Das Barock in der spanischen Literatur und im Theater

Die Barockzeit in Spanien

Die Barockzeit folgte unmittelbar auf die historische und kulturelle Wiedergeburt der Renaissance. In der spanischen Literatur erreichte sie ihren Höhepunkt und krönte das Goldene Zeitalter, das eine umfassende Erneuerung eingeleitet hatte.

Historischer und sozialer Kontext

Der Barock in Spanien fällt in die Zeit der sogenannten Habsburger Könige: Philipp III., Philipp IV. und Karl II. Diese Ära war geprägt von einer tiefgreifenden historischen Krise:

• Finanzkrise: Die Gelegenheit, den Reichtum aus der Neuen Welt ausreichend zu investieren, wurde nicht genutzt.
• Spanischer Niedergang: Spanien verlor in Europa an Gewicht.
• Auswanderung nach Amerika: Teile Spaniens wurden entvölkert.
• Neue Mystik und Religiosität: Entstanden als Reaktion auf die Katastrophen der Zeit.

Merkmale des Barock

Der Optimismus der Renaissance wich im Barock einer tiefen Ernüchterung. Ideale wurden zerschlagen, und die Kunst, die zuvor Ausgeglichenheit und Ruhe suchte, spiegelte nun die Angst und Unruhe der Gesellschaft wider. Die Barockliteratur griff Renaissance-Themen auf, interpretierte sie jedoch neu. Es kam zu einem Verlust des Glaubens an den Menschen und einer Entwertung seiner Welt. Zwischen Renaissance und Barock gab es keinen vollständigen Bruch, sondern eine natürliche Evolution und Veränderung.

Ideologie und Einstellungen

Das barocke Denken war geprägt von einer tiefen Enttäuschung gegenüber der Welt. Drei Haltungen lassen sich im Angesicht des Niedergangs beobachten:

• Konfrontation, Rebellion und Nonkonformismus: Sichtbar in moralischen und politischen Abhandlungen sowie in einem wichtigen Teil der Dichtung.
• Flucht: Durch die Übernahme von Renaissance-Inhalten und die Schaffung neuer Formen der Schönheit.
• Anpassung und Koexistenz: Die Mehrheit des Theaters spiegelte diese Haltung wider.

Literarische Ästhetik und Schlüsselthemen

Barockschriftsteller strebten vor allem nach Originalität, Individualität und Kreativität. Sie nutzten rhetorische Mittel wie Überraschung, Witz und die Schaffung einer neuen Kunstform oder eines neuen Kunstgriffs. Schlüsselthemen des Barock waren:

• Epische, romantische und mythologische Stoffe.
• Religiöse, moralische und politische Fragen.
• Spöttische und satirische Inhalte.
• Historische und legendäre Erzählungen.

Culteranismo und Conceptismo

Der Begriff Conceptismo konzentrierte sich auf den Inhalt und griff auf rhetorische Denkfiguren wie Antithesen, Paradoxa und Wortspiele zurück. Der Culteranismo hingegen legte den Fokus auf die Schönheit und den Ausdruck der Form.

Die Poesie des Barock

Die barocke Poesie, geprägt durch den Culteranismo und Conceptismo, erreichte in der Geschichte der spanischen Dichtung kaum vergleichbare Höhen.

Themen der Barockpoesie

Die großen Themen der Renaissance – Liebe, Natur und Mythologie – erfuhren im Barock eine logische Weiterentwicklung. Moralische Themen reflektierten die Kürze des Lebens und die Vergänglichkeit des Irdischen.Renaissance-Themen, die sich im Einklang mit der barocken Haltung entwickelten:

• Liebe mit transzendentem Sinn.
• Natur, die in ein moralisierendes Objekt verwandelt wurde.
• Mythologie als Ausdruck von Schönheit und rhetorischem Spiel.

Barocke Themen waren die Folge von Enttäuschung und Pessimismus:

• Zeit und Vergänglichkeit, die Kürze des Lebens und die Allgegenwart des Todes.
• Der Traum als Symbol des Lebens.
• Der Spiegel als Symbol der Enttäuschung.
• Das Problem Spaniens.

Strömungen der Gelehrtenpoesie

Die gelehrte Poesie nutzte heroische Verse, die sich für den lyrischen Ausdruck eigneten, sowie das Sonett und den Gesang. Dichter bildeten zwei Hauptgruppen:

• Jene, die das klassische Gleichgewicht zwischen Inhalt und Ausdruck brachen.
• Jene, die das ästhetische Ideal der Natürlichkeit und die korrekte Auswahl des Renaissance-Klassizismus beibehielten. Lope de Vega harmonisierte diese beiden Tendenzen.

Die Barockdichtung wurde oft in drei Hauptströmungen unterteilt: Culteranismo, Conceptismo und Klassizismus.

Culteranismo: Luis de Góngora

Die Culteranismo-Dichtung, auch als Gongorismus bekannt, war eine der bedeutendsten Strömungen und hob das Erbe der Renaissance hervor. Culteranismo-Dichter konzipierten ihre Werke als komplexe Geflechte formaler und starker Kontraste, oft mit gewagter Rhetorik. Es war ein Versuch, künstliche und perfekte Welten zu schaffen.Zu seinen wichtigsten Merkmalen zählen:

• Optimale Nutzung der Verse und große Musikalität.
• Meisterhafte Behandlung der Metapher.
• Tadellose poetische Transformation durch die Wahl der Worte und den rhythmischen Klang.
• Stärkung der Rolle mythologischer Themen.
• Exquisite syntaktische Komplikation.

Ihr Anführer war Luis de Góngora y Argote aus Córdoba, dessen Leben sich zwischen Hof, literarischen Zirkeln und leidenschaftlichen Anhängern sowie nicht weniger heftigen Angriffen auf seine Poesie abspielte. Sein Werk ist eine konstante Verherrlichung einer idealisierten Realität, die jedoch durch ihre sinnlichen Qualitäten definiert wird. Der poetische Ausdruck kann als eine Kombination aus Zierlichkeit und sinnlichem Überschwang mit komplexen Begriffen definiert werden.Zwei Stile lassen sich in seiner Poesie unterscheiden: der in kurzen Versen kultivierte oder culterano Stil, der auch als „dunkler Góngora“ bekannt ist. Góngora war ein Meister der Sonettkunst. Seine Sonette umfassten ein sehr breites Themenspektrum, von der petrarkistischen Liebe bis zur Natur.

Góngoras Sonett „Mientras por competir“

Das Gedicht behandelt das Thema Carpe Diem (Collige, virgo, rosas), das Góngora im Sinne Garcilasos aufgreift und ein Mädchen dazu auffordert, die Blüte ihrer Schönheit zu nutzen. Der Hauptinhalt wird durch die Zeitadverbien am Anfang jedes Quartettes und die Wiederholung am Beginn jedes ungeraden Verses im Quartett verdeutlicht. Die Bedeutung des Adverbs „mientras“ (während) ist am Anfang dieses Sonetts und des Garcilaso-Sonetts (Sonett XXIII) exakt gleich, da die Autoren es synonym verwenden. Der Hauptinhalt wird mit der Notwendigkeit konfrontiert, das erste Terzett (genießt) kontinuierlich zu öffnen.Die vom Autor selbst gewählten physikalischen Eigenschaften sind:

• Erstes Quartett: Blondes Haar (Zeilen 1-2), weißes Gesicht (Zeilen 2 und 4).
• Zweites Quartett: Lippen (Vers 5) und Hals (Verse 7 und 8).

Die interne Struktur des Gedichts könnte wie folgt entsprechen:

• Verse 1-8: Entwicklung des Themas Collige, virgo, rosas, um die Schönheit der Jugend zu beschreiben und zu loben.
• Verse 9-13 (bis zur 3. Silbe): Eine Ermahnung an die Dame, die ihr gewährten Gaben der Natur zu genießen, bevor die Zeit unerbittlich voranschreitet und ihre Schönheit welkt.
• Verse 13 (ab der 4. Silbe) und 14: Völlig negativer und pessimistischer Abschluss des Sonetts. Die letzte Zeile, die das Gedicht dem Barock zuordnet, beschreibt mit der Aufzählung von fünf Elementen ein düsteres Ende, das alle Menschen erwartet: tot zur Erde zurück, zu Staub und mit ihm ein Schatten. Dann sind wir nur noch eine Erinnerung im Geist eines anderen, aber diese kleine Formel für die Unsterblichkeit endet mit dem Tod dieser Person, und dann sind wir nichts.

Das gemeinsame Anliegen des Zeitablaufs ist ein Thema, das im Barock in einem neuen Tempus Fugit-Motiv zum Ausdruck kam. Es wiederholt die bereits von Jorge Manrique geäußerten Bedenken der Barockdichter bezüglich der Vergänglichkeit des Lebens und der Allgegenwart des Todes. All diese Gedichte weisen einen fundamentalen Unterschied zur Renaissance-Poesie auf: den tiefen Pessimismus und die Desillusionierung in den barocken Kompositionen.

Conceptismo: Francisco de Quevedo

Die Assoziation von Ähnlichkeiten oder Widersprüchen zwischen Objekten zur Bildung eines Konzepts war nicht neu. Was den Conceptismo des 17. Jahrhunderts auszeichnete, war die intensive Anhäufung von Witz, verbalen und semantischen Spielen sowie Ellipsen in den Gedichten.Conceptista-Dichter prägten ihren Stil mit sehr spezifischen Mitteln:

• Rhetorische Denkfiguren.
• Alle möglichen Arten von Wortspielen.
• Klangspiele (Phonetik).
• Syntaktische Mittel.
• Verstärkungs- oder Erneuerungsverfahren.

Der größte Vertreter des Conceptismo war der Madrilene Francisco de Quevedo y Villegas. Aus einer Adelsfamilie stammend, lebte er sein ganzes Leben an der Grenze zwischen Literatur und politischen Ambitionen. Quevedo war ein Mann des Friedens, leidenschaftlich und heftig. Seine Verse erfassen die extremsten Nuancen der menschlichen Seele. Diese Merkmale Quevedos sind ein Produkt seines eigenen Zustands, der sich in zwei Richtungen bewegte: einerseits das Interesse an der Idealisierung und der übermenschlichen Welt, andererseits sein Interesse an der unmenschlichen und plebejischen Welt. Eine zweite Lesart seines Werkes kann ganz andere Perspektiven in Quevedo offenbaren.Quevedos Poesie lässt sich thematisch in vier Gruppen einteilen: Metaphysik, Moral, Liebe, satirisch-burlesk und Politik.

Moralische Poesie

Diese Gedichte haben einen moralisierenden, reflektierenden, metaphysischen oder religiösen Charakter. Die wichtigsten Fragen betreffen die Betrachtung des Zeitablaufs.

Liebeslyrik

Quevedos Liebeslyrik ist ein paradoxer Teil seines Schaffens.

Satirische und Burleske Dichtung

Dies ist der bekannteste und beliebteste Teil seines Werkes. In diesen Gedichten findet sich eine Fülle rhetorischer Figuren.

Politische Poesie

Sie war quantitativ geringer als die bereits besprochenen Gattungen. Quevedos virulente Aggressivität zeigte sich hier in all ihren Dimensionen.

Harmonisierung der Poesie: Lope de Vega

Lope de Vega verdient besondere Erwähnung, da er sich verschiedener Formen bediente. Im Gegensatz zu Góngora und Quevedo, die eine gewisse Distanz wahrten, führte Lope ein Leben voller Ängste, hervorgerufen durch seine menschlichen und religiösen Liebesleidenschaften. Er verschmolz sein Leben wahrhaftig mit der Poesie.Sein umfangreiches dichterisches Werk umfasste verschiedene Gattungen:

• Gelehrte Poesie: Lyrik von großer formaler Schönheit, eine Synthese aus Tradition und der Latinisierung der Renaissance-Liederbücher.
• Epen.
• Satirische und burleske Gedichte: Menschliche und göttliche Reime, die er unter dem Pseudonym „Tomé de Burguillos“ verfasste.
• Volkstümliche Lyrik: Von reichem Rhythmus und Perfektion in Einfachheit und Spontaneität.

Klassizistische Poesie

Der klassizistische Trend umfasste alle Dichter, die, beeinflusst von Góngora und Quevedo, versuchten, die formalen und ästhetischen Ideale der Renaissance-Poesie beizubehalten.Dichter dieser Strömung, die über das Elend Sevillas schrieben, waren:

• Francisco de Rioja: Bekannt für seine den Blumen gewidmeten Silvas.
• Rodrigo Caro.
• Ángel Fernández de Andrade, der kaum Beachtung fand.

In einer anderen Gruppe sind:

• Juan de Jáuregui.
• Lupercio Leonardo de Argensola und sein Bruder Bartolomé Leonardo de Argensola.

Traditionelle und volkstümliche Dichtung

Die enorme Bedeutung der gelehrten Poesie im Barock hinderte die Dichter nicht daran, eine Art Nachfolger der traditionellen Lieder und Balladen zu kultivieren.

• Traditionelle Texte: Waren in den Werken der großen Dichter an der Tagesordnung, oft in Metren von Weihnachtsliedern, Seguidillas oder religiösen Liedern.
• Die Ballade: Erlebte eine Wiederbelebung durch die Vielzahl der von den gelehrten Dichtern des Barock geschriebenen Balladen. Ihre Inhalte und Themen deckten sich mit denen der alten Balladen.

Das Barocktheater

Während Poesie und Prosa im 17. Jahrhundert kaum vergleichbare Höhepunkte erreichten, präsentierte das Theater die radikalsten Veränderungen im Vergleich zur Renaissance.

Das Erbe der Renaissance im Theater

Nach dem mittelalterlichen religiösen Drama und dem Beginn der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts brachte die Renaissance ein bescheidenes Drama hervor. In der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts sind Gil Vicente und Torres Naharro hervorzuheben, die noch weitgehend von klassischen Zwängen abhingen. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts entwickelte sich das Volkstheater mit Lope de Rueda und Juan de la Cueva sowie Cervantes.

Frühes Theater im 16. Jahrhundert

Die ersten Theaterkompanien entstanden in Anlehnung an italienische Commedia dell'arte-Truppen.

Die Theaterkompanien

Es gab zwei Arten von Kompanien:

• Königliche Kompanien: Hatten offizielle Erlaubnis und traten nur in einer Stadt auf.
• Wandernde Kompanien: Bereisten das Land und führten ihre Werke in den Dörfern auf.

Das Volkstheater entwickelte sich aus diesen Kompanien, die später in festen „Corrales de Comedias“ auftraten.

Drei dramatische Gattungen

Die drei Hauptgattungen waren die Pasos, die Entremeses und die Comedias (Stücke).

Die Pasos

Ein kurzer theatralischer Sketch mit einer einfachen, märchenhaften Handlung.

• Das Zentrum des Geschehens ist der Trick oder die List.
• Die Charaktere sind feste Masken.
• Die Wiederholung des Narren dient der Erzeugung komischer Effekte.
• Der Dialog ist in umgangssprachlicher Prosa gehalten.

Ein Paso entwickelte humorvolle Details des täglichen Lebens, dramatisch verzerrt, zur Belustigung des Publikums (z.B. Las Aceitunas von Lope de Rueda).

Die Entremeses

Entstanden Mitte des 16. Jahrhunderts als komische Theaterstücke, die zwischen den Akten eines ernsten Werkes aufgeführt wurden und keine Verbindung zur restlichen Handlung hatten. Ihre Merkmale waren Komik und Kürze:

• Die Einfalt des „bobo“ (Dummkopfs) verwandelt sich in Dummheit oder Leichtgläubigkeit.
• Verwendung eines eher marginalen Lexikons, typisch für Schläger und Diebe.
• Häufige Nutzung von Situationen, in denen Einfallsreichtum scheitert.
• Charakterparodie und Spott als weitere Formen des Dialogs und der Darstellung von Randgruppen.

Das nationale Theater

In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts wurden erstmals Themen der epischen Tradition aufgegriffen. Die Bühne erreichte mit der heroischen Ballade, die den Weg für das Theater Lope de Vegas ebnete, einen Höhepunkt, da sie den Helden der komischen Tradition auf die Bühne brachte und die fünf Akte des klassischen Theaters auf drei reduzierte.Cervantes' dramatische Werke, mit Ausnahme der Entremeses, wurden zu seiner Zeit nicht sehr geschätzt. Es entstand ein Kampf zwischen denen, die die Regeln des klassischen Dramas verteidigten, und Lope de Vegas „Neuer Komödie“.Der Erfolg beim Publikum lag bei der Neuen Komödie, die Tragik und Komik verband, achtsilbige Verse bevorzugte und sich nicht an die drei Einheiten hielt.Die klassischen Regeln besagten:

• Einheit der Handlung: Nur eine Geschichte.
• Einheit der Zeit: Die Geschichte darf nicht länger als 24 Stunden dauern.
• Einheit des Ortes: Die Handlung darf sich nur in einem Raum entwickeln.

Cervantes' Werke zeichnen sich durch die psychologische Tiefe der Charaktere und die Vielfalt der Themen aus, die die Lebenserfahrung des Autors widerspiegeln, wie zum Beispiel in Das Altarbild der Wunder.

Die Neue Komödie

Die Erneuerung und Konsolidierung der barocken Theaterformel erfolgte unter der Leitung von Lope de Vega. Es wurde deutlich, dass sich das spanische Theater von der Nachahmung klassischer Vorbilder löste und einen eigenen Weg durch eine neue Kunstform einschlug.Lope de Vegas Fähigkeit war vorbildlich:

• Er zielte auf den kommerziellen Erfolg ab, indem er freiere Formen nutzte, die von der klassischen Norm abwichen.
• Er bot dem Publikum ein zugängliches und vertrautes Theater, dessen Stoffe und Inhalte meist aus Chroniken stammten.
• Seine monarchistische Gesinnung verkörperte den Nationalstolz und die religiöse Orthodoxie.
• Die Bühnenagilität ermöglichte es, Geschichten mit Leichtigkeit, Interesse, Anmut, Verspieltheit und einer zusammenfassenden, leidenschaftlichen Theatralik zu schaffen.
• Er konzipierte das Stück als Gesamtspektakel, einschließlich Gesang und der Entwicklung einer lustigen Schlüsselfigur.

Mit Erfolg und Publikumsresonanz entwickelte sich das professionelle Theater, und die „Corrales de Comedias“ wurden zu beliebten Aufführungsorten.

Technische Neuerungen der Neuen Komödie

Lopes Erneuerung beschränkte sich nicht auf die Haltung, den Inhalt und die Themen der Werke. Europa erlebte hier erstmals eine literarische Bewegung, die sich vom Konzept der aristotelischen Nachahmung löste und auf die strengen Regeln der Klassik reagierte.Die technischen Änderungen waren:

• Reduzierung auf drei Akte statt der fünf, die die klassische Komödie präsentierte.
• Konzeption der Komödie als eine unaufhörliche Abfolge von Intrigen in bewegten Szenen.
• Missachtung und Verletzung der aristotelischen Regel der drei Einheiten (Ort, Zeit, Handlung), die die Beibehaltung eines einzigen Ortes oder Zeitraums erfordert.
• Mischung aus Tragik und Komik, wodurch eine neue Form der Tragikomödie oder des Dramas entstand.
• Reaktion auf die metrische Einheit des Werkes.
• Verwendung einer Reihe von Strophen, die der Entwicklung der Handlung entsprechen.
• Expressiver Anstand.
• Konfiguration der Komödie um eine feste Charakterstruktur.
• Konvergenz der dramatischen Handlung im Gefühl von Liebe und Ehre.

Das Thema der Ehre im Barocktheater

Lope de Vega machte das Thema der Ehre zu einem der wichtigsten Motoren seines Theaters. Obwohl Ehre traditionell ein Privileg des Adels war, wurde in der Neuen Komödie die Ehre und ihre Verteidigung sowohl bei Fürsten als auch bei Bürgerlichen und sogar Schurken zum zentralen Erfolgsfaktor.Ehre wurde als eine persönliche Tugend verstanden, die nicht vererbt wird und auf der Wahrnehmung beruhte, die andere von sich selbst haben. Die Ehre wurde daher in der spanischen Barockkomödie zu einem absoluten Wert, vergleichbar mit dem Leben selbst. Eine Verletzung der Ehre musste mit dem Leben gesühnt werden, und die soziale Ordnung wurde durch Rache wiederhergestellt.

Die zwei Zyklen der Neuen Komödie

Das klassische spanische Barocktheater wird in der Regel in zwei Zyklen gruppiert, die sich um die beiden Hauptvertreter Lope de Vega und Calderón de la Barca bilden. Die Unterschiede zwischen den beiden Zyklen ergaben sich aus persönlichen und stilistischen Merkmalen.

Lope de Vega

Félix Lope de Vega y Carpio wurde nach zwei Ehen und einem hektischen gesellschaftlichen Leben Priester. Er besaß eine ungeheure Kreativität und schrieb schätzungsweise 1800 Stücke und 400 Auto Sacramentales. Von seinem Gesamtwerk sind über 500 Werke erhalten geblieben. Die Themen seiner Stücke wechselten zwischen göttlicher Liebe und menschlicher Leidenschaft.Zu den bedeutenden Dramatikern, die Lope folgten, gehören:

• Guillén de Castro.
• Juan Ruiz de Alarcón.
• Luis Vélez de Guevara.
• Antonio Mira de Amescua.

Pedro Calderón de la Barca

Pedro Calderón de la Barca studierte an den Universitäten von Alcalá und Salamanca. Er war Ritter des Santiagoordens und stets mit dem Hof verbunden. Calderón markierte den Höhepunkt der goldenen Zeit des Theaters.In einem ersten Stil griff er Lopes Neuerungen auf, auch mit denselben Themen, aber mit einer sehr persönlichen Behandlung, insbesondere dem Thema der Ehre.In einem zweiten Stil entfernte er sich von seinem Lehrer und vertiefte seine philosophischen Bedenken, die die barocke Idee der Enttäuschung und des freien Willens in der Figur des Segismundo synthetisierten, einem der großen Mythen des Welttheaters.Calderóns Zeitgenossen und Nachfolger waren:

• Francisco de Rojas Zorrilla.
• Agustín Moreto.