch die Idee, dass die Einheit mit der Natur verloren gegangen ist und diese Gemeinschaft nie wieder erreicht werden kann, solange der irreführende Begriff der menschlichen Überlegenheit über nichtmenschliches Leben andauert.

Das postmoderne Interesse zeigt sich hier in der Nacherzählung der Genesis, wo Gott Adam die Macht gibt, Tiere und Frauen zu benennen. Wie in anderen postmodernen Werken ist die ursprüngliche Geschichte der Ausgangspunkt, und der Leser konstruiert die Bedeutung aus seinem Wissen über die frühere Version.

Intertextualität und Palimpsest

Intertextualität ist in der Geschichte präsent, da die Leser sofort die Genesis erkennen und die Geschichte daher immer in Bezug zum vorhergehenden Text gelesen werden muss. Intertextuelle Anspielungsmodi umfassen (Jonathan Swift, T.S. Eliot) und Zitate („der Schlüssel zum Eden“) sowie das Palimpsest. Letzteres ist eine mittelalterliche Praxis, bei der über eine bereits beschriebene Oberfläche geschrieben wird, was suggeriert, dass es mehr als eine „Schicht“ oder Bedeutungsebene gibt. Ein Palimpsest versucht oft, eine traditionell zum Schweigen gebrachte oder ignorierte Perspektive zu bieten. Schon im Titel finden wir jene, die vom Mythos ignoriert wurden: „she“ und „them“ beziehen sich auf die biblischen Referenzen, wo jene, die Namen von Adam erhielten, nicht konsultiert wurden.

Die Bedeutung des Titels

Der Titel deutet bereits auf die Frau und die Namen der Tiere hin, was wir später erfahren, wenn sie die Tiere „entnennt“ und wir erkennen, auf wen sich diese Pronomen beziehen. Der Titel verweist auch auf binäre Oppositionen: „sie“ hängt von „ihm“ ab, und „ihnen“ hängt von „uns“ ab. Sprache formt die Realität ebenso wie kulturelle Rahmenbedingungen, und Machtverhältnisse werden in sprachlichen Äußerungen bestimmt.

Es gab Probleme mit Hunden und Vögeln (sie sprach) und mit Yaks. Sie waren nun alle unbenannt, und der Erzähler fühlt sich ihnen näher, da die Barriere der Namen nicht mehr zwischen ihr und den Tieren steht. Dieses „Entnennen“ schlägt einen Weg von einem postlapsarischen Moment (nach dem Sündenfall) zu einem prelapsarischen vor, in dem Sinne, dass es keine Unterscheidung zwischen Jäger und Beute oder Esser und Nahrung gibt.

Der Erzähler sagt Adam, dass sie ihm zurückgibt, was sein Vater und er ihr gegeben haben. Er wollte sie nach dem Grund für die Rückgabe des Geschenks fragen, aber er schenkte ihr keine Aufmerksamkeit und fuhr mit dem fort, was er tat. Sie sagte, sie hoffe, den „Gartenschlüssel“ zu finden (eine Anspielung auf ihre Vertreibung aus dem Garten), während seine Antwort war: „Wenn’s Abendessen gibt.“ Danach geht der Erzähler weg und sagt ihm, sie gehe mit den… aber dann hört sie auf zu sprechen, da sie erkennt, wie schwierig das wäre, und geht mit ihnen.

Die Geschichte widerlegt das gängige Verständnis des weiblichen Mythos als passiv und sekundär zu Adam (da Adam zuerst erschaffen wurde). Le Guins Eva ist eine aktive, kompetente Persönlichkeit, die Gottes Anordnungen unterläuft. Die Geschichte lehnt sich in diesem Sinne an die Form des Bildungsromans an, da der Erzähler Kenntnis von den etablierten Werten hat, die sie umgeben. Der Erzähler gibt uns keine genauen räumlichen oder zeitlichen Angaben. Mehrere Anspielungen dienen als prominente kulturelle Bezugspunkte mit ideologischem Zweck. Eine weitere Gruppe von Anspielungen bezieht sich auf die Unzulänglichkeit der Sprache, Erfahrungen zu organisieren; die Worte von Schriftstellern und Wissenschaftlern werden gleichermaßen zurückgewiesen. Dennoch finden wir eine häusliche Atmosphäre in der Geschichte: Gott wird „aus dem Blickfeld“ gerückt, Adam ist mit Geigenspiel beschäftigt, der Gartenschlüssel fehlt, und das Abendessen wird erwartet. Sprache, wie sie in Le Guins Werken funktioniert, ist die Barriere für das Zusammenleben aller Geschöpfe. Wir erfahren auch den Namen des Erzählers nicht, sondern müssen unseren kulturellen Hintergrund nutzen, um diese Lücke zu füllen.

Ökofeminismus

Ökofeminismus ist ein kritischer Ansatz, der die Beziehung zwischen Ökologie und Feminismus untersucht. Die Nacherzählung der Genesis stellt eine Entsprechung zwischen der etablierten Herrschaft über Tiere und der Namensgebung her. Durch das „Entnennen“ der Tiere und sich selbst durchbricht der Erzähler diese Barriere der Herrschaft. Diese Geschichte scheint die Ähnlichkeiten zwischen den Rechten von Frauen und Tieren zu betonen.

Raymond Carver: „Cathedral“ (1983)

Raymond Carver wird als Initiator des realistischen Revivals in der amerikanischen Literatur angesehen. Sein Werk wird als Fusion vieler Formen betrachtet und auch als „Dirty Realism“ bezeichnet, da er tief in unangenehme Aspekte des amerikanischen Lebens blickt und die beunruhigendsten Seiten der Amerikaner erforscht. Sein „Dirty Realism“ in Cathedral zeigt sich in der Selbstdarstellung des Erzählers, die den Leser allmählich unter jene einordnet, die vom amerikanischen Traum des Erfolgs und der Selbstverwirklichung ausgeschlossen wurden.

Ein weiterer Begriff, der zur Definition seines Werks verwendet wurde, ist der des Minimalismus, der auf die prägnante, aber vereinfachte Nachahmung der Realität hinweist. Carver selbst betrachtete sich nicht als Minimalist, nur weil er unnötige Details in seinen Geschichten eliminierte; er zog es vor, als „Präzisionist“ angesehen zu werden. Dieser minimalistische Stil ist geprägt von Wortkargheit und Ökonomie, unbedeutender Handlung, Kompression von Ereignissen, der Konzentration auf die äußere Erscheinung der Dinge und einer knappen Charakterisierung. (Die Frau wird nicht detailliert beschrieben, während die Darstellung des Blinden uns von seinem Alter, seinen gebeugten Schultern, beginnender Glatze und einem Bart erzählt. Auch seine stilvolle Kleidung wird beschrieben, und wir erfahren, dass er keine dunklen Brillen trägt oder verwenden kann). Die Darstellung des Erzählers erfolgt durch die Vorurteile und seine Unempfindlichkeit, die er offenbart.

Der entscheidende Moment und Fernsehkultur

Der entscheidende Moment der Geschichte ist, als der blinde Mann ihn fragt, wie eine Kathedrale aussieht, und er gesteht, dass Kathedralen ihm nichts bedeuten; sie sind nur etwas, das er im Fernsehen gesehen hat. Der Blinde nimmt die Hand des Erzählers und beginnt, gemeinsam zu zeichnen, dann fordert er ihn auf, die Augen zu schließen (Empathie).

Die Fernsehkultur steht als Zeichen der Konsum- und Medienkultur, in der Sensibilität und Empfindsamkeit durch audiovisuelle Strategien zerfallen sind. Diese Fernsehkultur in Carvers Geschichte ist zweifach: 1. Das summende Geräusch des Fernsehers bietet die gleiche hypnotische Wirkung wie Alkohol oder Drogen. 2. Carvers fragmentarische und skelettartige Prosa verdankt viel den charakteristischen Eigenschaften der Fernsehproduktion und -rezeption.

Epiphanie und Erzählweise

Zum ersten Mal in einem seiner Werke bietet Carver einem seiner Charaktere einen Moment der Offenbarung. Einige Wissenschaftler haben versucht, Carvers Geschichten durch die Überprüfung des Begriffs „Epiphanie“ neu zu definieren, um den Sinn des Lernens und Wachstums zu erfassen. Die Erkenntnis der Charaktere findet keinen verbalen Ausdruck, da sie ihre sozialen und emotionalen Konnotationen nicht festhalten können. In „Cathedral“ gibt der Sprecher seine ironische und voreingenommene Haltung schrittweise auf, bis der ungewöhnliche Höhepunkt ihn geistig und sprachlich fast ohne Reaktion zurücklässt. Carver rettet diesen Charakter aus seiner metaphorischen Blindheit, obwohl er unfähig ist, die Bedeutung dessen, was er gerade gelernt hat, zu artikulieren. Seine Worte über diese Erfahrung: „Ich habe nichts im Inneren gefühlt“, verraten, dass der Erzähler ein spirituelles Bewusstsein durch eine körperliche Wahrnehmung des Raumes erfahren hat.

Geschrieben in der ersten Person, finden wir einen homodiegetischen Erzähler, der die Geschichte auf eine Weise erzählt, die mündlich erscheint. Dieses Werk zeigt einen Erzähler, der nicht mit der Geschichte emotional involviert ist, auch wenn er daran teilnimmt, was ihm die notwendige Distanz gibt, um Sarkasmus, Vorurteile und Misstrauen zu zeigen. Er verwendet auch indirekte Rede, um ironisch über die Beziehung seiner Frau mit dem Blinden zu sprechen. Er manifestiert Unsicherheit und mangelnden Enthusiasmus bezüglich ihrer Beziehung, weil er einen Teil der Geschichte seiner Frau nicht aus erster Hand kennt. Normalerweise erzeugen homodiegetische Erzähler Empathie für den Sprecher beim Leser, aber hier rufen Ton und Haltung des Erzählers dieses Gefühl nicht hervor. Er präsentiert sich als ein unartikulierter Mann, der mit den Schwierigkeiten des Lebens nicht umgehen kann. Ironie und Distanz sind nützliche Instrumente, um mit Emotionen umzugehen. Wenn er uns vom Tod der Frau des blinden Mannes erzählt, tendiert die Empathie bis zu einem gewissen Punkt, aber dann fügt er hinzu, wie sie waren (verheiratet, hatten Sex, arbeiteten und lebten zusammen, begruben), während er nicht einmal wusste, wie sie aussah (was mehr Wert auf das Äußere legt).

Setting und Charakterisierung

Das Setting in Carvers Werken wird normalerweise als Innenräume mit einer bedrohlichen Atmosphäre dargestellt. Diese Atmosphäre wird in dieser Geschichte als erstickend wahrgenommen, da der Erzähler sich selbst als in seinem Wohnzimmer eingeschlossen wahrnimmt, mit einem Besucher, der willkommen ist, im Gegensatz zum übermächtigen Bild der Kathedrale, deren Unterscheidungsmerkmal ihre enorme Größe und ihr ständig wachsendes Design ist. Darüber hinaus wurden mittelalterliche Kathedralen gebaut, um den Himmel zu erreichen, was eine Vorstellung von Wachstum vermittelt, die im Gegensatz zum begrenzten Raum und Leben des Protagonisten steht. Die einzigen Namen, die er uns gibt, sind die des Blinden (Robert) und seiner Frau (Beulah). Wenn er sich auf den früheren Ehemann seiner eigenen Frau bezieht, nennt er ihn ihre Jugendliebe und fragt, warum er einen Namen haben sollte. Die Geschichte beginnt in der Gegenwart und gibt eine Erklärung für das Geschehene und seine Gefühle gegenüber einem Blinden, der zu seinem Haus kommt. Dann beginnt er über die Vergangenheit zu sprechen. Ironie: „Vielleicht könnte ich ihn zum Bowling mitnehmen.“ Unsensibel bedeutet: „Er hat keine blinden Freunde.“