Casa Mila und die Entwicklung der Moderne in Barcelona

Casa Mila (La Pedrera) 1906-10. Barcelona. Antoni Gaudí

Im späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert entstand der Modernisme als eine Bewegung, die auf eine vollständige Renovierung der Künste abzielte. Wir werden sehen, wie sich sein Charakter auf Malerei, Skulptur und vor allem Architektur, Design und Grafik (sehr wichtig in der Entwicklung von Plakaten und Werbung) ausdehnte. Wir dürfen nicht vergessen, dass dies ein geistig bürgerlicher Stil ist, der im Dienste dieser Klasse steht und nach Gefälligkeit sucht, unter anderem durch seine Vorliebe für das Dekorative (in Fülle und ganz zufällig gegeben). Wir könnten auch sagen, dass der Modernisme ein dekorativer Stil ist.

Die Modernistische Architektur zeichnet sich durch ihre dekorativen Elemente aus. Sie verwendet alle Stoffe, einschließlich Eisen, aber anstatt eine Architektur zu schaffen, die sich radikal in die Nutzung des Potenzials dieser Stoffe einbringt und sich mit neuen sozialen Bedürfnissen auseinandersetzt, verwendet sie diese auf traditionelle Weise, nur mit ihren künstlerischen Möglichkeiten. Die Bewegung hat verschiedene Namen je nach Land: Art Nouveau in Frankreich und Belgien, Modernisme in Spanien, Modern Style in England und Jugendstil oder Sezessionsstil in Österreich. In den ersten drei Ländern zeichnet sich die Form durch die Verwendung von gekrümmten Linien aus, die Arabesken pflanzlicher Inspiration und ebene und gekrümmte Flächen schaffen, die sich in einigen Fällen fast organisch entwickeln. In England und Österreich zeichnen sie sich durch eine mehr formale Reinheit aus, die durch höhere Geometrie mit ebenen Flächen und Rationalismus im Konzept der Volumina und Räume gekennzeichnet ist.

Während der Modernisme ein Stil ist, von dem wir Beispiele in ganz Spanien sehen können, ist der Bereich, in dem diese Entwicklung am weitesten geht, Katalonien, und darin vor allem Barcelona, was logisch ist, wenn wir bedenken, dass der Modernisme, wie wir sagten, ein Stil ist, der mit der industriellen Bourgeoisie verbunden ist, und die Entwicklung dieser sozialen Klasse in Barcelona war viel höher als im Rest des Staates.

Die wichtigsten Architekten dieser Stilrichtung sind Puig i Cadafalch, Domènech i Montaner, der den Palau de la Música Catalana in Barcelona schuf, und vor allem die Figur von Antoni Gaudí.

Gaudí, geboren in Reus (Tarragona), spiegelt in seinen frühen Werken den Eklektizismus der Zeit wider, mit Formen, die von gotischer, maurischer und islamischer Architektur inspiriert sind. Aus dieser Zeit stammen die Casa Vicens in Barcelona oder der Bischofspalast von Astorga.

Später entwickelte sich sein Stil zu fantasievolleren, kreativen und persönlichen Vorschlägen, die vollständig im Modernisme verankert sind und zusätzlich zu den Zier- und Bauverfahren, in denen das Handwerk sehr wichtig ist (geschnitzte Steinplatten usw.), Strukturen und Systeme entwickeln, die Strukturen tragen und absolut innovativ sind und über ein hohes technisches Know-how verfügen (wofür er geniale Modelle verwendete, mit denen diese Strukturen erprobt wurden). Aus dieser Zeit stammen Werke wie die Reform der Casa Batlló, der Park Güell, die Casa Mila oder, obwohl unvollendet, sein bekanntestes Werk: Die Sagrada Familia, alle in Barcelona.

Die Casa Mila: Ein Meisterwerk des Modernisme

Die Casa Mila ist ein typisches Beispiel für ein modernistisches Projekt an der Schnittstelle zwischen Architektur und Kunstgewerbe. Gaudí entwarf und überwachte alles, einschließlich der Türen und schmiedeeisernen Balkone, der Pförtnerkabinen, der Türen und Fenster aus Holz, der Möbel und Lampen. Als ein Industrieller aus Barcelona, Herr Mila, Gaudí vorschlug, ein Wohnhaus zu bauen, hatte Gaudí die Gelegenheit, ein ehrgeiziges Projekt auf einem riesigen Grundstück von 1000 m² an der Ecke der Einmündung des Paseo de Gracia und der Provence-Straße in einem von der Bourgeoisie von Barcelona bewohnten Gebiet zu entwickeln.

Gaudí beschloss, eine Fassade an der Ecke des Gebäudes zu schaffen, anstatt die Fassaden des Paseo de Gracia und der Provenza-Straße schräg zu schneiden, was die logische und glatte Fortsetzung dieser zu sein scheint. Typischerweise waren die Innenhöfe von Wohngebäuden große, durchlaufende Räume. In der Casa Mila haben die Höfe jedoch abgerundete Konturen und erweitern sich mit zunehmender Höhe wie ein großer Trichter, der auch Licht absorbiert und die natürliche Belüftung des Gehäuses verbessert. Die Stockwerke des Hauses sind alle verschieden. Die Wände weichen im rechten Winkel ab, auch die inneren Formen sind fließend und organisch, und die Zimmer haben unterschiedliche Höhen, und es scheint, dass das Haus von innen heraus entworfen wurde, da die Fassade eine wellige Oberfläche ist, die die organische Fortsetzung dieses Innenraums darstellt.

Um dies zu erreichen, schuf Gaudí eine innovative Struktur aus Säulen, Balken und Trägern, die es ermöglichte, den Raum im Inneren des Gebäudes zu verändern und die gesamte tragende Fassade zu entfernen. Diese wurde aus Stein gefertigt und die Formen wurden in situ geschnitzt, basierend auf Modellen, die die genaue Form jedes einzelnen Steinblocks, aus dem sie sich zusammensetzt, vorgaben, wodurch diese wellenförmigen Veranden und Balkone entstanden, die dem Gebäude das Aussehen einer Steinklippe verleihen, was ihm den populären Spitznamen einbrachte: La Pedrera (der Steinbruch auf Katalanisch). Die schmiedeeisernen Balkone, die eine sorgfältige Verarbeitung aufweisen, imitieren ebenfalls pflanzliche Formen, als wären es Pflanzen, die zwischen den Steinen wachsen. Die gesamte Fassade mit ihren fließenden Formen und der gleichzeitigen Eindringlichkeit wirkt so, dass sie expressionistische Formen vorwegnimmt. Die dicken Säulen, die das geneigte Portal flankieren, scheinen dicke Elefanten zu sein, die sich auf dem Bürgersteig bewegen.

Auf dem Dachboden oder Dachgeschoss verwendete Gaudí eine schöne Struktur aus parabolischen Bögen (obwohl er ähnliche Bögen im Teresiano-Kolleg und auch in der Sagrada Familia verwendete).

Weitere bemerkenswerte Elemente des Gebäudes sind das Dach und die Schornsteine mit ihren skurrilen Formen und Fliesenbeschichtungen, und sogar Glasscherben auf dem Dach erzeugen eine geheimnisvolle und landschaftliche, präsürrealistische Wirkung.

Eine weitere Neuerung war der U-Bahn-Bereich, der die Garagen vorwegnahm, die Jahre später in anderen Häuserblocks gebaut werden sollten.

Gaudí verließ das Projekt der Casa Mila kurz vor seiner Vollendung, weil er das Gebäude mit einer Reihe von Skulpturen zu Ehren der Jungfrau und der Erzengel schmücken wollte und sah, dass das Modell, das der Bauherr, Herr Mila, der dem Gebäude seinen Namen gab, vorschlug, ihm nicht gefiel.

Seitdem wurde die Casa Mila trotz einiger anfänglicher Missverständnisse als ein Projekt bewundert, in dem das kreative Genie Gaudís in innovativen Strukturen und Formen zum Ausdruck kommt, die, wie wir gesagt haben, nachfolgende architektonische und künstlerische Stile vorwegnehmen.

Der Expressionismus und seine Vorläufer

Im ersten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts entstanden in Europa expressionistische Bewegungen. Der Begriff des Ausdrucks wird verwendet, um diese Kunstformen zu bezeichnen, in denen die Ähnlichkeit des Bildes mit dem Verismo dem Modell geopfert wird, um die Übermittlung der eigenen Gefühle des Autors durch visuelle Mittel zu verbessern, wie eine Geste des Pinsels, die Textur der Bildoberfläche, die expressive Verwendung von Linien und formalen Vereinfachungen.

Offensichtlich kam der Expressionismus nicht aus dem Nichts. Bereits 1861 schlug der symbolistische Dichter Stéphane Mallarmé vor, dass der Künstler weniger mit dem dargestellten Objekt zu tun habe als mit dem erzeugten "Effekt".

Wir betrachten Van Gogh, Gauguin und Redon als symbolistische Vorläufer dieser Trends. Darüber hinaus waren die Einflüsse der sogenannten primitiven Kunst, die aus den afrikanischen Kolonien und dem Pazifischen Ozean in der Metropole ankamen, und das Interesse an der Malerei aus dem späten Mittelalter maßgeblich an der Entwicklung des Stils beteiligt.

Obwohl der Ausdruck eines emotionalen Zustands nicht notwendigerweise die Beseitigung der objektiven Darstellung bedeutet, ist es eine Tatsache, dass ab 1909 das Verlangen nach dem Ausdruck dieses Zustands und die Annäherung an einen geistigen Zustand den Expressionisten Kandinsky dazu veranlassten, alle Spuren des Bezugspunkts zur natürlichen Welt zu beseitigen, so dass wir sagen können, dass in den expressionistischen Bilanzen der Keim der abstrakten Kunst enthalten ist.

Der Fauvismus: Die "wilden Tiere" der Malerei

"Fauve" heißt auf Französisch "wildes Tier", und das ist der Beiname, den ein Kritiker abfällig einer Gruppe von Malern gab, die auf dem Salon d'Automne de 1905 ausstellten, darunter Matisse, Derain und Vlaminck. Diese Maler stützten sich auf einige Aspekte der postimpressionistischen Maler: die gestische Pinselführung und die Verzerrungen von Van Gogh, die nicht-deskriptive Farbe und Dekoration von Gauguin, den Pointillismus von Seurat und Signac und die Farbflächen von Cézanne. Der Fauve-Expressionismus versuchte, die formalen Probleme der Bildgestaltung zu untersuchen.

Henri Matisse: Ein Meister der Farbe und Form

Unter all den Fauve-Malern ist Henri Matisse hervorzuheben, der zusammen mit Picasso einer der bedeutendsten Maler des zwanzigsten Jahrhunderts wurde. Sein Beitrag zur Kunst war nicht nur für sein eigenes Werk von grundlegender Bedeutung, sondern auch für den Einfluss, den er auf viele spätere Künstler hatte.

In seinen frühen Werken wie "Luxus, Ruhe und Vergnügen" wird eine Rechnung dicker pointillistischer Pinselstriche der Farbe mit einer freieren Interpretation kombiniert. Nach und nach wird diese Farbe in größeren ebenen Flächen verteilt, wobei mit den Kontrasten von gewalttätigen Komplementärfarben, der Impastomalerei von Farbe und dem Fehlen genauer Konturen gespielt wird. Anschließend entwickelte sich seine Arbeit zu einer Feinheit und Eleganz, die in Bildern zum Ausdruck kommt, die eine bestimmte Lebensfreude, eine Welt angenehmer, ordentlicher, ruhiger (und warum nicht sagen beispiellos? Bourgeois) vermitteln, in der die Formen aller Accessoires beraubt werden und mit der Eleganz der Linien und Farbflächen auf einen Schlag fast "musikalisch" gespielt wird.

Von seinen Werken kann man Bilder wie "Der grüne Streifen (Porträt der Madame Matisse)", "Die Freude am Leben", "La Musique", "Dance", die wir weiter unten besprechen, "The Piano Lesson", "Tür / Fenster auf Collioure", "Rumänische Bluse", außergewöhnliche Collage oder am Ende der Reihe "Jazz" hervorheben.

Die Danza (Der Tanz). 1909-1910

Von diesem Bild fertigte Matisse zwei Versionen an. Dies ist ein großes Ölgemälde auf Leinwand (260x391cm). Das große Format wird von Matisse verwendet, um etwas Monumentales zu schaffen und zu versuchen, ein Bild zu bieten, das das darstellt, was fast heilig ist.

Matisse verwendet nur vier Farben: Grün und Blau für den Hintergrund und die Farbe Braun für das Fleisch und die Konturierung der Figuren.

Matisse scheint diese und andere Werke über die Frage des Primats der Zeichnung über die Farbe oder umgekehrt zu lösen. Dies scheint das Dilemma zwischen der Linie (die mit den rationalistischen Tendenzen der Kunst verwandt ist) und der Farbe (die in der Regel mit dem "Emotionalen" in Verbindung gebracht wird) in einem Bild in Einklang zu bringen, das Vernunft und Gefühl, Linie und Farbe gleichzeitig ist.

In dem Bild von Matisse scheint alles Überflüssige beseitigt zu sein. Wenn das Thema klassisch und in der akademischen Malerei des neunzehnten Jahrhunderts häufiger vorkommt, ist die Behandlung überhaupt nicht so.

Die anatomische Korrektur des konventionellen Darstellung des Volumens durch die Dämmerung verschwindet, ebenso wie der Raum durch die Perspektive.

Matisse, geleitet von einem außergewöhnlichen Sinn für Rhythmus und Lyrik sowie von einem untrüglichen Instinkt für Farbharmonien, macht die Bewegung des Tanzes in einem eleganten und ausdrucksstarken Tempo der Wellenlinien, wo alles Überflüssige: Farbtöne, anatomische Korrektheit und Realismus geschlachtet wird, wodurch die Malerei uns an musikalische Rhythmen und sinnlichen Tanz erinnert. Matisse ist der Erfolg insgesamt, noch nie hatte ein Gemälde mit einer solchen Wirtschaft der bildnerischen Mittel so viel Macht, den Rhythmus sinnlich, verführerisch und fast sakraler Tanz zu evozieren. Die Figuren sind in Bewegung und rollen, die Bewegung der Linie wird umgewandelt und ist von größter Bedeutung. Das Bild erinnert an all die Tänze, die transzendent sind und die in der Erinnerung an die Festlichkeiten wie Matisse ihrer Jugend und Sardanas auftauchen, die er bei seinen Besuchen in Collioure sah.

Matisse schuf dieses Bild für einen russischen Aristokraten, der einer der großen Sammler seiner Kunst war. Nach der Revolution wurde diese wunderbare Sammlung beschlagnahmt und ging in den Besitz des sowjetischen Staates über, der sie in der Eremitage in St. Petersburg ausstellen würde. Das Werk von Matisse, das bereits vor der Enteignung bekannt war, hätte somit enormen Einfluss auf russische Künstler wie Malewitsch, der von Matisse gelernt hätte, dass Color Line von aller naturalistischen Nachahmung befreit werden sollte.