Die Entwicklung des musikalischen Nationalismus in den USA

Nach der Unabhängigkeit im Jahr 1776 suchte die Nation nach einer Identität und einer besonderen Kultur. Sie nahm das Wesen des europäischen neunzehnten Jahrhunderts und einheimische Elemente durch Einwanderungswellen auf. Nach dem Bürgerkrieg im Jahr 1865 und dem wirtschaftlichen Aufschwung entwickelte sie sich zu einer Kraft mit neuen Technologien, Verkehrsmitteln und Arbeitskräften, unterstützt durch Protektionismus. Nach dem Bürgerkrieg gab es eine große Aktivität. Es wurde das Konservatorium gegründet und große Auditorien für Instrumentalensembles gebaut.

Zwei musikalische Strömungen

Es gab zwei Strömungen: Komponisten wie Brahms, Schumann und Schubert, Wissenschaftler in Boston oder McDowell, Liszt und Wagner auf der einen Seite, und auf der anderen Seite eine deutsche Romantik, die die Notwendigkeit einer nationalen Sprache betonte und sich auf schwarze, indigene und populäre Volksmusik inspirierte. Der Weg wurde von Dvořák (Tschechien) mit seiner "New World Symphony" (1893) geebnet, die auf schwarzen und indigenen Melodien basierte. Er komponierte auch Werke mit indigenen Melodien und eigenen Liedern mit indigenen Merkmalen.

Die Entwicklung des amerikanischen musikalischen Nationalismus erfolgte nach den Europäern, da die jungen amerikanischen Länder zunächst den Großmächten des alten Kontinents unterworfen waren. Der Nationalismus in Nord- und Südamerika war in den meisten Fällen mit politischen Umwandlungsbewegungen der Gesellschaft verbunden. Die wichtigsten Vertreter des amerikanischen musikalischen Nationalismus und einige ihrer wichtigsten Komponisten waren die Vereinigten Staaten mit Ives und Copland, Argentinien mit Ginastera, Kuba mit García Roldán und Caturla sowie Brasilien mit Villa-Lobos.

Charles Ives (1874-1954)

Er war der erste Amerikaner, der die Form mit einer neuen Sprache brach, indem er nationalistische Traditionen, indigene Folklore und die afroamerikanische Musiktradition zusammenfasste. Er gilt als Stammvater der experimentellen Musik. Seine Werke nutzen Elemente der afroamerikanischen Musik (Ragtime, afro-kubanische Rhythmen, Blasorchester-Tradition, Country-Musik) und verwenden Polytonalität, Polyrhythmik und Vierteltöne. Er experimentierte mit offenen Formen der Musik, wie Zufallsmusik und Clustern.

Seine Bedeutung für die Entwicklung der nationalen Musik des Kontinents liegt darin, dass er in völliger Isolation lebte, während seiner produktivsten Schaffensperiode (1895-1917). Seine Musik wurde erst in den 1930er Jahren bekannt und beeinflusste seine Zeitgenossen durch seine experimentelle Herangehensweise. Aufgrund seiner Isolation entwickelte er unabhängig von anderen Strömungen Atonalität, Mikrotonalität und Collage-Techniken, ohne jedoch auf Jazz-Repertoire zurückzugreifen. Er nutzte katholische, humanistische und Volksliedelemente, transformierte sie und stellte sie in neue Kontexte, bis zur Unkenntlichkeit verzerrt. Seine Arbeitsweise war progressiv, oft mit wenigen Instrumenten. Seine Werke sind oft von städtischer Folklore, Festivals und populären Liedern inspiriert. Sein Eklektizismus deckt verschiedene Einflüsse ab. Er glaubte nicht an das Konzept des "fertigen" Werkes und verwendete Fragmente früherer Kompositionen wieder. Seine "Concord Sonata" für Klavier symbolisiert eine Tendenz zur Transzendenz und schlägt eine intuitive, hierarchiefreie Herangehensweise vor. Bekannte Werke sind The Unanswered Question und Central Park in the Dark.

Die 1920er Jahre: Jazz und Traditionalismus

In den 1920er Jahren herrschte in den USA ein Isolationismus mit restriktiven Einwanderungsgesetzen. Gleichzeitig gab es eine große wirtschaftliche Expansion, die 1929 ihren Höhepunkt erreichte. Die Musik entwickelte sich in zwei Richtungen: 1. Der europäische Einfluss zeigte sich im Traditionalismus à la Strawinsky. 2. Amerikanische Komponisten übernahmen den Jazz, der sowohl in Europa als auch in den USA akzeptiert wurde.

Der Jazz entstand in der afroamerikanischen Bevölkerung von New Orleans als eine Kombination aus musikalischen Elementen, die sie umgaben: ihre eigene afroamerikanische Tradition, Spirituals und die Musik der weißen Bevölkerung mit Militärkapellen und Tanzorchestern. Nach dem Vorbild der weißen Militärkapellen entstanden bereits im 19. Jahrhundert schwarze Marschkapellen. Ab 1890 entwickelten sich diese zu Jazzbands (Kornett, Klarinette, Posaune, Tuba, Banjo, Klavier) mit funktionaler Harmonie und einem Rhythmus in 2/4.

In den 1920er Jahren gab es zwei experimentelle Linien:

• Jazz: In Chicago entstanden die Big Bands mit besser ausgebildeten Musikern und größeren Improvisationen. In den 1930er Jahren stieg der Swing auf und wurde zu einem Produkt der populären Musik. Der Jazz interagierte regelmäßig mit der klassischen Musik. Europäische Musiker übernahmen Merkmale des Jazz (Ravel und Strawinsky). Gershwin gelang es, den Jazz erfolgreich in seine Kompositionen zu integrieren.
• Amerikanischer Traditionalismus: Komponisten, die der amerikanischen Musik eine nationale Vision geben wollten. Fast alle studierten in Europa mit einer musikalischen Perspektive. Sie glaubten, dass die europäische Herkunft ein Nachteil sei, da sie die freie Selbstentfaltung einschränkte. Merkmale: Internationale europäische moderne Technik, Einbeziehung amerikanischer Sprachelemente, Verwendung von Jazz- und Folklorelementen; klassischer Stilansatz mit klassischen Formen, Barockelementen, Dominanz der Melodie und transparenten Texturen. Die Musik war tonal und dogmatisch.

Aaron Copland (1900-1990)

Er spiegelte die sich verändernden Charakteristika der amerikanischen Musik wider und erhielt Aufträge vom 1. und 2. Weltkrieg. Nach dem 2. Weltkrieg komponierte er weiterhin, aber nicht mehr so produktiv. Er wurde im europäischen Klassizismus ausgebildet, um amerikanische Musik zu schreiben. Er basierte seine Musik auf Ives und der Volksüberlieferung. Seine erste Phase umfasste ein Klavierkonzert. Ab den 1930er Jahren entwickelte er eine zugänglichere Sprache, beeinflusst von einem Klima des sozialen Bewusstseins. Seine Musik wurde zugänglicher und populärer. Er war ein wichtiger Einfluss auf populäre Komponisten und integrierte Strawinsky und amerikanische populäre Musikthemen. Sein Nationalismus umfasste auch Elemente des Kolonialismus.

Zwischen 1927 und 1929 komponierte er eine Symphonie-Ode zum 30. Jahrestag des Boston Symphony Orchestra. 1929 erhielt er 5.000 US-Dollar aus einem RCA-Victor-Wettbewerb für seine Dance Symphony, die auf dem Ballett Grohg von 1925 basierte und nicht repräsentativ war. Am 16. Oktober 1938 wurde sein Ballett Billy the Kid uraufgeführt, Rodeo erschien 1942 und Lincoln Portrait basierte auf Texten des amerikanischen Staatsmanns. Ebenfalls 1942 entstand Fanfare For The Common Man.