Barock in Europa: Kunst, Architektur und Malerei

Barocke Architektur und Malerei in Europa

Versailles, Rembrandt und Rubens

Französischer Klassizismus: Versailles als Machtsymbol

Die französische Baukunst orientierte sich stärker an klassischen Vorbildern als die italienische. Die Gründung der Académie d'architecture förderte das Studium von Vitruv und die Analyse antiker Bauten. Die Akademien waren ein Versuch, die künstlerische Produktion zu vereinheitlichen und zu kontrollieren. In diese Linie der klassischen Interpretation fügt sich die Kirche des Invalides in Paris von Jules Hardouin-Mansart ein. Der Bau besteht aus zwei Teilen: dem unteren Teil mit sich überschneidenden Ordnungen und dem oberen Teil mit einer großen Kuppel über einem Tambour. Der Bau ist nüchtern, heiter und ausgewogen.

Die Zivilarchitektur erlebte während der Herrschaft Ludwigs XIV. eine außergewöhnliche Entwicklung.

• Schloss Versailles: Verbindet die Gärten des Palastes mit der Stadt. André Le Nôtre entwarf die Gärten von Versailles nach strengen Regeln des klassischen französischen Stils. Die Fassaden sind auf drei Etagen gebaut: Servicebereich (Untergeschoss), Haupthalle (Erdgeschoss) und Privaträume (Obergeschoss). Die Fassade hat eine erste Ebene als Basis, eine zweite Ebene mit großen Fenstern und eine dritte Ebene mit kleineren Fenstern. Die Fassade ist mit Säulen geschmückt. Die Innenräume sind prunkvoll im Barockstil eingerichtet.

Die Entwicklung der Malerei: Die Niederlande

Die Niederlande sind nach der Reformation in zwei Bereiche mit unterschiedlichen Charakteren geteilt: Flandern und Holland, was zu zwei sehr unterschiedlichen Malweisen führt. Flandern, unter spanischer Herrschaft, ist katholisch. Es gibt viele große Leinwände für religiöse Themen in den Kirchen. Die Porträts versuchen, das feierliche Bild der dargestellten Person wiederzugeben. In Holland, einer bürgerlichen und protestantischen Republik, verschwinden die religiösen Gemälde aus den Kirchen und werden zu kleinen Gemälden für Privathäuser. Das Porträt ist das wichtigste Thema, sowohl individuell als auch kollektiv. Weitere Themen sind: Landschaft, Stillleben usw.

A) In Flandern: Peter Paul Rubens

Sein Leben verbrachte er in der Diplomatie und der Malerei. Er überprüfte sein Schaffen mit manieristischen Künstlern, was die übertriebene Fülle seiner Figuren erklärt. Sein Aufenthalt in Italien eröffnete ihm jedoch neue Horizonte durch das Studium der venezianischen und italienischen Malerei: Die anatomischen Studien von Michelangelo, die warmen Farben der Venezianer und die Hell-Dunkel-Malerei von Caravaggio. Seine Entwürfe basieren auf dem Rhythmus der Kurve und der Dynamik der Bewegung. Die weibliche Aktfigur ist sein Favorit, mit weichem und geschmeidigem Fleisch. Rubens war ein außergewöhnlicher Virtuose der Technik. Er arbeitete an religiösen Themen, wie der Kreuzabnahme, aber sein Lieblingsgenre war die Mythologie, mit Werken wie Der Raub der Proserpina oder Die drei Grazien. Er versuchte sich auch an der Historienmalerei.

B) In den Niederlanden: Rembrandt van Rijn

Ein vielseitiger Maler, der sich mit verschiedenen Genres beschäftigte: Landschaft, Porträt, mythologische Interieurs. Seine skizzenhafte Malweise zeigt sich in Werken wie dem Selbstbildnis, wird aber feiner, wenn er Auftragsarbeiten ausführt. In Die Nachtwache verwandelt er die typische statische Darstellung einer Gemeinschaft in eine Straßenszene. In Die Vorsteher der Tuchmacherzunft betont die Einfachheit des Raumes und die Schlichtheit der Kleidung das Studium der psychologischen Porträts.

• Die Anatomie des Dr. Tulp: Professor Dr. Tulp gab eine öffentliche Anatomievorlesung, die Rembrandt in einem Gemälde festhalten sollte. Die Assistenten sind nicht anwesend. Es wird vermutet, dass dieses merkwürdige und rätselhafte Werk mehrere Umbauten erfahren hat, die vom ursprünglichen Entwurf des Künstlers abweichen. Der Künstler offenbart sich als ausgezeichneter Lehrer der Komposition, wobei die Leiche eines Hingerichteten als Zentrum der Aufmerksamkeit dient. Die Lichtbehandlung erzeugt die Aufmerksamkeit des Betrachters. Die Studie der Porträts ist individualisiert.

Architektur und Skulptur im barocken Spanien

Architektur

• Während der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts folgen die Gebäude dem Stil des Escorial. Obwohl Stein und Marmor verwendet werden, sind die Materialien oft arm, was durch die Dekoration verdeckt wird. Die Gesellschaft Jesu verbreitete den Kirchentyp der Jesuitenkirchen.

A) Der erste Barock

In Kastilien entspricht die Architektur dem enormen Einfluss des Escorial. Juan Gómez de Mora sticht hervor, der in Salamanca die Kirche La Clerecía baute, die dem Grundriss der Jesuitenkirchen folgt. In Madrid entwarf er die Plaza Mayor, wobei das Casa de la Panadería das wichtigste Element ist. In der gleichen Linie wurden das Gefängnis und das Rathaus gebaut.

B) Die ornamentale Entwicklung

Die alten und strengen Formen werden durch eine Sprache ersetzt, die mehr dekorative Elemente wie Blumenmotive und Voluten enthält. Der Architekt Alonso Cano aus Granada sticht hervor. Die Kathedrale von Granada und die Basilika El Pilar in Zaragoza, die von Ventura Rodríguez fertiggestellt wurde, kombinieren die geometrische Strenge des Grundrisses mit der Innenausstattung und der großen Wirkung ihrer Kuppeln.

C) Das 18. Jahrhundert

In diesem Jahrhundert verbindet sich der Barock mit dem Rokoko. In Madrid ist Pedro de Ribera für die Entwicklung verschiedener Werke verantwortlich, wie die Brücke von Toledo und die Fassade des Hospizes von San Fernando. In Salamanca entwarfen die Brüder Churriguera die Plaza Mayor. Alberto Churriguera integrierte dekorative Elemente auf der Grundlage von Kurven. In Galicien ist die Obradoiro-Fassade der Kathedrale von Santiago de Compostela das wichtigste Bauwerk. In Valencia hat der Palacio del Marqués de Dos Aguas eine paradigmatische Fassade, die einen regionalen Stil mit einem Horror Vacui verfolgt, der zu einer Verdrängung menschlicher, tierischer und pflanzlicher Elemente führt. In Toledo überschreitet Narciso Tomé mit dem Transparente der Kathedrale die Grenzen des Materials und schafft eine organische Einheit. In Spanien gab es auch ein konstruktives Interesse am Klassizismus, dessen wichtigstes Werk der Palacio Real de Madrid ist.

Skulptur

• Das Thema ist religiös, es werden Bilder von Christus, der Jungfrau Maria und den Heiligen dargestellt. Die häufigsten Werke sind die pasos (Prozessionsfiguren). Die Altäre sind mit runden Skulpturen geschmückt. Die pasos bestehen aus einzelnen Figuren oder Gruppen, die für die Straßen gedacht sind. Die Technik ist auf die Größe des Holzes beschränkt, das dann bemalt und vergoldet wird. Der Stil spiegelt die Volksfrömmigkeit wider. Die Bilder stehen im Mittelpunkt der Prozessionen. Die Vielzahl der Perspektiven erzwingt tiefe Studien des Kontraposts und der expressiven Gewalt. Die regionalen Zentren konzentrieren sich auf Kastilien und Andalusien.

A) In Kastilien: Gregorio Fernández

Zu Beginn war er vom Manierismus beeinflusst. Seine Einzigartigkeit ergibt sich aus seinen anatomischen Studien, die er mit reichlich Blut versieht. G. Fernández zeichnete sich auch durch die Schaffung ikonografischer Typen aus: die Unbefleckte Empfängnis, der liegende Christus oder das Ecce Homo. Er ist ein Virtuose in der Behandlung des Körpers und im Ausdruck des Schmerzes.

• Die Pietà: In Valladolid entstand sie für die Kirche Las Angustias und stellt eine Gruppe dar, die aus der Jungfrau Maria mit dem toten Christus, den beiden Dieben, dem Heiligen Johannes und Maria Magdalena besteht. Die pyramidenförmige Struktur ist von großer Stabilität. Die Falten sind eckig, aber die Anatomie des Christus ist nicht gewichtet, während der Ausdruck die dominierende Note der Gruppe ist. Die Beherrschung der Polychromie trägt zur Dramatik der Szene bei und erhöht den Realismus.
• Der Autor betonte das Thema des Altarbildes und des Ortes, wie das Kloster der Karmelitinnen in Valladolid, die Taufe Christi. Die Figuren sind praktisch rund. Die Behandlung der eckigen Falten, die "metallische Faltung", bleibt bestehen.

B) In Andalusien: Juan Martínez Montañés

Er arbeitete in Sevilla und war zu Beginn von manieristischen Kreisen beeinflusst. Seine Kunst ist heiterer und ausgewogener als die von G. Fernández. Eines seiner erfolgreichsten Werke war der Christus der Barmherzigkeit in der Kathedrale von Sevilla, der eine lange Anatomie aufweist, in der das Blut dosiert wird. Für die Kirche San Isidoro del Campo schuf er ein Altarbild mit seinem Heiligen Hieronymus. Das Thema der Unbefleckten Empfängnis hat er wiederholt aufgegriffen und eine Typologie geschaffen, die von ihm und seiner Werkstatt für Spanien und Amerika vielfach reproduziert wurde. Die wichtigste ist die Unbefleckte Empfängnis in Sevilla, von erlesener Schönheit und mit übertriebenen Falten im Mantel.

Das Goldene Zeitalter der spanischen Malerei

Ribera, Zurbarán, Velázquez und Murillo

A) Einführung

Die Armut in einem Land in der Krise beeinflusst die Materialien, wie z. B. Öl in der Malerei. Die Malerei ist eine Kunst des Tenebrismus, die aus der Natur hervorgeht. Sie begründet das Studium spezifischer Typen mit einem hohen Grad an Mystik. Es ist der Triumph der Realität, die sowohl schön als auch hässlich ist. Bei den religiösen Themen ist die Darstellung des Lebens der Heiligen zahlreich. Das Porträt war im Bereich des Königshauses und des Adels reichlich vorhanden. Die spanische Malerei des Goldenen Zeitalters war von großer Stille und Gelassenheit geprägt. Von der Vielzahl der Maler des Jahrhunderts erreichte nur eine Minderheit eine außergewöhnliche Kategorie.

B) Tenebristischer Naturalismus: Ribera und Zurbarán

• Jusepe de Ribera: Ein Maler mit unsicherer Ausbildung. Sein Verdienst liegt in den Ideen von Trient, was die Fülle seiner religiösen Produktion erklärt. Sein Martyrium des Heiligen Philippus, der diagonal in der Mitte des großen barocken Gemäldes liegt, ist bemerkenswert. Er wurde auch in der Genremalerei tätig, vor allem in der Darstellung anatomischer Pathologien, wie Die bärtige Frau oder Der Klumpfuß, eine rohe Darstellung eines Kindes, das bettelt und an einer Krankheit leidet.
• Francisco de Zurbarán: Er gehörte zur gleichen Generation wie Ribera, entwickelte aber einen ganz anderen Stil, der auf einer Malerei basierte, die zunächst im Tenebrismus verwurzelt war. Er war der beste Interpret der Ideen der Gegenreformation und erreichte die Materialisierung der stärksten Mystik, aber er ist ein schlechter Maler in der Komposition von Theaterdekorationen. Zurbarán schuf ein Gemälde mit minimalen Schwankungen im Laufe seiner Karriere, von der Dunkelheit zum Licht. Er malte vor allem für religiöse Orden. Das Leben des Heiligen Bonaventura, das vom gleichnamigen Kloster in Sevilla in Auftrag gegeben wurde, ist ein klares Beispiel für den Versuch seiner Malerei, religiöse Mystik auszustrahlen. In Die Ausstellung des Leichnams des Heiligen Bonaventura verwendet er die Diagonale als Schlüsselelement der Komposition. Der Tisch der Kartäuser ist ein Exponent seiner Einfachheit in der Komposition, eines seiner wenigen Werke, das sich auf eine volumetrische Form von Objekten und Personen konzentriert.

C) Die evolutionäre Malerei von Velázquez

Sein Werk war dem seiner Zeitgenossen weit überlegen. Velázquez wurde in Sevilla geboren, wo er in der Werkstatt von Pacheco ausgebildet wurde. Er war ein Maler von Philipp IV. Sein Thema ist sehr umfangreich. Seine Technik mit Öl ist wunderbar, mit einer Progression des Pinselstrichs von fein bis aufgelöst. Sein Stil variiert stark von seinen ersten Werken in Sevilla, die noch im Dunkeln gehalten sind, bis zur vollständigen Entfaltung seiner Palette. Seine Werke entwickelten sich in mehreren Phasen:

• Sevilla-Phase (bis 1623): Sie ist geprägt von seiner Ausbildung bei Pacheco, von dem er die Technik des Tenebrismus und die Tonalität des Holzes erlernte. Er arbeitet an religiösen Themen von großem Interesse und an Genrebildern. Ein gutes Beispiel für diesen Modus ist Die alte Frau, die Eier kocht, die mit Leichtigkeit das Genrebild mit dem Stillleben verbindet. Der feine Pinselstrich bestimmt eine Beleuchtung, die die Figuren hervorhebt, die sich heftig vom dunklen Hintergrund abheben.
• Erste Madrider Phase: König Philipp IV. ernannte ihn zum königlichen Maler. Er schuf eine Reihe von Porträts des Königs und von Personen am Hof, wie Demokrit und Der Narr Calabacillas. Sein wichtigstes Werk ist Der Triumph des Bacchus, das die Mythologie mit dem Volkstümlichen verbindet und voller Kontraste ist.
• Erste Reise nach Italien: Er kam in Kontakt mit großen Meistern und assimilierte all ihre Ressourcen, um seine Entwicklung zu vertiefen. Er erhöhte die Fließfähigkeit seiner Farbe, wobei er die Reste des Tenebrismus durch das Studium des Aktes und der Luftperspektive überwand. Die Schmiede des Vulkan fasst alle seine Errungenschaften zusammen, wobei er das Mythologische und das Alltägliche vermischt und die anatomische Untersuchung des Aktes hervorhebt.
• Zweite Madrider Phase: Er setzt seine einzigartigen religiösen Themen um, aber bemerkenswert sind die Porträts der königlichen Familie und des Narren Pablillos de Valladolid. Er beginnt mit der Dekoration des Salón de Reinos des Palacio del Buen Retiro. Sein berühmtes Porträt des Grafen-Herzogs von Olivares verwendet eine völlig lockere Pinselführung für die Darstellung des Charakters und des Ausdrucks einer Perspektive. Er malt auch Bilder von Jägern und eine Reihe von Narren.
• Zweite Reise nach Italien: Er reist im Auftrag des Königs. Dort malt er das Porträt von Innozenz X., das eine tiefe psychologische Erfassung aufweist, und die Villa Medici, die in einem vollkommen impressionistischen Stil formuliert ist. Besonders wichtig ist Die Toilette der Venus, mit der Einführung des weiblichen Aktes. Ihre Position von hinten und das Gesicht im Spiegel können einen Punkt des Geheimnisses in der Komposition erzeugen.
• Letzte Periode (1651-1660): Er erreicht den Höhepunkt der Dampfmalerei mit einem Gemälde, in dem es viele Schattierungen von Rosa und Elfenbein gibt. Er malt vor allem Porträts, aber sein Gemälde Las Meninas ist wohl sein Meisterwerk. Darin überwindet er seine Arbeit zum Thema des Porträts, um uns eine neue Interpretation des Gemäldes zu geben, da die Figuren an der Stelle des Malers stehen und die Könige beobachten. Hinzu kommt die Behandlung des Lichts. Sein letztes großes Werk, Die Spinnerinnen, war ein Wunderkind, in dem er die mythologische Szene perfekt mit der Genreszene verschmilzt und die maximale Entfaltung seines "impressionistischen" Pinselstrichs erreicht.

D) Andere andalusische Maler: Murillo

Murillo pflegte eine Kunst, die sich auf die Realität konzentrierte, gefiltert durch eine zarte und idealisierte Interpretation des Natürlichen, und brachte religiöse Szenen in den ursprünglichen Stil des Volkes. Seine Entwicklung führte zu einer reifen Kunst von hoher Leuchtkraft und dampfenden Figuren. In Kinder essen Obst beobachten wir eine Genreszene, in der extrem arme Kinder und Bettler in Lumpen durch den Filter der Idealisierung gemalt werden und ihnen eine kindliche Grazie verleihen. Diese ist aber von größerer moralischer Größe und Würde in religiösen Szenen, wie dem Jesuskind als Hirte. Sein anderes beliebtes Thema war das der Unbefleckten Empfängnis, mit pompösem Windtuch und idealisierter Schönheit von Andalusien, auf einem Cluster von Engeln mit evaneszenten Mitteln platziert.