David & Goya: Schwur der Horatier und Familie Karls IV.

Der Schwur der Horatier (Jacques-Louis David)

Man könnte unzählige Dinge über dieses Gemälde sagen, das zusammen mit dem Tod des Marat als eines der berühmtesten Werke der Kunstgeschichte gilt. Es stellt einen Meilenstein in der Geschichte der französischen Kunst dar und wird oft als Paradebeispiel der neoklassizistischen Malerei zitiert.

Unmittelbare Bezüge und Einflüsse

Die beiden unmittelbarsten Bezüge zum Werk sind die Theaterstücke von Corneille und die Malerei von Poussin. Das Theater wurde in Frankreich als eine Schule der Sitten und Moral angesehen. Die Themen wurden der Antike entnommen, mit erhebenden Geschichten, um die korrupte Gesellschaft des Ancien Régime zu erneuern. Wir müssen uns daran erinnern, dass die Französische Revolution erst fünf Jahre später stattfinden würde.

Poussin, ein Künstler des 17. Jahrhunderts, wurde von der neoklassizistischen Generation als das große Vorbild dessen betrachtet, was Malerei sein sollte: basierend auf der Zeichnung, der Perfektion der Linienführung, mit einheitlichem weißem Licht und ausgewogenen Kompositionen auf geometrischen Strukturen. David selbst übersetzte diese Techniken in eine moderne Sprache. Bereits im Werk *Belisario* sah man, wie der junge Künstler eine Malerei vorwegnahm, die die Strenge der Erzählung mit dem Tempo eines Theaterstücks verband.

Struktur und Erzählung

Im *Schwur der Horatier* erreicht das Profil eine duale Struktur: Einerseits die Einheit von Ort, Zeit und Handlung, andererseits die Aufteilung der Erzählung in drei Akte. Diese drei Momente sind physisch durch die Gruppen von Figuren und die drei Bögen der Hintergrundarchitektur markiert.

Die Geschichte bezieht sich auf den legendären Ursprung Roms, das im 7. Jahrhundert v. Chr. gegen die Stadt Alba kämpfen musste. Der Krieg sollte durch einen Zweikampf zwischen drei römischen Champions und drei Albanern entschieden werden. Die Auserwählten sind:

• Die drei Brüder der Familie Horatius (für die Römer).
• Die drei Brüder der Curiatii (für Alba).

Der Fall wird jedoch dadurch kompliziert, dass diese beiden Familien durch zwei Ehen verbunden sind: Eine Schwester der Horatier ist mit einem Bruder der Curiatii verheiratet und umgekehrt.

Die drei Stufen des Gemäldes lassen sich wie folgt zusammenfassen:

1. Die Kriegserklärung der drei Brüder.
2. Der Treueid, den sie ihrem Vater auf die Schwerter leisten, die sie in den Kampf führen werden.
3. Die Verzweiflung der Frauen, die sich vom historischen Geschehen abwenden, um im Privaten zu trauern.

Die Farbgebung ist neoklassischer Standard, um den männlichen und weiblichen Raum zu differenzieren. Der männliche Raum ist der öffentliche Raum, der des Krieges oder der Arbeit. Der weibliche Raum ist immer der private Raum zu Hause, und ihre Aufgabe ist es, um die gefallenen Helden zu trauern oder Hausarbeit zu verrichten.

Die Familie Karls IV. (Francisco de Goya)

Die Familie Karls IV. ist der Höhepunkt aller Porträts, die Goya in dieser Zeit gemalt hat. Dank der Briefe der Königin Maria Luise von Parma an Godoy kennen wir Schritt für Schritt die Entstehung des Gemäldes. Die Arbeit wurde ab April 1800 in Aranjuez und in diesem Sommer ausgeführt.

Die porträtierten Figuren

Das Werk porträtiert, von rechts nach links, die folgenden Personen:

• Carlos María Isidro, Sohn von Karl IV. und Maria Luise von Parma.
• Der zukünftige Fernando VII., ältester Sohn des Königspaares.
• Goya selbst (malt, ähnlich wie Velázquez in *Las Meninas*).
• Doña Maria Josefa, die Schwester von Karl IV.
• Eine unbekannte Person (möglicherweise die zukünftige Ehefrau von Fernando, mit abgewandtem Kopf).
• Maria Isabel, jüngste Tochter der Könige.
• Königin Maria Luise von Parma (im Zentrum, als Zeichen ihrer Macht, da sie die Regierungsgeschäfte über Godoy führte).
• Francisco de Paula (an der Hand seiner Mutter; ihm wurde eine unanständige Ähnlichkeit mit Godoy nachgesagt).
• Karl IV. (in vorderer Position).
• Don Antonio Pascual, Bruder des Monarchen.
• Carlota Joaquina, älteste Tochter der Könige (zeigt nur den Kopf).
• D. Ludwig von Parma.
• Maria Luise Josefina (seine Frau, ebenfalls Tochter Karls IV.).
• Luis Carlos (Sohn der beiden, in den Armen seiner Mutter).

Kleidung und Interpretation

Alle Personen tragen den Orden Karls III. und einige auch das Goldene Vlies. Die Damen sind modisch gekleidet und tragen das Empire-Band des Ordens der Maria Luise. Karl IV. trägt zusätzlich die Insignien der Militärorden und des Christusordens von Portugal.

Die Interpretation dieses Werkes ist schwierig, da oft behauptet wurde, Goya habe die königlichen Figuren verspottet. Es erscheint seltsam anzunehmen, dass der Maler die Absicht hatte, die Familie des Monarchen lächerlich zu machen, obwohl Dokumente existieren, in denen die Königin äußert, dass alle sehr natürlich getroffen seien und sie sehr zufrieden war. Man muss davon ausgehen, dass die königliche Familie tatsächlich so aussah, da das Bild sonst zerstört worden wäre und Goya in Ungnade gefallen wäre – was nicht geschah. Das Werk ist ein beispielloses menschliches Dokument.

Komposition und Stil

Der Künstler arrangiert die Figuren wie einen Fries, unterteilt in drei Gruppen, um dem Werk mehr Bewegung zu verleihen. In der Mitte befinden sich die Könige mit ihren beiden Kindern. Rechts ist die Gruppe um den Erbprinzen in einem kalten Farbbereich dargestellt, während links die Prinzen von Parma in einem warmen Farbbereich zu sehen sind. Alle Figuren sind in eine Art goldenen Nebel gehüllt, was das Werk mit *Las Meninas* verbindet.

Das Hauptinteresse des Künstlers liegt darin, die Persönlichkeit der Porträtierten einzufangen, insbesondere die der Königin, der wahren Protagonistin der Komposition, und des Königs, dessen Charakter apathisch und abwesend wirkt.

Stilistisch sticht Goyas lockere Pinselführung hervor: Aus der Ferne scheint jedes Detail der Dekoration vorhanden zu sein, doch bei näherer Betrachtung werden die Farbflecken deutlich sichtbar. Im Gegensatz zu Velázquez in *Las Meninas* hat Goya das Spiel mit der Perspektive beibehalten, aber dank Licht und Farbe Volumen und Vielfalt geschaffen, um die verschiedenen Ebenen in der Tiefe zu unterscheiden.

Es war das erste Werk Goyas, das 1834 in den Museo del Prado aufgenommen wurde, mit einem geschätzten Wert von 80.000 Reales.