Die Entwicklung der Ästhetik: Von der Antike bis zur Moderne

Ästhetik im antiken Griechenland

Die Griechen suchten den Verlust der Subjektivität, oft durch Drogen, da sie glaubten, dass dadurch die Kreativität besser fließen würde. Sie verfolgten den Begriff der Schönheit nicht nur in der natürlichen Realität, sondern auch in einer subjektiv idealisierten Vision, die die Harmonie von Körper und Geist widerspiegelte und Schönheit mit Güte gleichsetzte. Es gab zwei Arten von Künstlern: Dichter, die eine hochkreative Sprache verwendeten, und Handwerker, deren Werke als mimetische, aber unvollkommene Kopien der Wirklichkeit galten. Die Griechen maßen der Bühnenmalerei größere Bedeutung bei. Sie sagten auch, dass Musik nicht die Natur imitierte, sondern sehr organisiert und mathematisch war. Sie galt als eine der größten Künste. Der Zuschauer galt als Teil der Elite der Unterhaltungsindustrie. Man erwartete von ihm, intelligent und gebildet zu sein, um die Darbietung zu verstehen. Das Ideal der Schönheit war die Harmonie, die keineswegs übertrieben war. Sie wirkte stimmig und war eins mit dem Universum.

Ästhetik im Römischen Reich

Die Jahrhunderte I, II und III n. Chr. waren eine Zeit des Heidentums, die von Chaos, Verrat und Sekten geprägt war. Rom wandte sich im dritten Jahrhundert n. Chr. dem Christentum zu. Kreativität wurde mit Geheimnis verbunden; Kunstwerke wurden nur akzeptiert, wenn sie einen geheimen Zweck oder eine verborgene Bedeutung hatten. Die Römer betrachteten ein Werk als Kunstobjekt, wenn es eine teleologische und symbolische Bedeutung hatte. Man stellte sich vor, dass man durch das Studium von Symbolen und Codes die Zukunft beeinflussen oder sogar verhindern könnte. Diese Symbole wurden von den Juden übernommen, die eine mathematische Verschlüsselung namens Kabbala verwendeten. Die Künstler galten als Eingeweihte. Um ein heidnischer Künstler zu sein, musste man einem Kult angehören; wollte man jedoch kein offizieller Künstler sein, war dies nicht zwingend. Der Zuschauer war Teil des Geheimnisses. Kunstwerke wurden an geheimen Orten präsentiert. Sie bewunderten das künstlerische Schaffen, gaben aber den Code oder das Geheimnis des Werkes nicht jedem preis.

Ästhetik der Romanik und Gotik

Die Epoche der Romanik ist philosophisch und ästhetisch eher primitiv. Sie zeichnet sich durch eine schlichte Schönheit aus, die zur Beruhigung beitragen soll. Es gibt einfache Skulpturen, die Schmerz und Dunkelheit darstellen. Sie betonen die schmerzhaften Aspekte und andere Merkmale. Man glaubte, etwas sei kreativ, wenn es Erleuchtung brachte. Die Zeichnungen waren linear, aber weich. Fantastische Elemente wurden oft als Engel dargestellt. Die Zuschauer waren Analphabeten, passiv und indoktriniert. Sie lernten durch vielfarbigen Stein und Holz. Die Künstler waren in der Regel Kleriker, Mönche… Sie sahen sich als Vermittler zwischen Gott und den Menschen. Sie waren Hüter der Schönheit. Die gotischen Kathedralbauten kamen dem Heidentum sehr nahe. Die Maurer waren die Erbauer der Kathedralen. Es waren mittelalterliche Gebäude, aber mit heidnischen Symbolen und Zeichen.

Ästhetik des Humanismus (15. Jahrhundert)

Alles drehte sich um die Gestalt des Menschen (Anthropozentrismus). Die menschliche Vernunft gewann an Bedeutung, und die Malerei, insbesondere durch die Einführung der Perspektive mit einem Fluchtpunkt, erreichte einen rationalen Maßstab für die Darstellung von Figuren. Es gab einen Hass gegen alle Kriege. Es gab eine platonische Idealisierung und Stilisierung der Wirklichkeit. Die Realität wurde idealisiert und besser dargestellt, als sie war. Es entstand neue Literatur; Dichter schrieben nach einem bestimmten Muster, was ihnen erlaubte, Themen wie Pastoralromane, Heldentaten oder Jarchas zu behandeln.

Ästhetik der Renaissance (16. - 17. Jahrhundert)

Die Renaissance war die Wiederbelebung künstlerischer Werke, die an die griechische Antike anknüpften. In der Kunst der Renaissance wurden die Wirklichkeit und die Natur kopiert. Sie begannen, neue Techniken einzuführen. Ein Problem war die Malerei in den Kuppeln der Kathedralen, weshalb die Ölmalerei entwickelt wurde. Die Perspektive wurde sehr gut ausgebildet und entwickelt, ebenso wie die Beleuchtung der vorderen Zone und der dunkle Hintergrund (Hell-Dunkel-Technik). Die Kunst der Renaissance ist der altgriechischen Kunst sehr ähnlich, aber der Künstler ist anders: Er wird anerkannt und sein Leben ist bekannt (z.B. Michelangelo). Die Gebäude selbst sind Kunstwerke der Renaissance; die Kunst kommt in die Stadt. Die Künstler prägen ihre Werke durch ihr „Ich“ (z.B. Da Vinci). Sie besaßen Talent und besondere Fähigkeiten. Sie mussten eine liberale Erziehung und Kenntnisse über Mensch und Natur besitzen. Sie sollten als Wissenschaftler den Gesetzen der Natur folgen und Naturereignisse sowie menschliche Handlungen sorgfältig darstellen. Wissenschaftliche Kenntnisse, insbesondere mathematische, waren unerlässlich, da die Theorien der Proportionen und der linearen Perspektive mathematische Studien waren. Diese lieferten die Prinzipien, nach denen die bildliche Umsetzung einheitlich und schön sein konnte, während sie gleichzeitig die Natur getreu wiedergab. Es entstand der Charakter des Kritikers, der beurteilte, ob ein Werk gut oder schlecht war. Neue soziale Klassen entstanden, wie die Bourgeoisie, die zu neuen Betrachtern wurde und auch in Kunstwerke investierte.

Ästhetik der Aufklärung (18. Jahrhundert)

Die Briten waren die ersten, die sie im 18. Jahrhundert einführten. Die Aufklärung glaubte an die Vernunft und war gegen den Aberglauben; sie wollte die Stände durch die Gewaltenteilung und die Souveränität des Volkes beseitigen. Es gab keine direkte Souveränität, sondern eine repräsentative Volkssouveränität, bei der das Volk seine Vertreter wählte. Sie hatten eine neue Vorstellung vom Menschen, obwohl sie teilweise noch ähnliche Ideen wie im Feudalismus hatten. Es wurden zwei soziale Strukturen erfunden: das Gefängnis und das Irrenhaus. Ein Psychologe beurteilte zusammen mit einem Richter, ob jemand verrückt oder vernünftig war. Die größte Erfindung der Aufklärung war die freie Verbreitung von Wissen; die Enzyklopädie wurde zu einem Vorläufer dessen, was heute das Internet ist. Die Kunst löste sich von der Religion und der Darstellung von Macht, um ein getreuer Ausdruck des Willens des Künstlers zu sein, wobei der Fokus stärker auf den sinnlichen Qualitäten des Werkes lag als auf dessen Bedeutung.

Die Kunst selbst wurde zum Hauptthema der Aufklärung. Die Ästhetik der Aufklärung konzentrierte sich auf die physiologischen Aspekte des Menschen, wodurch ein ästhetisches Gefühl entstand. Schönheit wurde als die Wahrnehmung von Beziehungen definiert, die aus einer persönlichen Sichtweise resultierte und absolute Schönheitsstandards ablehnte. Es ist auch die Rede vom Genie, einem Geschenk der Natur: Das Genie ist ein Mensch mit Leidenschaft, der an seine Grenzen geht, ohne sie zu überschreiten. Der Künstler sollte nationalen Interessen dienen und der neuen Macht, den Technologen, zur Seite stehen. Ein neues Element der Zensur trat auf. Die Öffentlichkeit bestand oft aus durchschnittlichen Bürgern, ähnlich wie in der Renaissance, aber jetzt mit noch mehr Zuschauern. Ein gewisser Elitismus begann; es gab Künstler, die für die Armen arbeiteten, und andere, die Werke für reiche Leute schufen. Die Kunst wurde zum Markenzeichen.

Ästhetik der Romantik

Entstand in Deutschland im späten 18. Jahrhundert. Die Romantiker vertraten die Idee einer Kunst, die spontan aus dem Individuum entsteht, und betonten den Begriff „Genie“. Die Kunst ist der Ausdruck der Gefühle des Künstlers. Sie erhöhte die Natur, den Individualismus, das Gefühl und die Leidenschaft. Sie bot auch einen neuen Zugang zum Dunklen, Irrationalen, das für die Romantiker genauso gültig war wie das Rationale und Helle. Der Betrachter war elitär, es waren Menschen mit Ressourcen. Die Zuschauer übernahmen den Stil ihrer Kleidung. Sie wollten ein Leben führen, das nicht das ihre war. Die Künstler waren reiche Leute, die ihre Werke nicht verkaufen mussten, um zu leben. Sie hatten keine Angst zu hungern.

Ästhetik des 20. Jahrhunderts

Neue Technologien veränderten die Rolle der Kunst, da Fotografie und Film für die Abbildung der Wirklichkeit verantwortlich wurden. Dies führte zur Entstehung der abstrakten Kunst, bei der der Künstler nicht mehr versuchte, die Realität wiederzugeben, sondern seine innere Welt, seine Gefühle auszudrücken. Es gab einen Rückgang der Analphabetenrate. In früheren Zeiten, als viele Menschen nicht lesen konnten, war die bildende Kunst das beste Medium zur Wissensvermittlung. Es entstand die praktische Anwendung des Kommunismus. Im Kommunismus wurde eine egalitäre Gesellschaft angestrebt, in der Immobilien geteilt wurden. Die Gemeinschaft wurde dort etabliert, wo der Kapitalismus seine letzte Phase erreicht hatte. Die Avantgarde-Bewegungen versuchten, Kunst in die Gesellschaft zu integrieren und eine stärkere Beteiligung in der Künstler-Betrachter-Beziehung zu fördern, da es der Betrachter war, der das Werk interpretierte und Bedeutungen aufzeigte, die der Künstler möglicherweise gar nicht beabsichtigt hatte.

Expressionismus

Der Expressionismus war eine kulturelle Bewegung, die in Deutschland im frühen 20. Jahrhundert entstand. Als Reaktion auf den Impressionismus und im Gegensatz zum Naturalismus und dessen positivistischem Charakter befürworteten die Expressionisten eine persönlichere und intuitivere Kunst, bei der die innere Vision des Künstlers (der Ausdruck) gegenüber der Wiedergabe der Realität (Eindruck) dominierte. Der Ausdruck ist in der Regel als eine Verzerrung der Realität zu verstehen, um eine subjektive Natur und den Menschen auszudrücken, wobei dem Ausdruck von Gefühlen Vorrang vor der objektiven Beschreibung der Wirklichkeit gegeben wird.

Impressionismus

Der Impressionismus entwickelte sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Europa. Er zeichnete sich weitgehend durch den Versuch aus, das Licht und den sofortigen Eindruck einzufangen, unabhängig von der Identität des Dargestellten. Das heißt, während ihre Vorläufer Formen mit Identität malten, malten die Impressionisten das Licht, das über den darunter liegenden Formen lag.

Kubismus

Der Kubismus war eine Kunstrichtung, die sich zwischen 1907 und 1914 entwickelte, in Frankreich entstand und unter der Leitung von Pablo Picasso stand. Er gilt als ein wesentlicher Trend, der zu den übrigen europäischen Avantgarden des 20. Jahrhunderts führte. Dies war der letzte Bruch mit der traditionellen Malerei. Der Kubismus gilt als die erste Avantgarde, da er im frühen 20. Jahrhundert endgültig mit der Perspektive der Renaissance brach. Im Kubismus verschwindet die traditionelle Perspektive. Die Formen der Natur werden durch geometrische Formen, Linien und Flächen zersplittert dargestellt. Es wird die sogenannte „multiple Perspektive“ verwendet, die alle Teile eines Objekts in einer Ebene zeigt. Es gibt keine einheitliche Sichtweise. Es gibt keinen Sinn für räumliche Tiefe. Die Einzelheiten werden gestrichen, und manchmal wird das Objekt durch einen einzigen Punkt repräsentiert.

Surrealismus

Der Surrealismus ist eine künstlerische Bewegung, die in Frankreich nach dem Dadaismus in den frühen 1920er Jahren entstand. Er versuchte, eine Wahrheit zu entdecken, indem er Bilder nutzte, um Gefühle auszudrücken, folgte aber nie einer logischen Argumentation. Der Surrealismus übernahm vom Dadaismus einige Techniken der Fotografie und Kinematografie sowie die Herstellung von Objekten. Es wurde das Prinzip der Collage-Montage von inhomogenen Objekten angewendet. Es wurde die Frottage erfunden, Zeichnungen, die durch Reiben von Papier oder Leinwand auf rauen Oberflächen entstehen. Eine weitere neue Aktivität, die vom Surrealismus geschaffen wurde, war das „Exquisite Corpse“ (Cadavre Exquis), bei dem Künstler Teile eines Bildes oder Textes zeichneten, ohne zu sehen, was der vorherige gezeichnet hatte, indem sie das gefaltete Papier weitergaben.

Dadaismus

Der Dadaismus war eine Kunstrichtung, die 1916 in der Schweiz entstand. Ein wesentliches Merkmal des Dadaismus ist die Opposition gegen den Begriff der Vernunft, der durch den Positivismus eingeführt wurde. Der Dadaismus war durch Auflehnung gegen literarische und künstlerische Konventionen geprägt, und vor allem durch den Spott über den bürgerlichen Künstler und seine Kunst. Er zeichnete sich durch provokative Gesten und Ausdrucksformen aus, mit denen Künstler versuchten, die Konventionen der Kunst zu zerstören und eine Anti-Kunst zu schaffen. Dada sprach sich gegen die ewige Schönheit, gegen die Ewigkeit der Prinzipien, gegen die Gesetze der Logik, gegen die Unbeweglichkeit des Denkens, gegen die Reinheit abstrakter Begriffe und im Allgemeinen gegen das Allgemeine aus. Er verteidigte das Chaos gegen die Ordnung und die Unvollkommenheit gegen die Vollkommenheit.

Futurismus

Der Futurismus war die erste Bewegung der künstlerischen Avantgarde-Strömungen, die in Italien gegründet wurde. Diese Bewegung versuchte, mit der Tradition, der Vergangenheit und den Symbolen der Kunstgeschichte zu brechen. Er lehnte das traditionelle Erscheinungsbild ab und versuchte, das zeitgenössische Leben zu verherrlichen, basierend auf seinen zwei dominierenden Themen: der Maschine und der Bewegung. Es wurden alle Ausdrucksmittel eingesetzt, um eine Kunst des Handelns zu schaffen, die die ganze Welt verjüngen und neu aufbauen sollte. Der Futurismus war dadurch gekennzeichnet, dass er versuchte, das Gefühl der Bewegung einzufangen. Dies geschah durch Überlappungen, eine Art Stroboskop-Fotografie oder eine Reihe von Fotografien, die aufgenommen und mit hoher Geschwindigkeit in einer Ebene gedruckt wurden.