Federico García Lorca: Leben und Werk

Form und Stil in Lorcas Lyrik

All dies ist Kraft, ausgedrückt in der Sprache des großen Expressiven, die vortrefflich im Leser die gleichen schmerzhaften Erfahrungen des Poeten rekonstruieren kann. Oft wurde von den Beziehungen dieses Buches zum Surrealismus gesprochen, trotz dessen Inkonsequenz. Selten werden tiefe und anhaltende Metaphern verwendet, nach dem Kanon des Barock, aber mit extremer Härte. Der Fußabdruck des surrealistischen Dichters zeigt sich im Schrei der Empörung und der radikalen Verschärfung des sozialen Gewissens. Gegenüber dem laufenden Versmaß früherer Bücher zieht Lorca jetzt die Strophe vor, aber Assonanz und Reim überleben in bestimmten Texten. In den folgenden Büchern pflegt Lorca eine Art von Poesie, die sich mit sich selbst und mit mehr Erotik verbindet. Auch wenn der freie Versbau nicht ganz aufgegeben wird, kehren metrische Schemata zurück. Mit Divan del Tamarit, angeregt durch die Lektüre der Gedichte arabisch-andalusischen, die E. García Gómez übersetzt hatte, und durch seine alten Kenntnisse der arabischen Poesie, versucht Lorca ein neues poetisches Abenteuer. Beachten Sie jedoch, dass das Buch wenig mit der oberflächlichen und aktuellen Sicht auf den Osten zu tun hat, die viele Europäer seit den romantischen Dichtern hinterlassen haben. Wenn wir das stärker Sinnliche außer Acht lassen, bleibt Lorca in seinen Gedichten seinen gewohnten Obsessionen treu.

Lorca und die Hommage an Sánchez Mejías

In Lament for Ignacio Sánchez Mejías, einem seiner vollkommensten Werke, führt Lorca eine Hommage an seinen Freund, den Torero Ignacio Sánchez Mejías, auf, der 1934 starb. Zwar gibt es Anspielungen auf die Welt des Stierkampfes, aber Lorca, der sich immer geweigert hat, sich direkt mit der Welt des Stierkampfes zu befassen, vermeidet die folkloristischen und malerischen Elemente und philosophischen Interpretationen. In den vier Teilen, aus denen es besteht, ist alles der Vorlage untergeordnet, inmitten einer surrealen Atmosphäre, einer mythischen und außergewöhnlichen Figur, die zum Tode führt, zum bemerkenswerten Nichts. Abgesehen von der außerordentlichen Qualität der poetischen Sprache ist die perfekte Anpassung des Metrums an die elegische Stimmung des Poeten bemerkenswert.

Sonette der dunklen Liebe

Die Sonette der dunklen Liebe müssen in den Trend des Neoformalismus fallen, der in der spanischen Poesie jener Jahre zu beobachten ist und zu Beginn des Jahrzehnts der vierziger Jahre stärker wird. In den Gedichten, die erhalten geblieben sind, gibt es, obwohl die Erotik wie im vorigen Buch vorhanden ist, eine spirituelle Erfahrung der Liebe. Das liegt wahrscheinlich, wie bereits von Miguel García Posada bemerkt wurde, an der "Tatsache, dass diese Sonette die Liebe feiern und eine romantische Beziehung von Dauer vollenden." Verzweiflung und Angst bei dem Gedanken, diese Liebe zu verlieren, sind natürlich eines der vorherrschenden Themen.

Lorcas Theater

Lorcas Wunsch, ab den 30er Jahren eine aufrichtigere Literatur zu suchen, die mehr mit ihren eigenen Konflikten und den Problemen der Menschen im Allgemeinen zu tun hat, fand im Drama eine passende Antwort. In Lorcas Drama gibt es zwei gegensätzliche Ebenen der Existenz: eine intime und subjektive, freie, lyrische und eine externe, repressive in ihrer Konventionalität. In seinen Stücken schlägt Lorca vor, dass die Übertretung dieser Regeln der einzige Weg zu einer konventionellen Realität ist, aber die dramatische Lösung des Konflikts ist immer klar: Das Brechen dieser Regeln bedeutet Tod, Einsamkeit oder Frustration. Das sind seine großen Stücke der dreißiger Jahre. Vorher gibt Lorca eine Reihe von Stücken heraus, die in einigen Fällen die zukünftigen Möglichkeiten seiner großen Werke vorwegnehmen.

Frühe Werke und erste Erfolge

Sein erster dramatischer Erfolg, Mariana Pineda (1925), hat Ähnlichkeiten mit dem "poetischen Drama" in Versen, mit romantischer Behandlung und historischem Thema. Am erfolgreichsten sind Die wundersame Schustersfrau (1926 und 1933), wo bereits ein Konflikt zwischen Wunsch und Wirklichkeit geboren wird, und Doña Rosita bleibt Jungfer und die Sprache der Blumen (1935), die Charaktere zeigt, die frustriert sind, weil sie die Liebe außerhalb der Moral leben. In den 30er Jahren komponiert Lorca das surrealistische Stück Das Publikum (1930), dessen Symbole und Bilder fremd sind und in dem es klare Hinweise auf Homosexualität gibt.

Die dramatische Trilogie des spanischen Landes

Seine besten Stücke sind das, was man als "dramatische Trilogie des spanischen Landes" bezeichnen könnte, die das Thema der Opposition und Konfrontation zwischen dem Wunsch nach Freiheit und der Unterdrückung entwickelt. Bluthochzeit (1933), das wichtigste, ist ein lebendiges Drama einer unmöglichen Liebe zwischen Zigeunern. Yerma (1934) ist eine Tragödie der verschmähten Liebe, ein Drama von unfruchtbaren Frauen, deren Wunsch nach Liebe die Liebe eines Kindes für ihren Mann in einen irrationalen Hass verwandelt. Die Entwicklung bedeutet, dass fast das ganze Gewicht auf der Protagonistin liegt und der Rest der Charaktere wie ein tragischer Chor agiert. Aber das beste der drei Stücke ist ohne Zweifel Das Haus der Bernarda Alba (1936), vor allem, weil es trotz der deutlichen Symbolik vieler seiner Elemente realistischer ist, fast "sozial", d.h. in der Nähe einer Art von Produktion, die der königlichen Gesellschaft seiner Zeit verpflichtet ist.

Das Haus der Bernarda Alba

Das Haus der Bernarda Alba zeigt die autoritären Züge einer Frau, die zum zweiten Mal verwitwet ist, und ihrer fünf Töchter, die in ihrem Haus eingesperrt sind, um eine sehr strenge Trauer zu führen. Die ganze Handlung spielt sich in diesem Haus ab. Die Außenwelt wird durch das Volk und durch Pepe el Romano repräsentiert, der der eigentliche Impulsgeber für die Handlung ist: das Objekt der Begierde aller Töchter Bernardas, aber nur Adela, die jüngste, wagt es, sich zu widersetzen, sich mit der Autorität, der Unterdrückung und den Konventionen ihrer Mutter und des Volkes auseinanderzusetzen. Das Stück endet mit ihrem Tod.