Analyse dreier architektonischer Werke

1. Tassel Haus (1892-1893)

Beschreibung

Das Tassel Haus, erbaut vom belgischen Architekten Victor Horta in Brüssel, ist ein kleines Wohnhaus, das mit verschiedenen Materialien gebaut wurde, teils klassisch (Holz, Stein), teils modern (Eisenbalken und -stützen). Victor Horta (1861-1947) war einer der ersten Architekten, der sich der Möglichkeiten bewusst war, Eisen als dekoratives und strukturelles Element zu verwenden.

Formale Analyse

Dieser Bau entspricht einem langen, schmalen Raum, der durch das Grundstück bedingt ist, mit drei Etagen und offenen, identischen Proportionen der Wohnungen. Wir finden eine perfekte Harmonie zwischen der Funktionalität des Gehäuses und den ästhetischen Prinzipien des Modernismus: wellige Rhythmen in Wänden und Säulen (Eisen), die an Pflanzenformen erinnern. Diese Ornamente sind zweidimensional und dreidimensional reproduziert (modern). Die Lobby mit der von einer Säule und Pflanzen dominierten Treppe ist achteckig. Keramikzeichnungen an den Wänden oder die Lichter der Treppe spielen mit einem sinnlichen Universum.

Lage

Das Haus präsentiert eine viel regelmäßigere Fassade, und so können drei Stockwerke mit einer gewissen Symmetrie gesehen werden. Mit rechteckigen Fenstern an den Enden und dem Mittelfeld, das mit einer Pflanze bedeckt ist, während in den beiden folgenden Stockwerken Fenster entstehen. Die nackte obere Markise zeichnet eine klare horizontale Linie.

Konstruktiver Abfall

Wie bei allen Werken des Modernismus sind die dekorativen Elemente entscheidend: Keramikböden, Wandzeichnungen, Säulen, Geländer der Treppe (Pflanze, die einen Peitschenhieb einführt). Der Modernismus fügt Objekten ein hedonistisches Element hinzu.

Stil

Der modernistische Stil zeigt sich in der Struktur durch die Verwendung neuer Materialien, die Verwendung traditioneller Materialien und Techniken (Keramik oder Schmiedeeisen) als Rechtfertigung der Würde des Objekts. Der Schwerpunkt liegt auf gebogenen Linien. Betont wird die Verwendung von Eisen sowohl als dekoratives als auch als strukturelles Element. Ästhetik der Funktion vs. Ästhetik der Form.

Interpretation

Die Arbeit wurde von dem Ingenieur Tassel in Auftrag gegeben und ist ein privates Gebäude mit klarer Funktionalität als Familienhaus. Der gesamte Bauprozess wurde von Victor Horta geplant. Diese Kunst verbindet sich in gewisser Weise mit der städtischen und bürgerlichen Minderheit, da ihre Kosten höher sind. Das Gebäude versucht, sich vom rein funktionalen Stil zu lösen und setzt auf das handwerkliche Konzept. Der Modernismus, bekannt für seine Reihe von "-ismen", ist in ganz Westeuropa im späten 19. Jahrhundert entstanden und manifestiert sich Anfang des 20. Jahrhunderts als eine Erneuerungsbewegung der Künstler.

2. Barcelona-Pavillon (Mies van der Rohe)

Beschreibung

Bezüglich der Materialien zeigt der Pavillon eine Kombination aus modernen Materialien wie Stahl, Chrom, Eisen und Glas zusammen mit anderen klassischen und kostspieligen wie Travertin-Marmor, grünem und goldenem Onyx. In jedem Fall kommt die große Sorge des Architekten um die Qualität der Materialien zum Ausdruck. Wie man leicht erkennen kann, handelt es sich um ein Gebäude mit einem architravierten Bausystem, da ausschließlich vertikale und horizontale Geraden vorhanden sind. Die wichtigsten tragenden Elemente dieses Werkes sind acht Säulen (kreuzförmige Pfeiler) aus Stahl mit einem hohen Chromgehalt, die es ermöglichen, dass die Wände keine tragende Rolle spielen. Diese Wände sind so angeordnet, dass sie Räume schaffen und die Schönheit der Komposition unterstreichen. Das Element am Rande ist scharf, d.h. das große, flache Dach, das alles sehr auffällig ist und eine horizontale Linie vereint, die die gesamte Fläche des Gebäudes umfasst.

Formale Analyse

Wenn wir das Innere verstehen, muss klargestellt werden, dass dieser Plan offen ist, mit einem Stockwerk und einigen Wänden, die den Geist der verschiedenen Räume schaffen, die der Architekt will, immer mit dem Ziel, dass dieses Werk eine klare Unterscheidung zwischen Innen- und Außenbereich bietet. Mies van der Rohe wollte einen Raum mit Kontinuität schaffen und erreicht dies durch das Verschwinden von geschlossenen Räumen oder Kammern. Diese Kontinuität des Raumes macht ihn zu einer Einheit, da es eine Kommunikation zwischen den Naturräumen und überdachten Terrassen mit Wasserbecken (rechteckige Teiche) gibt, die sich an den Wänden spiegeln (was das Gefühl der Größe betont) und dem flachen Dach. Es ist also ein Raum, der die Bewegung von Personen, von Besuchern, erleichtert. Im Innenraum (wenn die Muttergesellschaft der Ausstellungshalle ist) wird der Besucher mit flachen, vertikalen und horizontalen Rechtecken an der Wand aus Onyx oder grünem, transparentem Glas konfrontiert, die den Raum gliedern, ohne ihn jemals zu schließen. Der Raum, wenn man in diesem Gebäude gut spricht, ist geprägt durch gerade Linien, vorzugsweise horizontal, die die Abdeckung und die Basis markieren, und durch das Vorhandensein von Umfängen der Pläne, die die Wände, Fenster, Mauern, Terrassen usw. bilden, so dass wir von einer orthogonalen Komposition von Linien und Flächen mit verschiedenen Farben sprechen können. In diesem Sinne können wir dieses Gebäude mit den Gemälden von Piet Mondrian und seinen Kompositionen in den Niederlanden in Verbindung bringen, die zur neoplastizistischen Gruppe De Stijl gehören. Es gibt keinen Kran selbst, aber einige Wände wurden zu geschlossenen Räumen. Der Zugang erfolgt über acht Stufen, die den Sockel aus Granit bilden. Eine Mauer aus Travertin trägt eine Bank aus demselben Material und dient als Verbindung zwischen dem Neben- und dem Hauptteil des Gehäuses am südlichen Ende. Zu den Highlights zählen die klassische Skulptur von Georg Kolbe, "Morgen", die sich in einem kleinen Teich befindet und das einzige Element ist, das den Rationalismus durchbricht, sowie der Spiegel und der sogenannte Barcelona-Stuhl, der von Mies van der Rohe und Lilly Reich 1929 für dieses Gebäude entworfen wurde. Der einzige Hinweis auf Farbe ist ein roter Vorhang.

Stil

Nach dem, was wir bisher gesehen haben, können wir sagen, dass dieses Gebäude ein Wahrzeichen der rationalistischen Architektur ist, die sich manifestiert in: offener, steifer Struktur, einfachen Volumen, wenig Verzierungen, der Mauer als einfachem Abschluss ohne Stützfunktion und speziell in dieser Arbeit in der Kontinuität von Raum und angewandter neoplastizistischer Architektur. All diese Innovationen sind im 20. Jahrhundert weitgehend auf den Einsatz moderner Werkstoffe und Fertigungsverfahren (Beton, Stahl, Glas) und die Suchfunktion, die Notwendigkeit des 20. Jahrhunderts, zurückzuführen. Es war als temporäres Werk konzipiert, war aber im gesamten 20. Jahrhundert einflussreich, besonders in der spanischen Architektur, die durch ihn in Kontakt mit der rationalistischen Architektur des Bauhauses kam.

Freiräume und Zweck

Streng, einfach, weniger ist mehr (Ökonomie des Ausdrucks, die Mies van der Rohe inspirierte), Verzicht auf überflüssige Verzierungen. Klassizismus: Sorge für die Proportionen, Details und Perfektion der kompositorischen Materialien und Oberflächen. Resonanzen zu nordischen Asiaten, mit einem einfachen und raffinierten Design, nutzte Mies jede Gelegenheit, die neue Materialien und neue Techniken boten. Die Konzeption der horizontalen Autonomie in Bezug auf die Umwelt und die offenen Noten sind charakteristisch für die Modernität des Gebäudes.

3. Guggenheim Museum Bilbao (1991-1997)

Beschreibung

Das Guggenheim Museum wurde zwischen 1991 und 1997 in Bilbao am Rande der Mündung des Nervión gebaut, etwa 16 Meter unterhalb der umliegenden Gebäude. Das Gebäude hat eine bebaute Fläche von 24.290 m², von denen rund 11.000 für Ausstellungsräume vorgesehen sind. Der gewählte Ort für das Museum ist das ehemalige Werftgelände und die Brücke La Salve. Es wurde von Frank O. Gehry entworfen, einem kanadischen Architekten, der 1929 in Toronto geboren wurde. Gehry studierte Architektur an der University of Southern California und Stadtplanung in Harvard. In den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts begann er eine Abkehr von der Kunst, die besagte, dass die architektonische Form der Funktion folgen müsse. In den 70er Jahren erreichte er in den USA mit minimalem Einsatz ungewöhnlicher und billiger Materialien und in den 80er Jahren mit spektakulären Bauten und formaler Ausdruckskraft die dekonstruktivistischen Theorien. Erbaut mit Materialien wie Kalkstein, Glas und vor allem Titan in den Außenbereichen, reagiert das Bausystem auf seine Branche mit einer komplexen Struktur, die von einem Computerprogramm für Luft- und Raumfahrtsimulationen namens Catia geschaffen wurde, das in der Lage ist, die notwendigen Strukturen zu berechnen, Skizzen zu interpretieren und sie in dreidimensionale Volumina zu verwandeln. Das konstruktive System und die tragenden Elemente sind mit denen der zeitgenössischen Architektur verbunden, dem Gitter.

Formale Analyse

Das Werk zeigt ein chaotisches Erscheinungsbild der Opposition, zersplittert und das Volumen des Raumes, die Halle gleicht aus der Vogelperspektive einer blumenförmigen Komposition, da von ihr verschiedene Räume ausgehen, die an Blütenblätter erinnern. Das Gebäude ist von innen um ein großzügiges Foyer und eine spektakuläre Höhe von 50 Metern herum organisiert, um die sich auf drei Etagen 19 Galerien befinden, von denen zehn eine orthogonale und neun eine unregelmäßige Form haben. Diese Verteilung wird mit offenen zeitgenössischen Industriematerialien erreicht, und auch die Vielfalt und der Reichtum des Raumes im Museum bieten eine große Vielseitigkeit, da 10 Räume für die chronologische Darstellung regulärer Werke bestimmt sind, während die Säle des Museums mit spektakulären Formen und Größen für monographische Ausstellungen bestimmter Künstler genutzt werden. Die natürliche Beleuchtung erfolgt zenital durch Oberlichter, und die Kommunikation zwischen den Galerien erfolgt über geschwungene Stege, Aufzüge und verglaste Treppentürme, die das Atrium mit der zentralen Halle verbinden. Alle Innenräume unterstreichen die große Halle des Wals oder Fisches mit über 30 Metern Länge und 130 Metern Breite, einem lichtdurchfluteten Raum ohne Säulen, so dass dort die großen und schweren Ausstellungsstücke installiert werden können. Dieser unregelmäßige und verzerrte innere Aspekt steht im völligen Gegensatz zur Stabilität und Einheit traditioneller Baustile und spiegelt die Harmonie einer bewussten und geplanten formalen Luxation wider, die sich am stärksten im Äußeren zeigt.

Außenansicht

Erstens das Fehlen eines beherrschenden Brennpunkts, wie z. B. der Haupteingang, der von einer absteigenden Treppe gelöst wird, um den Höhenunterschied zum Platz zu überwinden, weshalb er relativ versteckt ist und keine beherrschende Fassade darstellt, was die integrierte Sicht auf das Ganze begünstigt. Im Äußeren sind zwei verschiedene Arten von Volumen zu unterscheiden: die ersten regulären Volumen, die mit Kalkstein bedeckt sind und den unteren Teil des Gebäudes dominieren, und die Volumen, die mit winzigen gebogenen und verdrehten Titanplatten von einem Millimeter Dicke bedeckt sind. Unter all diesen Orten befinden sich viele große Glaswände, die dem Museum Transparenz verleihen und die Kommunikation zwischen Innen- und Außenbereich fördern. Diese mit Titan beschichteten Volumen verleihen dem Gebäude Einzigartigkeit und Persönlichkeit, da es einer Reihe von Formen folgt, die den traditionellen Prinzipien der Architektur trotzen, sich in entgegengesetzte Richtungen drehen und neigen, so dass wir sagen könnten, dass die Form der Fantasie folgt, aber nicht der Funktion. Auf der anderen Seite hat der Glanz des Titans einige reflektierende Eigenschaften, die die Reflexionen auf dem Wasser ergänzen, was wiederum das Gefühl verstärkt, dass es sich um ein riesiges Segelschiff oder einen Fisch handelt.

Nicht konstruktive Positionen

Das Gebäude ist modern, dekorativ, entfernt sich vom historischen Charakter, und die Art der Bildhauerei und Malerei ist verbindlich, da sich das dekorative Gebäude selbst wie eine riesige Skulptur erhebt, die das Chaos in einer scheinbaren Helligkeit des Titans verstärkt. In diesem Sinne gibt es einige, die dieses Gebäude als eine bewohnte Skulptur mit organischen Formen betrachten, die an verschiedene Figuren erinnern, wie bereits erwähnt wurde.

Stil

Das hier beschriebene Werk liegt im architektonischen Dekonstruktivismus, einer der künstlerischen Strömungen der Architektur, die typisch für das Ende des Jahrtausends ist und zwischen High-Tech und Dekonstruktion angesiedelt ist. Beide teilen sich drei Grundprinzipien der spätmodernen Architektur: das Vorherrschen von Gebäuden mit einem Gefühl von Skulptur, eine große Stärke der äußeren Linien mit Aufspaltung des Raumes in kleinere Einheiten und schließlich die Verwendung von Massenelementen in Bezug auf Technologie und Industrie. Die architektonische Dekonstruktion konzentrierte sich auf die Fragmentierung der Form, ein literarisches und philosophisches Konzept, das der französische Philosoph Jacques Derrida in den späten achtziger Jahren entwickelte. Sie stellt viele der Prinzipien der historischen Architektur in Frage und zeichnet sich durch gequälte Formen, unregelmäßige und scheinbar zerfallene Ansätze aus, die in einem scheinbar irrationalen Zustand sind: Die Vertikale und die Horizontale werden aufgegeben, geometrische Körper drehen sich um ihre Achsen, Strukturen werden aufgebrochen und es entsteht ein scheinbares Chaos, so dass wir sagen können, dass die Form der Funktion und der Fantasie folgt.

Interpretation und Funktion

Anfang 1991 gab das Solomon R. Guggenheim Museum bekannt, dass es einen neuen Hauptsitz, ein neues Museum in Europa, bauen werde. Dieses Projekt fiel mit dem Wunsch der baskischen Regierung zusammen, in der Stadt ein Museum für zeitgenössische Kunst in Bilbao zu errichten, als Teil des Prozesses der Stadterneuerung. Es gab einen internationalen Wettbewerb, und schließlich wurde der Vorschlag von F. O. Gehry angenommen, da er sich gut in den Raum einfügte und vor allem wegen seiner starken visuellen Kraft sehr monumental war. Tatsächlich geht das Guggenheim nach seiner Fertigstellung über seine Rolle als Museum hinaus und wird zu einem Emblem, einem Wahrzeichen des neuen Bilbao. Um die Übersicht der einleitenden Abschnitte zu ergänzen, gibt es zwei Aspekte, die zu berücksichtigen sind: das Guggenheim Museum in Bilbao geht über seine Rolle als Museum hinaus, und seine Bedeutung (in Bezug auf die historische und kulturelle). Seine Konstruktion war recht riskant, umstritten und polemisch, und als er das erste Modell sah, sagte Gehry selbst: Mein Gott, was habe ich getan? In gewisser Weise qualifiziert das Gebäude die Schaffung von Starchitects (+ Stararchitekt), eine abwertende Bezeichnung für diese Erkenntnisse, die spektakuläre Symbole weltweit säen. Aber auf der anderen Seite ist dieses Museum auch ein Beispiel für den so genannten "Wow-Faktor", ein Konzept, das sich auf Gebäude bezieht, die einen dramatischen Prozess der Stadterneuerung gefördert haben, in diesem Fall das Museum. Tatsächlich sprechen wir in den Klassen über Stadtgestaltung als Paradigma des Bilbao-Effekts, der Verbesserungen und wirtschaftlichen Planung, die ein einzigartiges Gebäude bieten kann. Wie Gehry selbst erkennt, gibt es viele Berührungspunkte zwischen dem Sydney Opera House von Jørn Utzon und dem Guggenheim Museum, sowohl aus technischer als auch aus formaler Sicht und als Wahrzeichen für die Stadt.