Caravaggios letzte Jahre in Neapel: Kunst, Konflikte und Ende

Die Figuren in Caravaggios Werken dieser Periode bewegen ihre Köpfe in verschiedene Richtungen, wobei eine Diagonale den Blick aus der Szene auf die gegenüberliegende Seite lenkt. Sie sind nicht makellos oder idealisiert, sondern weisen Flecken auf, die den Beginn der Zersetzung des Körpers andeuten.

Neapel: Oktober 1609 – Caravaggios letzte Jahre

Caravaggio lebt im Palast der Costanza Sforza Colonna, Marquise von Caravaggio. Dies markiert eine Rückkehr zu seinen Ursprüngen, da sein Vater Architekt der Familie Sforza war und er selbst vom Marquis von Caravaggio gefördert wurde.

Aus dieser Zeit stammen einige seiner Werke, die jedoch durch das Erdbeben von 1805 zerstört wurden. Seine Werke dieser Periode scheinen auf römische Monumente zurückzugreifen und wirken beängstigend, sind aber gleichzeitig vom neapolitanischen Quietismus geprägt.

Am 24. Oktober wurde Caravaggio in der Osteria del Cerriglio schwer geschlagen. Er erholte sich nie vollständig von diesem schrecklichen Angriff. Niemand weiß, wer ihn schlug; es wird vermutet, dass es sich um Rache für eine Auseinandersetzung mit einem Mann des Malteserordens handelte. Daraufhin forderte der Papst seine Rückkehr nach Rom und sollte ihm die Strafe für seine Flucht, die er als Selbstverteidigung deklariert hatte, erlassen.

Wie Baglione berichtet, warnte Kardinal Gonzaga Caravaggio, dass er bald vom Papst begnadigt werden würde. Er verließ Neapel in Richtung Porto Ercole, musste aber kurz vor der Ankunft in Palo anhalten, um verhört zu werden. Ohne seine Habseligkeiten, körperlich und geistig erschöpft, erreichte er das Boot nicht, kam nicht in der Stadt an und starb dort am 18. Juli 1610 im Alter von 39 Jahren.

Diese Trauer und Melancholie spiegeln sich in der Form seiner Figuren wider.

San Juan Bautista (Johannes der Täufer), 1609

Dieses Werk hat nichts mit dem Johannes dem Täufer von 1600 zu tun. Das Licht des Tenebrismus aus den 1600er Jahren kehrt zurück und vereint sich, wobei der Fokus auf der gesamten Figur liegt, um ihr eine plastische und intimere Wirkung zu verleihen.

Das Kind ist sehr traurig; sein Ausdruck wirkt, als ob es sich nicht für den Stab und den Widder, das Symbol des Martyriums Christi, interessieren würde. Früher forderte die Gestalt des Kindes uns mit ihrer Nacktheit heraus; jetzt ist diese Nacktheit verschwunden. Diese Art von Lendenschurz bedeckt seine Geschlechtsteile, was für eine Figur des Johannes des Täufers natürlich ist.

Das Kontrapost der Figur mit dem vorgestreckten Arm erinnert an Michelangelo, und die gesamte Komposition ist eher diagonal in Höhe und Tiefe angelegt. Die Figuren wirken ungewöhnlich und monumental.

Salome mit dem Haupt des Täufers (Königspalast Madrid)

Salome wirkt bescheidener; wir können ihren Wunsch nur erahnen, da die Nackenlinie eine Brust andeutet. Das Licht, das uns den Hintergrund nicht erkennen lässt, fällt nur auf diesen Winkel und auf die Brust, während der Kopf des Täufers völlig im Dunkeln bleibt und kein Blut zu sehen ist.

Ihr Gesicht ist ernst: Sie scheint den Kopf zu hassen, als hätte sie ihn entgegen der Tradition angenommen (vergleiche hierzu Judith, die die Handlung ablehnt). Im Gegensatz zu Judiths Darstellung gibt es hier keine Bewegung; sie verharrt. Die Figuren sind viel statischer.

Im biblischen Text wird Salome nicht als alt beschrieben. Häufig wird der Kontrast zwischen der weiblichen Schönheit der jungen Frauen und der Hässlichkeit, den Falten und der Abnutzung der Magd, die daneben erscheint, genutzt, wodurch ein Kontrast entsteht (ein Effekt, der an Tizian erinnert).

Der Henker, der Holofernes enthauptet, ist ähnlich dargestellt. Die Figuren befinden sich in einem Raum und scheinen aus der Tiefe aufzutauchen und wieder zu versinken: Ihr Geist ist völlig versunken.

David (1609-1610), Galleria Borghese, Rom

David wird in der Regel mit Christus und Goliath mit der Sünde identifiziert. David hat gerade die Sünde überwunden. Er hat die Sünde überwunden und muss nur noch Vergebung finden. Sein Porträt ist im Kopf des Goliath zu sehen, der Vergebung finden muss.

Dieser David wird oft mit dem David im Prado-Museum verglichen, der als heiter und stark dargestellt ist.

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