Analyse ikonischer Kunstwerke: Picassos Demoiselles d'Avignon & Munchs Der Schrei

Les Demoiselles d'Avignon: Picassos Meisterwerk

„Les Demoiselles d'Avignon“ ist ein figuratives Ölgemälde auf Leinwand von Pablo Picasso, das 2,43 x 2,33 Meter misst.

Komposition und Darstellung der Figuren

Die Komposition zeigt einen Innenraum mit fünf nackten weiblichen Figuren. Diese Frauen sind in einem tiefen Raum verteilt und werden als Objekte dargestellt. Ihre Körper wirken eingezwängt und verzerrt, ihre Augen zeigen Traurigkeit. Picassos Umgang mit dem Primitivismus war im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern eher umstritten, doch er war fasziniert von dessen Spontaneität und blieb seinen thematischen Inhalten treu.

Thematischer Inhalt und ursprüngliche Idee

Die ursprüngliche Idee für dieses Werk war eine realistische Darstellung einer Szene in einem Bordell, in der ein Matrose mit den Mädchen zu Mittag isst. Letztendlich zeigt das Gemälde jedoch nur fünf nackte Frauen. Die beiden Figuren mit erhobenen Armen in der Mitte der Komposition auf der rechten Seite des Bildes scheinen Müdigkeit und eine Verurteilung des Lebens auszudrücken. Die Darstellung der Frauen, die hocken und deren Körperteile fragmentiert erscheinen, stellt einen radikalen Bruch mit den traditionellen Schönheitskanons dar.

Formensprache: Ein Vorbote des Kubismus

Die Formensprache des Werkes kann dem Kubismus zugeschrieben werden, da es als Vorläufer dieser Kunstrichtung gilt. Der Kubismus beinhaltet die rationale Anwendung und Interpretation geometrischer Prinzipien und Techniken:

• Ablehnung der künstlichen Perspektive durch überlappende Ebenen.
• Dissoziation von Farbe und Form.
• Kult des Objekts durch Betonung seiner Präsenz.
• Ablehnung der Dynamik.

Aufgrund dieser Merkmale nimmt der Kubismus hier einen klassischen Charakter an (Statik, allgemeine Tendenz zum Verharren).

Funktion und tiefere Bedeutung des Werkes

Das Werk, das im Kontext von Arkadien entstand, wurde als allegorische, satirische und erotisch-literarische Darstellung konzipiert. Das Auftauchen der Masken hat eine tiefere Bedeutung; Leo Steinberg interpretierte dies als eine philosophische Frage. Möglicherweise wollte Picasso mit dem Sinn der Maske die gesamte Kultur des Fin de Siècle, die das Primitive praktisch leugnete, herausfordern.

Vorgeschichte und weitreichende Folgen

Die Figuren in diesem Werk sind von El Greco beeinflusst. Ursprünglich steht das Werk im Zusammenhang mit Haremszenen von Ingres und Cézannes „Die Badenden“. Cézannes letzter Beitrag zur Transzendenz ist außergewöhnlich, und „Les Demoiselles d'Avignon“ gilt als Initiator des Kubismus, der sich vom Realismus und den Gesetzen der Perspektive löst.

Identifikation: Picasso und sein bahnbrechendes Werk

Das Werk „Les Demoiselles d'Avignon“ und sein Schöpfer Pablo Picasso repräsentieren eine der vitalsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst. Picassos Beziehung zu Themen wie dem Zirkus Medrano und die Verwendung weicher Farben prägten seine sogenannte Rosa Periode. Ab 1906 begann er, die malerische Tradition zu brechen, was als seine „schwarze Periode“ bezeichnet wird und mit „Les Demoiselles d'Avignon“ ihren Höhepunkt findet. Realistische Details wurden durch geklebtes Papier und andere Materialien sowie eine noch stärkere formale Vereinfachung ersetzt. Picassos Fähigkeit zur Erneuerung war immens und setzte sich mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs fort, wobei er eine besondere Vorliebe für das Monströse und Symbolische entwickelte. Nach dem Krieg verband er dies mit einer vitalen Freude und Experimentierfreude bei der Untersuchung verschiedener Materialien.

Edvard Munchs „Der Schrei“: Ein ikonisches Werk

„Der Schrei“ von Edvard Munch ist ein non-figuratives Werk, das als Gemälde und Pastell in Tempera auf Holz ausgeführt wurde und 0,91 x 0,735 Meter misst.

Komposition: Ausdruck von Angst und Isolation

Die Komposition zeigt eine zentrale Figur – es könnte eine Frau oder ein Mann sein –, die sich an ein Geländer lehnt, die Hände über die Ohren hält und den Mund in einer Geste der Verzweiflung weit öffnet. Ihr Blick ist auf etwas jenseits des Betrachters gerichtet. Im Hintergrund sind zwei weitere Figuren zu sehen, die sich entfernen und somit die Hauptfigur von der Realität isolieren. Jenseits des Geländers erstreckt sich eine Landschaft aus Himmel und Erde mit wellenförmigen Linien, die an Schallwellen eines Schreis erinnern, der dem Mund der Figur entweicht. Die fehlende Symmetrie verstärkt das Gefühl des Unbehagens. Das Bild ist ein Schmerzensschrei, der die innere Stimmung des Malers ausdrückt. Die Landschaft mit Meer, Himmel und Erde basiert auf wellenförmigen Linien, die ein starkes Gefühl der Weite vermitteln. Die Hauptfigur, die sich jenseits der Brücke befindet, scheint mit allem zu sympathisieren. Ihre Angst zwingt sie, die Hände in dieser Position zu halten; der Künstler verzerrt die Figur, um den Ausdruck zu verstärken.

Thematischer Inhalt: Selbstporträt der Seele

Thematisch betrachtet, handelt es sich um eine Art Selbstporträt des Künstlers, das sich mit der Einsamkeit angesichts von Leben und Tod auseinandersetzt.

Formensprache und künstlerische Einflüsse

Die Formensprache des Werkes ist geprägt von der Wahrnehmung bestimmter Eigenschaften wie den Farbkontrasten und der verzerrten Darstellung des menschlichen Körpers, um den Begriff der Angst auszudrücken. Seit etwa 1910 steht seine Bedeutung in klarem Kontrast zu Deutschland, wo zwei wichtige Bewegungen entstanden: „Die Brücke“ und „Der Blaue Reiter“. Munchs Malerei spiegelt den Einfluss anderer Bewegungen wie Kubismus und Futurismus wider.

Chronologie: Ein Vorläufer des Expressionismus

Chronologisch betrachtet, gilt dieses Werk als Vorläufer des Expressionismus, einer Kunstrichtung, die sich später entwickelte.

Funktion und Bedeutung: Spiegel der Seele

Munch wollte in seinen Werken die Seele und die entlegensten Winkel des menschlichen Daseins widerspiegeln. „Der Schrei“ ist eine Reflexion der inneren Welt des Künstlers, die Einsamkeit thematisiert. Es ist ein Selbstporträt des Künstlers, das seine Erfahrungen als Individuum oder in der Gesellschaft zu verschiedenen Zeiten darstellt.

Vorgeschichte und weitreichende Einflüsse

Als Vorgeschichte und Folgen können wir zwei Werke betrachten: „Das kranke Kind“ und „Abend auf der Karl Johans gate“. Es gibt viele Versionen dieses Werkes, die Munch im Laufe seiner Produktion anfertigte. Der Einfluss von „Der Schrei“ war weitreichend; es ist oft auf dem Cover der „Brücke“-Gruppe zu sehen.

Ort und Kontext: Paris und soziale Unruhen

Edvard Munch malte „Der Schrei“ in einer Zeit, in der Paris zweifellos eine Wiege des zeitgenössischen Denkens war. In diesem Kontext gab es eine starke Debatte darüber, wie die Gesellschaft organisiert werden sollte. Paris war damals in ein konstantes Klima des sozialen Protests gehüllt.

Identifikation: Technik und weitere Werke

„Der Schrei“ ist ein Werk, das auf Karton in Tempera-Pastell-Technik ausgeführt wurde. Munchs Malerei lehnt die neutralen Themen des Impressionismus ab und widmet sich dem Ausdruck von Stimmungen. Zu seinen weiteren bekannten Werken gehören „Der Tanz des Lebens“ und „Pubertät“.