Annibale Carracci: Malerei des Barock

Analyse: Carraccis Venus-Darstellung

Im Vordergrund sehen wir Kinder, die mit verschiedenen Gegenständen spielen. Dies geschieht auf einer Art roter Decke (Quilt), die den Körper der völlig nackten Göttin hervorhebt, ohne dass Stoff sie verdeckt (ähnlich Skulpturen, mit direktem Licht und grauen Farbtönen). Ein Vorhang rahmt die Göttin ebenfalls ein, schließt die Komposition ab und lenkt die Aufmerksamkeit auf die Figur. Die Vorhänge sind in Blau- und Silbertönen gehalten, eher hart. Der Farbton erinnert an Veronese und knüpft an die venezianische Malerei an.

Der Rest der Komposition öffnet sich zu einer Landschaft, die andersartig ist. Wir sehen, dass die Horizontlinie nicht geschlossen ist; die klassische geometrische Perspektive wird aufgegeben. Die Landschaften sind offen, immer weitläufiger, es gibt keine Fluchtpunkte, sondern eine Abfolge von Tiefenebenen, die unser Auge durch das Licht leiten. Wir haben ein helles Licht (wie bei Raffael), aber es ist breit und umfassend, es führt nicht zu plötzlichen und heftigen Kontrasten (wie in Venedig). Wenn wir den Horizont erreichen, sehen wir, was vor uns liegt: drei kleine Putten, Schatten, Licht, Schatten, Licht, Felsen und die Horizontlinie – eine Sequenz von Ebenen, die unsere Betrachtung vom Vordergrund bis zum Hintergrund führt.

Der Barock ist Bewegung. Der Künstler bezieht uns in das Bild mit ein, sodass wir die gesamte Komposition bis zum Ende erfassen können. Die Kinder stellen einen menschlichen, lebendigen Kontrast zur statuenhaften Göttin dar. Sie spielen in vielfältigen Haltungen. Carracci wird zum ersten Maler des Barock, der uns allmählich die Landschaft als eigenständiges Thema näherbringt. Schließlich verschwinden die Figuren im Vordergrund fast in der Landschaft (im Vergleich zur Toilette der Venus).

Vergleiche mit anderen Meistern

• Giorgione, Tizian - Schlafende Venus: Wir beginnen mit einer idealisierten Venus und gelangen zu einer natürlicheren Darstellung. Dies ist eine der ersten vollständig nackten Venus-Figuren. Tizian vollendet die Landschaft. (ca. 1510-11). Die Figur schläft entspannt, die Nacktheit ist vollständig sichtbar. Durch das Anheben des linken Arms wird die gesamte Körperkontur sichtbar (vgl. Christusfiguren der Barockskulptur).
• Tizian - Venus von Urbino (1538): Übernimmt eine ähnliche Komposition wie die erste Venus. Die Figur im Vordergrund, angeschnitten, auf einem Bett mit roter Decke. Die Qualität der Materialdarstellung ist ebenfalls ein Merkmal des Barock. Das weiße Laken bildet einen Lichtpunkt, der den Körper der jungen Frau umgibt. Sie blickt uns an und bezieht uns mit ein – eine andere Haltung als bei der früheren Venus. Die Farbgebung unterscheidet sich von Carracci, da sie viel weicher ist. Wir sehen die Horizontlinie mit viel goldenem Licht im Kontrast zum Weiß der venezianischen Schule.
• Tizian - Der Garten der Liebe (?): Eines seiner frühen Hauptwerke. Die Kinder erinnern an Carraccis Venus-Gemälde. Hier sind die Putten im Garten das Hauptmotiv. Tizian betont den Naturalismus, während die Figur der Venus statuenhaft wirkt. Der Horizont ist klar, da Tizian in seiner Frühphase ein helles Licht verwendet, das später diffuser wird. Es zeigt zwei junge Männer, die nicht direkt zur Szene gehören, sondern Zeitgenossen darstellen (in Rot und Blau).

Zu dieser Zeit, in Verbindung mit Venedig, beginnt die Landschaft als eigenständiges Genre aufzutreten.

• Giorgione - Das Gewitter (La Tempesta): Die erste Landschaft, in der die Figuren Teil der Landschaft sind und nicht umgekehrt.

Landschaftsmalerei von Carracci

La Pesca (Der Fischfang, 1588)

Wir sehen Landschaften, in denen das Licht das Hauptthema ist (dunkle Zone, helle Zone, dunkel, hell, die zum Horizont führt). Eine belebte Natur, in die kleine Figuren eingefügt sind, um die Proportionen der Landschaft zu verdeutlichen. Obwohl die Figuren im Vordergrund naturalistisch sind, werden in den weiteren Ebenen kleinere Figuren platziert.

Flusslandschaft (1589)

Weißes Morgenlicht lässt die Blätter im Licht aufleuchten. Die Wiedergabe des Lichts in Bezug auf die Farbe spielt eine Rolle – etwas, das er in Venedig gelernt hat: wie Licht durch Farben und Schattierungen je nach Einfall dargestellt wird. Das Licht ist das wesentliche Element.

Annibale Carracci in Rom (1594-1609)

1594 ließ sich Annibale Carracci in Rom nieder. Kardinal Odoardo Farnese (damals 18 Jahre alt, Neffe von Alessandro Farnese und Bruder von Ranuccio) berief ihn und seinen Bruder Agostino nach Rom, um den Hauptsaal (Salone) im Palazzo Farnese auszumalen. Während der Vorbereitungen besuchten sie den Vatikan und waren von den Werken Raffaels und Michelangelos beeindruckt.

1595 gab Odoardo diese Fresken in Auftrag. Agostino kehrte nach Parma zurück und trat in den Dienst Ranuccios. Annibale nahm Odoardos Auftrag an, das Studiolo (Camerino) zu malen, und blieb in Rom.

Cesari-Kapelle (1601-1602), Santa Maria del Popolo

Mariä Himmelfahrt (Vergleich)

Auftrag einer wohlhabenden Familie für ihre Kapelle in einer der wichtigsten Kirchen Roms. Hier gibt es klare Kontraste; das Licht ist gebündelt und trifft scharf auf die Figuren, was ihnen einen skulpturalen Aspekt verleiht. Eine andere Version der Himmelfahrt in Öl (vermutlich eine frühere) ist malerischer, die Farbe stärker verteilt. In der früheren Version sehen wir eine Vielfalt von Tönen, die in der späteren fehlt. In dieser späteren Fassung wird der Vordergrund betont.

In Bologna entwickelte Carracci unter dem Einfluss von Correggio eine räumliche Tendenz nach unten. Dies erinnert an manieristische Kompositionen, in denen Objekte angeschnitten wurden, um den Raum auf den Betrachter auszudehnen. Die Figuren sind schwerer und monumentaler. Das Licht ist gleichmäßiger, da eine einzige Lichtquelle die Hauptfiguren beleuchtet, die ein großes Dreieck bilden.

Die Jungfrau zeigt ein typisches Merkmal der barocken Komposition: eine Aufwärtsbewegung, die bei Tizian beginnt und hier zu einer übersteigerten Bewegung wird. Die Figur der Jungfrau selbst drückt Bewegung und Lebenskraft aus. Der Kontrast zum Hintergrund – ein Goldgrund erscheint hinter der Jungfrau – erinnert an Tizian und Tintoretto, während Veronese eher silbrige Töne verwendete. Dieses Detail erinnert an die goldene Wärme der venezianischen Malerei und dient dazu, die Arme der Jungfrau hervorzuheben.