Berninis Apollo und Daphne: Analyse und Kontext

Apollo und Daphne (Bernini, 1622–1625)

Historischer und politischer Kontext

1. Die Arbeit entstand im historischen Viertel der Konfrontation auf kontinentaler Ebene zwischen dem katholischen Europa und der protestantischen Sphäre.
2. Die Situation in Italien, einem Land der Machtkämpfe zwischen europäischen politischen und administrativen Kräften.
3. Die Einzigartigkeit Italiens und, spezifischer, der päpstlichen Staaten.

Kultureller Raum und Auftraggeber

Rom war im frühen siebzehnten Jahrhundert der Schwerpunkt der Kunst. Die kulturelle und künstlerische Erneuerung Roms diente als Mechanismus zur Stärkung der Kirche und des Papsttums.

• Die kirchliche Einrichtung, insbesondere das päpstliche Rom, war der wichtigste Förderer der Künstler (Patronage).
• Die Gegenreformation (Counter) bildete die ideologische und kulturelle Grundlage der römisch-katholischen Welt.

Stilistische Einordnung

Stil: Barock (Klassizistischer Barock, wie in künstlerischen Zentren Italiens und Spaniens). Im vorliegenden Fall handelt es sich um den römischen Barock und die Kunst der Gegenreformation (römisch-katholische Schule). Die Kunst ist kollektiv und absolutistisch und dient der kirchlichen Propaganda.

Formale Merkmale der Skulptur

Material und Technik

Material: Feine Materialien, monochromer Marmor, der technische Virtuosität ermöglicht. Die Basis ist felsig, während die Figuren poliert sind. Die Arbeit wurde mit der Technik der Schnitzerei ausgeführt.

Komposition und Dynamik

Die kompositorische Regelung ist durch die Serpentinata-Linie bestimmt: Säulentorso, Schraubenfläche. Alles erhebt sich und mündet in einer spiralförmigen Bewegung von Kleidern und Muskeln. Es kann gesagt werden, dass es weder eine Basis noch eine Spitze gibt, da die Komposition durch diese volatile Spirale bestimmt wird.

• Das Ergebnis ist eine offene, unsymmetrische Komposition, die die geometrischen Muster der Renaissance-Tradition (RTA) zugunsten der barocken Dynamik stört.
• Die Dynamik ist nach außen gerichtet, kreiselnd, mit diagonalen und gekrümmten Linien, die die Anatomie Daphnes biegen – der sogenannte „bernineske Schwung“.
• Die Symmetrie wird definitiv gebrochen; es werden Positionen der Fülle gesucht, aufgeladen mit Escorços (Verkürzungen). Die Komposition ist atectonisch.

Perspektive und Raum

Die Perspektive ist offen, die Projektionsfläche ist vielfältig. Die exquisite Arbeit an allen Teilen ist multifazial und entfaltet sich im dreidimensionalen Raum, indem sie den umgebenden Raum in das Werk einbezieht.

Volumen und Licht

Das Volumen ist massiv, gewinnt aber an visuellen Werten, da das Licht durch gewalttätige Schattenwürfe gebrochen wird. Der Fokus liegt auf der Idee der Plastizität.

Licht und Textur

• Licht: Gewalttätige Chiaroscuro-Effekte, durchdachte Schnitte in Haaren, Falten der Kleidung, Gesichtern und Augenhöhlen. Das Licht hat einen plastischen, symbolischen und expressiven Wert (die hellsten Teile sind poliert).
• Oberflächentextur: Der Naturalismus der Texturen wird geschätzt: Haut, Muskeln, Haare, Kleider, Blätter, Baum. Dies vermittelt ein klares Gefühl von nicht-idealisiertem Realismus. Es besteht ein Kontrast zwischen der weichen, polierten Haut der Nymphe und der rauen Textur des Rumpfes und des Felsens.

Ausdruck und Psychologie

• Ausdrucksformen: Die technische Virtuosität ermöglicht die Ausführung dramatischer Gesten und Affekte. Es wird der expressive Moment gewählt (Hände, Haltung, Gesichter, Kleider), unterstützt durch gesuchte Kompositionen und Lichteffekte.
• Psychologismus: Es wird ein flüchtiger Moment mit großen Gesten dargestellt, um Emotionen zu wecken. Die Emotion entsteht im Gegensatz zwischen der Dynamik Apollos und dem Stillstand Daphnes, im dramatischen Schrei des Schmerzes auf Daphnes Lippen und der sinnlichen Leidenschaft Apollos.

Rhythmus und Bewegung

Die Skulptur erzeugt Spannung und freie Bewegungsmuster entlang der Serpentinata-Linie, sichtbar in der Behandlung der Kleidung, die breit und in die Luft gezogen ist. Die geschwungene Linie (des Körpers) und die Diagonale bestimmen den barocken Schwung nach außen: Die Gruppe ist offen an Armen und Füßen und im Haar. Sie verkörpert perfekt die barocke Bewegung, ein Ereignis der Bewegung, im Gegensatz zur RTA. Der Klassizismus zeigt sich im Studium der Anatomie, in der Korrektur und in der Wahrung der Proportionen, die schlanker sind als in der RTA.

Interpretation und Funktion

Gesamteindruck und Wirkung

Das Ergebnis ist ein Werk, das die „Aparatosität“ und den „Schock“ von Theaterdekorationen zeigt. Es steht im Gegensatz zum Ideal der RTA, die Pathos, Unordnung und das Fehlen von Ethos und Balance ablehnte. Gombrich bemerkte, dass das Werk die Metamorphose eines bestimmten Gesichtsausdrucks (Überraschung, Verzweiflung) reproduziert.

Ikonografie und Vorlagen

• Literarische Vorlage: Ovid.
• Inspiration: Griechische Skulptur der hellenistischen Phase (4. Jh. v. Chr.).
• Zeitgenossen in Rom: Caravaggio und Carracci.

Bedeutung und Lesarten

1. Mythologische Bedeutung: Die Geschichte betrifft die Familie Borghese, da ihr Wappen einen Lorbeerbaum (Symbol) enthält. Im Mittelalter war der Lorbeer ein Symbol der Keuschheit, eine Lesart, die bis ins siebzehnte Jahrhundert Bestand hatte. Diese Lesart rechtfertigt die Präsenz der Skulptur im Palast des Kardinals Barberini (Neffe von Papst Paul V. Borghese).
2. Reflexion über das Leben: Das barocke Leben wurde als flüchtig betrachtet, ähnlich dem barocken Fest. Diese ästhetische Philosophie ist durch diffuse Äußerungen, instabile Haltungen und die Veränderung von Formen gekennzeichnet (hier: eine Metamorphose zwischen Mensch und Natur). Das Werk soll die Zeit anhalten.

Barocke Theatralik und Kommunikation

Das barocke Profil ist aus zwei Gründen theatralisch:

• Die barocke Schönheit kümmert sich nicht nur um die Idee, sondern um die Idee der direkten Kommunikation mit dem Betrachter.
• Im Einklang mit dem Konzil von Trient wird das Gefühl und die Wirkung der Zeit verherrlicht, zulasten von Kultur und Wissen (weshalb die Ruhe der RTA, die Adel und Schönheit betrifft, abgelehnt wird).

Funktion

Die Skulptur erfüllt mehrere Funktionen:

• Dekorativ: Sie war für einen Garten bestimmt.
• Wirtschaftlich: Sammelobjekte konnten sehr profitabel sein, wenn der Künstler erfolgreich war.
• Illustrativ/Didaktisch: Förderung soziologischer Ideen. Die Skulptur konzentriert sich mehr auf Emotionen als auf Vernunft und sucht die Wahrheit über die Schönheit.
• Propagandistisch: Sie drückt die Vorstellungen der Kirche aus (religiöse Allegorie) und dient der Propaganda der Familie Borghese (dargestellt durch ihr Symbol, den Lorbeer). Das Werk steigert das Prestige seiner Besitzer (z. B. ihre Kultur und Kenntnis der klassischen Kultur) und vermittelt Ethik und Moral in Bezug auf die Vergänglichkeit des Lebens und die sinnliche Begierde.