Analyse berühmter Gemälde: Velázquez, Rubens, Rembrandt

Las Meninas

Las Meninas ist ein Gemälde von Diego Velázquez aus dem 17. Jahrhundert. Es ist im Barockstil gehalten und wurde in Öl auf Leinwand gemalt. Das Werk befindet sich im Prado-Museum in Madrid.

Velázquez nutzt Lichteffekte, um die Figuren im Vordergrund hervorzuheben, während die weiter entfernten Bereiche im Dunkeln bleiben. Dieses Spiel von Licht und Schatten erzeugt die Illusion von Raum und Tiefe in der Szene. Die Figuren im Vordergrund sind in zwei Gruppen von je drei Personen angeordnet. Im Zentrum steht Infantin Margarita, der Wasser angeboten wird, während eine andere Hofdame einen Knicks macht. Rechts daneben befinden sich ein Zwerg, eine Zwergin und ein Mastiff. Die körperlichen Besonderheiten der Zwerge und die dunklen Farben ihrer Kleidung betonen die Schönheit und Helligkeit der Kleidung der anderen drei Figuren. Hinter den Hauptfiguren sind eine Hofdame und ein Kammerherr im Gespräch zu sehen. Am gegenüberliegenden Ende des Raumes steht Velázquez selbst, der beobachtet. Das rote Kreuz des Santiagoordens wurde dem Maler nach seinem Tod auf Befehl des Königs hinzugefügt. Auf der obersten Stufe einer Treppe steht ein Mann (vermutlich José Nieto, der Kammerherr der Königin). Seine Armbewegung lenkt den Blick auf das Spiegelbild des spanischen Königspaares, das sich im Spiegel im Hintergrund befindet. Das Gemälde erhielt seinen Namen "Las Meninas" (Die Hoffräulein) vom Maler Madrazo und wurde von Philipp IV. sehr geschätzt.

Dank der Verwendung von Farbe und Licht entsteht eine beeindruckende räumliche Perspektive. Velázquez' Genialität zeigt sich in der Reflexion des Lichts und der Intensität des Farbauftrags. Die Pinselführung deutet Formen an, ohne sie vollständig zu definieren, was dem Bild den Anschein unmittelbarer Realität verleiht und ihn zu einem Vorläufer der Moderne macht.

Die Spinnerinnen (Las Hilanderas)

Die Spinnerinnen ist ein weiteres Gemälde von Velázquez. Es wurde ebenfalls in Öl auf Leinwand gemalt. Velázquez spielt in dieser barocken Komposition mit der Idee eines Bildes im Bild und kehrt die traditionelle Bedeutungshierarchie um. Das Bild ist sehr komplex. Velázquez stellt mythologische Figuren als gewöhnliche Menschen dar: Die junge Frau mit dem weißen Hemd, die uns den Rücken zukehrt, ist Arachne, und die Spinnerin ist Athene. Athene ist nicht verschleiert, und man sieht ihr junges Bein. Im Hintergrund sind drei Frauen zu sehen; zwei betrachten den Wandteppich, und die dritte schaut zur Spinnerin und verbindet so die vordere Szene mit der Darstellung der Göttin und Arachne. Der Wandteppich zeigt Arachnes Werk. Arachne war eine Weberin, die es wagte, die alten Götter herauszufordern. Athene versuchte, sie davon abzubringen, aber Arachne trat in den Wettstreit ein. Die wütende Göttin verwandelte die Weberin in eine Spinne. Velázquez arbeitet mit einer Luftperspektive und lockeren Pinselstrichen, die es ermöglichen, die Atmosphäre fast zu "berühren". Die Lichtverhältnisse deuten die Effekte von Entfernung und Formgebung im oberen Teil des Raumes an. Ein Lichtstrahl erhellt den Raum diagonal und hebt den Wandteppich vom Rest des Zimmers ab. Die Spinnerinnen wurden als Allegorie für die Überlegenheit der freien Kunst über die angewandte Kunst interpretiert.

Die Drei Grazien

Der Autor dieses Werkes ist Rubens. Es stammt aus dem 17. Jahrhundert und ist im flämischen Barockstil gehalten. Die Technik ist Öl auf Holz (Tabla). Rubens' energische Pinselstriche sind unter einer lockeren, pastosen Farbanwendung verborgen. Die Farbe des zarten Fleisches der drei Grazien ist das Ergebnis der Kombination der drei Grundfarben: Rot, Gelb und Blau, was dem Bild große Leuchtkraft verleiht. Die Szene betont die Sinnlichkeit der Körper der drei Frauen und ihre geschwungenen Linien.

Rubens malte diese Version der drei Grazien aus der klassischen Antike: Die drei jungen Frauen bilden einen kleinen, miteinander verflochtenen Kreis, wobei eine von ihnen dem Betrachter den Rücken zukehrt. Die kräftigen Frauen im Vordergrund sind nackt oder teilweise bedeckt. Man erkennt große Zartheit in ihren Gesten, die andeuten, dass sie im Begriff sind zu tanzen. Am unteren Bildrand ist eine idyllische Landschaft zu sehen, die von einem Blumenkranz, einem Koffer und einem Baumast eingerahmt wird.

Das Thema, das Rubens zu diesem Bild inspirierte, stammt aus der griechischen Mythologie, wonach die drei Töchter des Zeus die Göttinnen der Anmut, Freude und Schönheit waren. Rubens schuf eine Studie weiblicher Akte im Einklang mit den ästhetischen Idealen der Epoche. Die Grazie auf der rechten Seite soll Isabella Brant darstellen, Rubens' erste Frau; die auf der linken Seite Helene Fourment, seine zweite Frau. König Philipp IV. von Spanien erwarb das Gemälde schließlich bei einer Auktion von Rubens' Nachlass nach dessen Tod. Das Bild zeigt die Sinnlichkeit und die Behandlung warmer Farben. Rubens behandelte mythologische, historische und andere Themen.

Die Anatomie des Dr. Tulp

Die Anatomie des Dr. Tulp wurde von Rembrandt van Rijn in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts gemalt. Der niederländische Künstler schuf dieses Werk im Barockstil in Öl auf Leinwand.

Das Bild zeichnet sich durch ein dramatisches, künstliches Licht aus, das von oben einfällt und den Kontrast zwischen der Kälte des nackten Körpers und der Wärme der Gesichter der Teilnehmer der Anatomiestunde hervorhebt. Das atmosphärische Helldunkel (Chiaroscuro) verleiht der Szene Intensität, Emotion und eine fast skulpturale Wirkung auf die Figuren. Der sezierte Arm des Verstorbenen sticht in dieser Gruppe hervor, die vom Helldunkel und den Schwarz-Weiß-Tönen der Kleidung dominiert wird.

Im Holland des 17. Jahrhunderts war es üblich, dass Zünfte und Korporationen Gemälde in Auftrag gaben, die ihre Mitglieder in ihren Versammlungsräumen zeigten. Normalerweise musste dabei die hierarchische Ordnung der Dargestellten beachtet werden. Rembrandt bricht jedoch mit der Starrheit früherer Werke dieses Genres und legt mehr Wert auf die Handlung und Interaktion. Er arrangiert die sieben Figuren um den Körper und Dr. Tulp in einer pyramidenförmigen Komposition. Einer der Teilnehmer hält ein Blatt mit den Namen der sieben Anwesenden, die für diese Lektion des Doktors bezahlt haben.

Der architektonische Hintergrund rahmt die Szene ein. An der Wand hängt ein Schild mit dem Namen des Künstlers und dem Datum des Gemäldes. Dieses Werk basiert auf einem realen Ereignis. Rembrandt wurde in Holland geboren und erreichte seine volle barocke Schaffensperiode in Amsterdam, teilweise unter dem Einfluss von Rubens. Durch die Verwendung von Helldunkel schafft er eine Atmosphäre, die dem Bild eine visuelle und spirituelle Bedeutung verleiht.