Federico García Lorca: Leben und Werk

Federico García Lorca

Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, Spanien, 1898 - Víznar, 1936) war ein spanischer Dichter und Dramatiker. Seine ersten Lebensjahre verbrachte er in der ländlichen Umgebung seiner kleinen Heimatstadt Granada, bevor er an der Hochschule in Almería studierte.

Er setzte seine Studien an der Universität von Granada fort, wo er Philosophie und Literatur studierte und in Jura promovierte. Am College freundete er sich mit Manuel de Falla an, der einen großen Einfluss auf ihn ausübte und ihm seine Liebe zur Folklore und Popularmusik vermittelte.

Nach 1919 zog er nach Madrid in die Residencia de Estudiantes, wo er Machado und Juan Ramón Jiménez kennenlernte und sich mit Dichtern und Künstlern seiner Generation wie Buñuel und Dalí anfreundete. In diesem Umfeld hegte Lorca nicht nur eine Leidenschaft für Gedichte, sondern auch für Musik und Zeichnen, und er interessierte sich für das Theater. Sein erstes Theaterstück, Der Fluch des Schmetterlings, wurde jedoch ein Fehlschlag.

Im Jahr 1921 veröffentlichte er sein erstes Werk in Versen, Buch der Gedichte, das trotz der romantischen und modernistischen Einflüsse Aufmerksamkeit erregte. Die Anerkennung und der literarische Erfolg Federico García Lorcas kamen jedoch mit der Veröffentlichung von Canciones im Jahr 1927 und vor allem mit den umjubelten Aufführungen von Mariana Pineda, einem patriotischen Drama, in Madrid.

Zwischen 1921 und 1924, während der Arbeit an Canciones, schrieb er ein Stück Folklore, das auf der andalusischen Tradition basierte: das Poema del Cante Jondo (veröffentlicht 1931), ein Buch von mehr Einheitlichkeit und Reife, mit dem die ersten Erfahrungen dessen, was populärer werden sollte, ein Merkmal seiner Poesie, begannen: die Identifikation mit der Stilisierung, die er später erfuhr und zur vollen Reife mit den Zigeunerromanzen (1928) führte, deren Erfolg sofort eintrat. Sie schlossen sich der populären und singenden Verehrung für die verfolgten Roma an, ausgegrenzte Charaktere, die durch ein tragisches Schicksal gekennzeichnet sind. Formal erhielt Lorca eine persönliche, unverwechselbare Sprache, die in der Assimilation der populärsten Elemente wohnt und Formen mit kühnen Metaphern kombiniert, sowie eine Selbststilisierung der Formen der reinen Poesie, die seine Generation bezeichnete.

Nach diesem Erfolg ging Lorca nach New York, wo er während des akademischen Jahres 1929-1930 als Praktikant lebte. Die Eindrücke, die die Stadt in seinem von Zivilisation geprägten Geist hinterließ, materialisierten sich 1940 in Poeta en Nueva York (postum veröffentlicht), einem gequälten Lied mit Anklängen an sozialen Protest gegen die mechanisierte, heutige Stadt. Die traditionellen und populären Formen seiner früheren Arbeiten wichen auf diesem Weg anderen apokalyptischen Visionen, unlogischen, traumhaften Bildern, die in Verbindung mit dem zeitgenössischen französischen Surrealismus stehen, aber immer in der persönlichen Poetik Lorcas verankert sind.

Zurück in Spanien wurde Federico García Lorca 1932 zum Direktor von La Barraca, einer universitären Theatergruppe, ernannt, die das klassische Theater des Goldenen Zeitalters dem Volk von Kastilien näherbringen sollte. Sein Interesse am Theater, sowohl in seiner kreativen als auch in seiner medialen Form, entsprach einer schrittweisen Entwicklung hin zu kollektiven Bemühungen und dem Bestreben, die Menschen so direkt wie möglich zu erreichen. So waren die letzten Jahre seines Lebens dem Drama gewidmet, mit Ausnahme von zwei Gedichtbänden: Diván del Tamarit, einer Sammlung von Gedichten, die von der arabisch-andalusischen Poesie inspiriert sind, und Lamento por Ignacio Sánchez Mejías (1936), eine schöne Elegie, die seinem befreundeten Torero gewidmet ist und die Zugehörigkeit zu populären Tönen mit surrealen Bildern kombiniert.

Die letzten Arbeiten von Federico García Lorca sind Theaterstücke. Yerma (1934) ist eine echte Tragödie klassischer Art, in der der Chor der Wäscherinnen mit seiner Koryphäe einen Dialog mit dem Star der Erörterung der Aktion führt. Ähnlich verhält es sich in Bluthochzeit (1933), wo ein reales Ereignis das Drama einer Braut inspirierte, die nach ihrer Heirat mit einem alten Freund (Leonardo) flieht. Die Flucht, voller Vorahnungen, in denen der Tod selbst als ein Zeichen erscheint, deutet auf ein endgültiges Ende hin, das seit der ersten Szene angedeutet wurde, in der beide Männer getötet wurden, was die Möglichkeit der Kontinuität der Linie der beiden Zweige und die Erneuerung des Todes des Vaters des Bräutigams in den Händen der Familie von Leonardo zunichtemacht. So endet die Leidenschaft und Selbstsucht mit der Vernichtung aller bestehenden Ordnung.

Unter all diesen Belastungen steht Bernarda Albas Haus (1936), wo die Leidenschaft für das Leben der jungen Adela, die mit ihren Schwestern aufgrund der Trauer um ihren Vater in ihrem Haus eingesperrt ist und unter dem Joch einer tyrannischen Mutter steht, ohne Angst vor Konsequenzen rebelliert. Auf diese Weise prallt ihre Leidenschaft für das Leben gegen die Mauer der Unverständlichkeit ihrer Familie und wird ausgelöscht. Zusammen mit der Figur des Protagonisten zeigt die Serie von Frauenporträts, die der Autor zeichnet, von der sehr vertrauten Bernarda bis zu den alten Dienerinnen (La Poncia), der bitteren und eifersüchtigen Schwester (Martirio) oder der Großmutter, die sich gegen Bernarda Tyrannei auflehnt.

Bernarda Albas Haus, sein Meisterwerk, war zugleich sein letztes Werk, denn im selben Jahr, nach Ausbruch des Bürgerkriegs, wurde er aufgrund von Anschuldigungen verhaftet und zehn Tage später von nationalistischen Kräften unter ungeklärten Hinweisen auf seine Rolle als Dichter, Freigeist und jemand, der die 'soziale Ordnung' verändern konnte, erschossen.