Barockmalerei: Meisterwerke, Stile und Künstler (Italien & Niederlande)

Barock: Eine Einführung in die Epoche

Die Barockkunst entwickelte sich vom späten 16. bis zum 18. Jahrhundert. Sie entstand in Italien und verbreitete sich von dort aus in ganz Europa. Dieser Stil ist das Ergebnis einer Zeit der Krise, aber auch des Triumphs. Die Kunst des Barock ist brillant und extravagant; sie dient dazu, die Macht der großen Könige und die wohlhabende Situation des Katholizismus auszudrücken.

Aufgrund der sozioökonomischen, politischen und religiösen Vielfalt entstanden im Barock unterschiedliche Ausprägungen:

• Ein höfischer, katholischer Barock, der als Propagandainstrument der Kirche und des absolutistischen Staates diente (Italien, Frankreich, Spanien).
• Ein bürgerlicher, protestantischer Barock (England und die Niederlande).

Barockmalerei in Italien: Techniken und Merkmale

Die vorherrschenden Techniken sind die Fresken in der Wandmalerei und Öl auf Leinwand. Der Pinselduktus ist je nach Künstler unterschiedlich, aber tendenziell locker und offen. Die Linie verliert an Bedeutung.

Die Rolle von Farbe und Modellierung

• Farbe: Die Farbe dominiert die Zeichnung. Flecken (Farbfelder) dienen zur Definition der Formen.
• Modellierung: Die Modellierung neigt zu sehr theatralischen, heftigen Kontrasten.

Tiefe und Lichtführung

• Tiefe: Die barocke Malerei behält die dreidimensionale Darstellung bei. Das Gefühl der Tiefe wird durch konvergierende Linien, Einblicke in einen dunklen Vordergrund und Lichteffekte erreicht.
• Licht und Schatten: Das Licht spielt eine sehr wichtige Rolle. Der Barock ist die Kunst des Lichts, weshalb der Schatten in dieser Zeit eine beispiellose Rolle spielt, insbesondere im Tenebrismus (Dunkelheit). Die Form entsteht unter dem Licht und kann je nach Stärke oder Schwäche des Lichts verblassen oder hervortreten.

Komposition und Naturalismus

• Asymmetrische Komposition: Die Symmetrie der Renaissance geht verloren. Die Unwucht wird bevorzugt und durch diagonale Linien oder Formen erreicht, die andeuten, dass nicht alles in den Bildrahmen passt (Bilder, die unvollständig erscheinen). Die Diagonale erzeugt einen dynamischen Eindruck, der durch instabile Wellenbewegungen der Figuren verstärkt wird.
• Naturalismus und Realismus: Die Ausdrucksform ist naturalistisch und realistisch. Die Themen sind vielfältig, wobei die Genremalerei, Stillleben und Landschaften als Neuheiten an Bedeutung gewinnen.

Die Meister des frühen Barock in Italien

Im späten 16. Jahrhundert prägten zwei Künstler die europäische Malerei der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts: Caravaggio und Annibale Carracci.

Die Klassische Schule von Bologna

Die Schule von Bologna entwickelte einen idealisierten Stil, der übertriebene Formen, aber auch die unmittelbare Realität mit ihren Unvollkommenheiten ablehnt. Die Künstler malen die Dinge nicht, wie sie sind, sondern wie sie in idealer Schönheit aussehen sollten. Sie interessieren sich sehr für die Natur und schaffen eine Art von Landschaft von großer Schönheit und Ausgewogenheit. Obwohl die Quadraturmalerei bereits von Michelangelo verwendet wurde, widmeten sich die Meister von Bologna ihr intensiv.

Die Carracci

Die Carracci gründeten eine Akademie, um Künstlern technische, literarische und humanistische Kenntnisse zu vermitteln und so ihre Fähigkeiten zu bereichern.

• Annibale Carracci (1560–1619): Er gilt als der Künstler mit der höchsten Qualität. Sein Meisterwerk ist die Dekoration des Großen Saales im Palazzo Farnese.
• Guido Reni (1575–1642): Ein wichtiger Anhänger der Carracci und der klassischen Strömung. Zu seinen Höhepunkten zählt das Werk Hippomenes und Atalanta.

Caravaggio und der Naturalismus

Caravaggio ist eine herausragende Figur in der Geschichte der Malerei. Er war ein extravaganter und gewalttätiger Charakter. Er nutzte für alle Arten von Kompositionen, von religiösen bis zu mythologischen, Modelle von der Straße, ohne jegliche Idealisierung. Dieses Verfahren war sehr effektiv, da die christliche Kirche in diesen Gemälden leicht erkannt wurde. Heilige sind Menschen wie alle anderen, und es schien einfacher, dem Weg der Heiligkeit und des Evangeliums zu folgen. Diese übermäßige Vulgarität der Modelle war der Grund, warum einige seiner Werke abgelehnt wurden.

Zusammen mit der Betonung des Realen nutzte er eine wichtige Ressource: den Tenebrismus. Er platzierte Figuren und Objekte vor einem dunklen Hintergrund und hob sie mit einem gerichteten, heftigen Licht hervor, wie ein Theaterscheinwerfer. Dies macht die Objekte und Gesten deutlich und bringt sie auf eine Art Bühne. Er ignorierte oft die Landschaft, schätzte aber das Stillleben. In seinen Werken ist auch die Psychologie der Figur wichtig.

Er malte beliebte Genreszenen, aber seine Meisterwerke sind große religiöse Gemälde, in denen die bewusste Vulgarität der Modelle die Pracht und die Spannung des Dargestellten nicht mindert. Beispiele sind: Die Berufung des Matthäus, Das Martyrium des Hl. Matthäus, Die Bekehrung des Hl. Paulus, Das Martyrium des San Pedro, Die Grablegung Christi.

Barockmalerei in Flandern und den Niederlanden

Die Entwicklung der Malerei in den Niederlanden wurde stark von sozialen, wirtschaftlichen, politischen und religiösen Faktoren beeinflusst. Die religiöse Spaltung führte zu einer vollständigen Trennung der künstlerischen Ideale:

• Ein katholisches, aristokratisches und monarchisches Gebiet unter spanischer Herrschaft (Flandern).
• Ein protestantisches, demokratisches und bürgerliches Gebiet (Niederlande).

Flämische Malerei (Katholischer Barock)

Es entstanden zahlreiche große religiöse Gemälde für Altäre, die das Leben der Heiligen und Darstellungen der Sakramente betonten – Themen, die von Protestanten abgelehnt wurden. Mythologische Themen sind ebenfalls stark vertreten, um die Königsschlösser und den Hochadel zu schmücken. Das Porträt ist feierlich und umständlich, um den hohen Status der Dargestellten zu vermitteln.

Peter Paul Rubens (1577–1628)

Die prominenteste Figur der Malerei in Flandern. Seine Werke zeichnen sich durch Dynamik, Vitalität und Ausgelassenheit aus. Seine Farbe ist warm, von den Venezianern gelernt. Seine Kompositionen sind auf einem diagonalen Muster angeordnet, was ihnen ein Gefühl der Bewegung verleiht, das über den Rahmen hinausgeht. Die Körper sind entweder muskulös männlich oder fleischig, dicke und sinnliche weibliche Modelle, die in turbulenten Kompositionen gruppiert sind, wobei sich die Formen verdrehen.

Rubens arbeitete mit gleicher Geschicklichkeit in allen Genres:

• Religiöse Malerei: Er schuf eine Reihe großer Kompositionen von außerordentlicher Spektakularität im Dienste der triumphierenden Kirche: Die Kreuzabnahme und Die Kreuzaufrichtung.
• Historienmalerei: Zu den Höhepunkten zählt die Serie von Marie de’ Medici, bestehend aus 21 Leinwänden.
• Mythologische Themen: Er interpretierte Götter und Sinnlichkeit meisterhaft: Die drei Grazien, Der Garten der Liebe, Das Urteil des Paris und Venus in der Kopfbedeckung.
• Porträt: Inspiriert von der venezianischen Schule schuf er höfische Porträts, wie das des Herzogs von Lerma.

Anthonis van Dyck (1599–1641)

Maler, hauptsächlich des Adels, der schmeichelhafte Porträts mit einem unverwechselbaren Stil komponierte. Er legte großen Wert auf die Kleidung, verfeinerte die Formen und schlankte die Figuren ab. Herausragend sind Porträts wie Karl I. von England.

Jacob Jordaens (1593–1678)

Er folgte dem Einfluss von Rubens, bevorzugte jedoch populäre Themen mit humorvollem Ton, wie Der Bohnenkönig.

Niederländische Malerei (Bürgerlicher Barock)

In der niederländischen Malerei verschwand die religiöse Altar- und Anbetungsmalerei vollständig. Religiöse Bilder sind kleinformatig und zur Betrachtung und Meditation in den Räumen der Bourgeoisie gedacht. Mythologische Themen wurden selten behandelt und dienten, wenn überhaupt, allegorischen oder moralisierenden Zwecken. Das Porträt nahm einen Ton von Intimität, Einfachheit und Realismus an.

Das charakteristischste Merkmal der niederländischen Malerei sind die realistischen Genreszenen, die dem bürgerlichen Geschmack entsprachen. Diese kleinen Gemälde dienten zur Dekoration der Häuser, da die Bürger, im Gegensatz zum Adel, Bequemlichkeit und Komfort suchten. Es entstanden Interieurs mit häuslichen Szenen, Tierbilder, reine Landschaften und Stillleben.

Frans Hals (1580–1666)

Er ist der intimste Porträtist seiner Generation, ein besonderer Interpret der Lebendigkeit und Freude der Niederländer. Er kristallisierte das Gruppenporträt von Mitgliedern einer Gesellschaft (z. B. Der Verwaltungsrat des Harlemer Hospitals). Wichtig sind auch seine Einzelporträts wie Die Zigeunerin.

Johannes Vermeer van Delft (1632–1675)

Der große Meister der niederländischen Interieur-Genremalerei. Seine Gemälde sind von außerordentlicher Einfachheit in der Komposition. Von grundlegender Bedeutung in seinem Werk sind das Licht und die Schönheit der Farben, die er mit einer fast pointillistischen Technik auftrug, was ihn zu einem sehr kühnen, modernen Künstler macht.

Rembrandt van Rijn (1606–1669)

Der komplexeste Charakter der niederländischen Kunst. Ein wahres Genie der Malerei, das alle Bereiche abdeckte: Porträt, Landschaft, Interieur, religiöse und mythologische Malerei. Er ist zugleich einer der größten Zeichner aller Zeiten. Sein Stil nutzt die Dunkelheit, aber auch die Kontraste von Licht und Schatten. Die Grenze zwischen beiden ist nie so scharf wie bei Caravaggio; er bevorzugt einen geheimnisvollen und goldenen Schatten, der eine große Anziehungskraft auf sein Werk ausübt. Der geschlachtete Ochse ist eines der brillantesten Stillleben, die je gemalt wurden.

Die wichtigste Serie von Rembrandts Gemälden sind seine Porträts, sowohl individuelle als auch kollektive. Kein Maler hat so viele Selbstporträts gemalt, durch die wir die Erforschung aller Probleme des Lichts und der verschiedenen Gesichtsausdrücke verfolgen können. Er schuf auch viele Gruppenporträts für Amsterdam:

• Die Anatomiestunde des Dr. Tulp (dramatischer und geheimnisvoller Ton).
• Die Nachtwache (beauftragt von den Musketieren). Die Szene zeigt die Charaktere, die Waffen bereit, eine Aktion zu beginnen. Das Licht blendet, starrt, und der gleiche Farbton dominiert.
• Die Syndici der Tuchmacherzunft von Amsterdam, sein Meisterwerk, ist eine Komposition von Einheit und voller mächtigem inneren Leben, die zu einem größeren Idealismus strebt.