Entwicklung des Theaters im 20. Jahrhundert: Tradition, Avantgarde & Existenzialismus

Traditionelles Theater im 20. Jahrhundert

Frankreich: Giraudoux und Anouilh

Zwei französische Autoren dieser Zeit suchten nach historischen und mythologischen Stoffen. Jean Giraudoux war ein Romancier, Dramatiker und Essayist, der eine große lyrische Begabung, einen feinen Sinn für Humor und eine ausgeprägte Fantasie besaß. Sein Stück Der Trojanische Krieg findet nicht statt ist eine Tragödie, die vom Schicksal bestimmt ist und die guten Absichten der Menschen übersteigt.

Jean Anouilh folgt in den Fußstapfen von Giraudoux und dramatisiert in brillantem und geschicktem Stil den nutzlosen Kampf zwischen persönlichen Wertvorstellungen und gesellschaftlichen Zumutungen. In ihren Werken dokumentieren sie eine tragische und pessimistische Sicht des Lebens und ihren Protest gegen Ungerechtigkeiten. Antigone ist eine Aktualisierung des klassischen Themas des Aufstands der Schwachen gegen die Mächtigen.

England: Shaw und Priestley

Bernard Shaw kritisierte die Voreingenommenheit, Heuchelei und den Egoismus der englischen Gesellschaft mit einer lebhaften und farbenfrohen Stimmung, jedoch ohne wesentliche formale Neuerungen. Das Werk, das ihm den größten Erfolg bescherte, war Pygmalion, eine Version des klassischen Mythos der Liebe des Schöpfers zu seiner Kreatur.

J.B. Priestley zeichnet sich durch seine Behandlung der Zeit aus. Ursprüngliche chronologische Sprünge prägen seine Dramen, die sich um persönliche und soziale Frustrationen der Menschen in einer Atmosphäre von Geheimnis und Pathetik drehen. In Ein Inspektor kommt werden die Laster der Gesellschaft enthüllt, die bereit ist, jemanden mit Füßen zu treten, um den eigenen mageren Wohlstand zu sichern. In Die magere Zeit macht der Betrachter die traurige Zukunft der mit Illusionen erfüllten Charaktere in der Zukunft mit.

Vereinigte Staaten: Eugene O'Neill

Eugene O'Neill hatte eine abenteuerliche Jugend als Matrose, Schauspieler, Reporter, bis er aufgrund von Tuberkulose zur Ruhe gezwungen wurde und seine Berufung als Dramatiker entdeckte. Er verband in seinem Werk die Aktualisierung griechischer Mythen und biblischer Psychoanalyse mit poetischem Realismus und symbolischen Elementen. In der Trilogie Trauer muss Elektra tragen thematisiert er den amerikanischen Bürgerkrieg, der größten Hass hervorruft und Familien zerstört, als einen neuen Trojanischen Krieg.

Avantgarde-Theater im 20. Jahrhundert

Merkmale und Strömungen der Zwischenkriegszeit

Die Krise Europas in der Zwischenkriegszeit spiegelt sich in mehrfacher Hinsicht wider:

• Das Epische Theater, das mit sozialem Inhalt und innovativer Inszenierung arbeitet, soll die Öffentlichkeit von dem, was sie sieht, entfremden, um zur Reflexion anzuregen.
• Das Theater des Absurden, das die Idee der existenziellen Sinnlosigkeit des Lebens und des menschlichen Daseins ins Extreme führt, in dramatischem oder komischem Ton.

Das Theater des Absurden: Ursprünge und Merkmale

Das Theater des Absurden ist eine transzendentale Meditation über die existentielle Absurdität des menschlichen Daseins. Getrennt von seinen religiösen und metaphysischen Wurzeln, fehlt ihm ein fester Halt, und seine Handlungen werden absurd. Das sogenannte absurde Theater geht noch einen Schritt weiter: Es überwindet Denken und Logik, um den Betrachter in reine Absurdität zu versetzen, durch absurde Argumente und leere Zeichen. Das Theater des Absurden wurde in Frankreich von Ionesco und Beckett geboren.

Independent Theater: Merkmale und Entwicklung

Entwicklung und Charakteristika ab den 1950er Jahren

Ab den 1950er Jahren entstanden in Europa und Amerika viele Theatergruppen, die ein anspruchsvolles Theater für die verschiedensten Darstellungsformen und Erfahrungen entwickelten. Dieses Theater ist gekennzeichnet durch:

• Das Primat der Inszenierung über den Text, der oft eine kollektive Schöpfung ist.
• Die Vorliebe für leichte, komische, innovative Stücke, die eine Botschaft der individuellen und kollektiven Befreiung tragen.
• Die Aufhebung der Trennung zwischen Bühne und Zuschauerraum auf der Suche nach einer Interaktion der Akteure und des Publikums, das manchmal in die Aktion einbezogen wird.
• Die Verwendung vielfältiger plastischer, visueller und akustischer Mittel, um ein Publikum zu befriedigen, das an Kino, Fernsehen und große Shows gewöhnt ist.
• Die Vielseitigkeit der Schauspieler, die viele künstlerische Facetten beherrschen müssen: Musik, Tanz, etc.

Existenzialistisches Theater

Luigi Pirandello: Pessimismus und die Suche nach Wahrheit

Das dunkle Leben Pirandellos, beeinflusst von wirtschaftlichen Problemen und dem psychischen Ungleichgewicht seiner Frau, prägte den Pessimismus seiner Werke, trotz seines ursprünglichen Sinnes für Humor. Er glaubte nicht an die Konsistenz der Realität oder absolute Wahrheiten und sah den Menschen zur Isolation und Einsamkeit verurteilt. Damit gilt er als Vorläufer des Existenzialismus und des Theaters des Absurden. Seine berühmtesten Werke sind Sechs Personen suchen einen Autor und So ist es (wenn es Ihnen so scheint). Im letzteren wird die Existenz der objektiven Wahrheit in Frage gestellt: Jeder hat seine eigene Art, die Dinge zu sehen, aber niemand hat das Recht, seine Sicht zu erheben oder als Bedrohung für andere zu nutzen. Weitere führende Vertreter der existenzialistischen Dramatik sind die Franzosen Sartre und Camus.

Eugène Ionesco: Absurdität, Einsamkeit und Entmenschlichung

Eugène Ionesco lebte einen Großteil seines Lebens in Paris und nutzte die französische Sprache für sein literarisches Schaffen. Seine Werke stellen große existentielle Fragen des Menschen dar, verpackt in Ironie und Pessimismus, oft in einer destruktiven Stimmung.

• Die kahle Sängerin ist eine wilde Farce über die mangelnde Kommunikation, in der es scheinbar keinen Sänger gibt, sondern zwei Ehepaare und einen Feuerwehrmann, die ein sinnloses Gespräch führen. Die Charaktere können nicht sprechen, weil sie nicht denken können; sie haben ihre Persönlichkeit verloren und sind austauschbar.
• In Die Stühle, einer Metapher über Einsamkeit und Verzweiflung, sind ein altes Ehepaar auf einer einsamen Insel isoliert und wollen der Menschheit vor dem Untergang eine Botschaft der Erlösung übermitteln. Doch die Bühne ist voller leerer Stühle, eine Allegorie der Leere.
• Die Nashörner ist eine Allegorie über die Entmenschlichung der von Egoismus befallenen Stadtbewohner, die zu Nashörnern werden. Derjenige, der versucht, den anderen zu folgen, wird selbst zum Nashorn.