Ausgewählte Meisterwerke der Kunstgeschichte

Eros und Psyche (Antonio Canova)

Diese Skulptur von Antonio Canova (18. Jahrhundert) verkörpert die strenge neoklassische Schönheitsidee. Sie ist eine freistehende Marmorskulptur in Weiß, die sich im Louvre befindet.

Kompositorisch bilden die beiden Figuren eine Einheit. Die zentrale Anordnung der Arme von Eros und die Platzierung von Kopf und Körper von Psyche konzentrieren den Blick des Betrachters auf einen geschätzten Brennpunkt. Es ist kein kaltes neoklassisches Werk, sondern voller Zärtlichkeit und Geschichte.

Canova verwandelt die gewählten Materialien – Marmor, Kalkstein und vulkanisches Gestein – in eine realistische Darstellung, die die Empfindung von Schweiß hervorruft. Die Reinheit des weißen Marmors, nicht polychrom, reflektiert die historische Endgültigkeit.

Die Skulptur basiert auf der mythologischen Erzählung von Apuleius. Eros und Psyche bauen eines Tages einen Palast. Als Psyche, desolat, eine Kerze benutzt, um Amor zu sehen, tropft Wachs auf sein Gesicht. Desolat sucht sie ein Orakel auf, um Amor zurückzugewinnen. Psyche wird bestraft und erst gerettet, als Eros sie küsst.

Der Schwur der Horatier (Jacques-Louis David)

• Künstler: Jacques-Louis David
• Jahr: 18. Jahrhundert
• Stil: Neoklassizismus
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Literarisch
• Ort: Louvre

David organisierte die Komposition mit großer Ausgewogenheit und perfekter Integration der Figuren im Raum. Jede Figur ist einer Arkade zugeordnet, was eine mögliche finale Trennung andeutet. Die Figuren passen zum polierten Stil und zur Farbgebung der Zeit. Die feine, perfekte Formmodellierung der Figuren erinnert an die anatomische Reinheit der Klassik.

Gerade Linien dominieren die männlichen (aggressive) und kurvige Linien die weiblichen Figuren (sentimental). Die Farbpalette umfasst Schattierungen von Grau und Ocker. Der Hintergrund ist dunkel, die Formen sind klar. Die besondere Verwendung von Rot in drei Bereichen teilt das Bildfeld und gleicht die Szene aus, was eine gewisse Kälte erzeugt. Das schwache Licht ohne klaren Fokus lässt die Farben gedämpft erscheinen.

Das Werk ist inspiriert von der Tragödie des Dramatikers Corneille über die Horatier. Es erinnert an den Moment, in dem drei Brüder bis zum Tod gegen drei Krieger einer benachbarten Stadt kämpfen. Auf der anderen Seite verbietet es Frauen, Verwandtschaft mit allen Männern beider Seiten zu haben. Einflüsse von Raffael und Caravaggio sind erkennbar.

Der Denker (Auguste Rodin)

• Künstler: Auguste Rodin
• Jahr: 19. Jahrhundert (ca. 1880-1904)
• Stil: Impressionistisch, Symbolisch
• Technik: Freistehende Bronze-Skulptur
• Ort: Verschiedene Museen weltweit

Die Skulptur zeigt einen nackten Mann mit überdimensionierten Armen, Händen und Füßen, der auf einem Felsen sitzt. Sein Oberkörper ist leicht nach vorne geneigt, die rechte Hand ruht auf dem Kinn, während der linke Arm auf dem Schoß liegt – eine Haltung tiefer Reflexion.

Die Komposition ist klar zentripetal, löst sich aber von der unmittelbaren anatomischen Umgebung. Die Glieder der Figur schaffen eine überraschend regelmäßige geometrische Modellierung. Die anatomische Behandlung betont die Muskelspannung im Körper, als ob die Anstrengung physisch und nicht nur mental wäre. Der Künstler belebt die Hände der Figuren; die vollen Finger und die 'arbeitenden' Teile verleihen dem Charakter Vitalität und erzeugen Lichtspiele.

Es ist die Darstellung eines anonymen Charakters, versunken in seinen Gedanken. Ursprünglich war die Figur Teil von Rodins „Höllentor“ und sollte Dante darstellen, der das tragische Schicksal der Verdammten betrachtet. Sie ist eine Metapher des fatalen Schicksals.

Impression, Sonnenaufgang (Claude Monet)

• Künstler: Claude Monet
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Impressionismus
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Landschaft, Hafenansicht
• Ort: Musée Marmottan Monet

Vor einem nebligen Hintergrund sind nur die großen Handelsschiffe mit ihren Masten und die rauchenden Fabriken im Hafen schemenhaft zu erkennen. Die kleine, runde Sonne öffnet den Blick und beleuchtet das Meer, während drei Boote vorbeiziehen.

Monet umgeht die konventionelle Darstellungsweise, indem er die wissenschaftliche Praxis und die detaillierten Umrisse von Objekten zugunsten der entstehenden Emotionen und der reinen Zeichnung aufgibt. Die Szene wird von blau-grauen Nebelfarben dominiert. Die orangefarbene Sonne und ihre Lichtreflexion kontrastieren stark.

Die Wahl der Komplementärfarben ist nicht zufällig; sie reagiert auf das Gesetz des Simultankontrastes. Nach diesem Gesetz verstärkt das Nebeneinander von zwei Komplementärfarben deren Intensität. Dieses Werk könnte den Hafen von Le Havre darstellen, wo das Helldunkel besonders ausgeprägt ist. Es zeigt Monets Jugendwerk und greift eines seiner Lieblingsmotive auf: die Darstellung von Lichtreflexionen auf dem Wasser.

Die Familie Karls IV. (Francisco de Goya)

• Künstler: Francisco de Goya
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Neoklassizistisch-Romantisch
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Gruppenporträt
• Ort: Museo del Prado

Das Gemälde zeigt die königliche Familie Karls IV., darunter:

• König Karl IV.
• Königin Maria Luisa von Parma
• Ferdinand VII. (Prinz von Asturien)
• Maria Josefa
• Maria Isabel
• Maria Luisa
• Francisco de Paula
• Antonio Pascual
• Luis de Borbón

Die Freiheit führt das Volk (Eugène Delacroix)

• Künstler: Eugène Delacroix
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Romantik
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Allegorisch, Historisch
• Ort: Louvre

Die erste Kälte (Miquel Blay)

• Künstler: Miquel Blay
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Symbolistisch
• Technik: Freistehende Skulptur aus weißem Marmor
• Thema: Kostümistisch, realistisch
• Ort: MNAC (Museu Nacional d'Art de Catalunya)

Ein Begräbnis in Ornans (Gustave Courbet)

• Künstler: Gustave Courbet
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Realismus
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Kostümistisch, Alltagsszene
• Ort: Musée d'Orsay

Es ist ein kollektives Porträt verschiedener sozialer Klassen, die sich um das Grab versammeln, während das Ritual der Totenbahre stattfindet. Sie stehen in einem Halbkreis, ohne Hierarchie in der Größe, und sind horizontal wie ein Fries angeordnet. Das einzige Element, das herausragt und die Uniformität bricht, ist das Kruzifix. Eine höhere horizontale Linie wird durch die vertikale Felswand gebildet. Das Kruzifix kontrastiert mit den anwesenden Figuren.

Der Künstler möchte die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Hauptereignis lenken. Das schwache Licht des Sonnenaufgangs erzeugt zarte Kontraste von Licht und Schatten in einigen Figuren. Die Farbpalette ist reduziert. Hervorzuheben sind die weißen Akzente im Zentrum, wie die Kleriker und der Hund, die den dramatischen Charakter verstärken und den dominanten Lichtfokus bilden. Die Szene ist insgesamt dunkel.

Courbet wollte die Beerdigung eines Bauern malen, weil er den Alltag und die soziale Szene seiner Stadt darstellen wollte und dies ein Thema war, das ihn zuvor sehr interessiert hatte. Für das Gemälde standen über 50 Personen Modell, darunter auch seine Schwestern.

Die Vikarie (Marià Fortuny)

• Künstler: Marià Fortuny
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Realismus
• Technik: Öl auf Holz
• Thema: Kostümistisch
• Ort: MNAC (Museu Nacional d'Art de Catalunya)

Das Frühstück im Grünen (Édouard Manet)

• Künstler: Édouard Manet
• Jahr: 19. Jahrhundert
• Stil: Impressionistisch, Realistisch
• Technik: Öl auf Leinwand
• Thema: Kostümistisch, Alltagsszene
• Ort: Musée d'Orsay

Die horizontale Komposition ist in drei Ebenen unterteilt: Im Vordergrund liegen Obst und Brot, dahinter eine bekleidete Frau, eine nackte Frau und zwei Männer. Eine weitere Frau ist im Bach zu sehen, die sich abkühlt. Drei Szenen sind in einem kompositorischen Dreieck mit linearer Perspektive enthalten. Der Fluchtpunkt liegt im kleinen Stück Himmel, das oben gemalt ist.

Einige Kritiker sprechen von einem Mangel an Einheit und einer Zerstreuung der Elemente in der zentralen Szene; jeder Charakter scheint isoliert. Die übereinanderliegenden, flachen Landschaftselemente ohne Helldunkel erzeugen kein Gefühl von Volumen. Dies wird durch die Absorption des hellen Lichts durch die Farbe erreicht.

Manet reproduziert die Schatten eines Baumes und nutzt die Transparenz des Baches mit dem tonalen Reichtum von Schwarz und Grün. Die zentralen Figuren sind in Weiß gehalten. Das Gemälde zeigt eine typische Alltagsszene mit seiner Schwester, einem Bildhauer und seinem bevorzugten Modell.