Geschichte des Grafikdesigns: Von den Anfängen bis zur Romanik

Geschichte des Grafikdesigns

Die Menschen hatten schon immer das Bedürfnis, mit anderen zu kommunizieren. So kann man sagen, dass der Mensch, seit er seine fortgeschrittene Natur entwickelt hat, im Wesentlichen darauf angewiesen war, seine Ideen in der einen oder anderen Form anderen mitzuteilen.

Die ersten Formen der Kommunikation waren visuelle Elemente. Bevor die Menschen die Fähigkeit zur sprachlichen Äußerung entwickelten, nutzten sie ihren Körper, um Stimmungen, Wünsche und Bedenken durch Gesten, Ausdrücke und Zeichen zu kommunizieren, die schließlich zu einer Art „Sprache“ wurden. Diese Kommunikationsmodelle entwickelten sich weiter.

Obwohl die gesprochene Sprache später zum Medium des Austauschs für direktere Informationen wurde, behielt die visuelle Sprache ein wichtiges Gewicht in der Kommunikation. Dies zeigte sich vor allem in der Verwendung verschiedener Materialien und Medien, um visuelle Botschaften zu vermitteln. So zeigen viele Fels- und Höhlenmalereien, die bis in unsere Tage überlebt haben, natürliche Elemente, tägliche Aktivitäten und verschiedene künstliche Zeichen mit Bedeutung.

Die grafische Darstellung von Ideen erfuhr ihren größten Aufschwung mit der Entstehung der Schriftsprache. Strukturierte Gedankengänge konnten durch eine Reihe von grafischen Elementen, die in einer definierten Struktur angeordnet waren, ausgedrückt werden. Dies ermöglichte die Übertragung von Nachrichten, die für die Gemeinschaft verständlich waren.

Diese Schriftsprachen basierten entweder auf der Darstellung von Elementen aus der Natur, denen eine bestimmte Interpretation zugewiesen wurde, oder auf einer künstlichen Sammlung von erfundenen Symbolen, Alphabeten. Jedes dieser Zeichen hatte für sich genommen manchmal eine unsichere Bedeutung, aber in Kombination mit anderen bildeten sie die Sprache der jeweiligen Menschen oder Kultur.

Hieroglyphen in Stein gemeißelt (Ägypten)

Zunächst wurde Stein als Material verwendet, aber bald kamen andere Materialien hinzu, die eine größere Benutzerfreundlichkeit und Portabilität ermöglichten, wie Papyrus oder Pergament.

Papyrus der Toten

Auch begann man, verschiedene Arten von natürlichen Pigmenten zu verwenden, um farbenfrohe und ausdrucksstarke Werke für künstlerische Kompositionen zu schaffen. Geschriebene und grafische Elemente wurden in einer harmonischen und ausgewogenen Weise kombiniert, was die kommunikative Kraft, Klarheit und Schönheit der Werke unterstrich. Dies lässt sich gut an der Herstellung mittelalterlicher Inkunabeln in Klöstern erkennen, wo die Bedeutung der „Form“ (des Designs) für die Vermittlung einer Botschaft deutlich wird.

Mittelalterliche Inkunabeln

Im christlichen Mittelalter wurde die Handlung als wirksamstes Mittel der grundlegenden Kommunikation eingesetzt. Mit der Fähigkeit anonymer Designer entstand eine grafische Politik, die vom Einfallsreichtum der Katakomben bis zum Glanz von Byzanz reichte.

1. Anonym. Monogramm Christi. 2. Karl der Große: persönliches Monogramm.

Man kann argumentieren, dass die grafische Kommunikation für bestimmte Zwecke ihren Ursprung in den altsteinzeitlichen Höhlenmalereien und der Geburt der Schriftsprache im dritten Jahrtausend v. Chr. hat. Die Unterschiede in den Arbeitsmethoden, der Wissenschaft und den erforderlichen Schulungshilfen sind jedoch so groß, dass man die heutigen Grafikdesigner nicht eindeutig mit prähistorischen Menschen, dem Holzschnitt des 15. Jahrhunderts oder dem Lithographen von 1890 gleichsetzen kann.

Die Vielfalt der Ansichten spiegelt die Tatsache wider, dass einige Grafikdesign als ein Produkt der industriellen Produktion betrachten, d. h. visuelle Ereignisse, die „designt“ wurden, um den Bedürfnissen verschiedener Art gerecht zu werden: produktiv, symbolisch, ergonomisch, kontextuell usw.

Hintergrund

Eine Seite aus dem Book of Kells: Folio 114, illis dekoriert mit Text mit der Tunc dicit. Ein Beispiel für Kunst und Seitenlayout des Mittelalters.

Das Book of Kells, eine reich bebilderte Manuskriptbibel, die von irischen Mönchen im 9. Jahrhundert n. Chr. hergestellt wurde, ist für einige ein sehr schönes frühes Beispiel für ein Grafikdesignkonzept. Für andere ist es eine grafische Manifestation von hohem künstlerischem Wert und Qualität, die sogar viele heutige Editorials übertrifft. Dennoch wird das Produkt nicht als Grafikdesign betrachtet, da das Design nicht dem Grafikdesignprojekt entspricht.

Die Geschichte der Typografie und damit auch die Geschichte des Buches ist eng mit dem Grafikdesign verbunden. Es gibt praktisch keine Grafiken, die keine typografischen Elemente enthalten. Daher umfasst die Geschichte des Grafikdesigns auch die Trajanssäule, die mittelalterlichen Miniaturen, Johannes Gutenbergs Druckerpresse, die Entwicklung der Buchbranche, die Plakate von Paris, die Kunst- und Kunsthandwerksbewegung (Arts and Crafts), William Morris, das Bauhaus usw.

Die Einführung der beweglichen Lettern durch Johannes Gutenberg machte Bücher billiger in der Produktion und erleichterte ihre Verbreitung. Frühe gedruckte Bücher (Inkunabeln) prägten das Modell bis ins 20. Jahrhundert. Das Grafikdesign dieser Epoche wurde als Old Style (vor allem die Schriften, die diese frühen Typographen verwendeten) oder Humanist bekannt, aufgrund der vorherrschenden philosophischen Schule der Zeit.

Griechische Kunst

Die griechische Kunst blühte zwischen dem 7. und 2. Jahrhundert v. Chr. in Griechenland und anderen mediterranen Ländern, die von Griechen bewohnt wurden. Sie zeichnet sich durch ihren ästhetischen Idealismus, die Verhältnismäßigkeit, die Ausgewogenheit der Elemente und das Interesse an einem authentischen Ausdruck der menschlichen Figur aus. Daher entwickelte sie eine große Perfektion in der Zeichnung. Die Athletik, die von diesen Menschen so gepflegt wurde, lieferte den Künstlern ihre besten Modelle. Einfachheit, Rhythmus, Klarheit und Einheitlichkeit herrschten in allen Kunstformen vor, so dass die Griechen ihre größten Erfolge in der Keramik, der Skulptur und der Architektur erzielten.

Die griechische Kunst entwickelte sich im 5. und 4. Jahrhundert v. Chr. weiter. Sie zeichnete sich dadurch aus, dass sie in ihren Werken ein größeres Gefühl für Verhältnismäßigkeit, Harmonie und Ausgewogenheit der Elemente zum Ausdruck brachte und einen authentischen Ausdruck des Humanismus widerspiegelte. Griechenland ist eine kleine Halbinsel im Südosten Europas. Aber in diesem kleinen Land entstanden die ersten Ideen, die die westliche Kultur prägten, so dass unser Wissen und unsere Denkweisen eine Folge der Philosophie, Wissenschaft und Kunst der Griechen sind.

Architektur

In der griechischen Architektur wurden weder der Bogen noch das Gewölbe verwendet. Die tragenden Elemente ihrer monumentalen Werke waren die Säulen. Die Konstruktion erfolgte mit einem Sturz. In hierarchischer Reihenfolge standen die Tempel als führende Exponenten, dann die Theater, die Akropolis, die Propyläen, die Stadien, die Sporthallen und Arenen, die Agora und die Grabdenkmäler. Aus den verschiedenen Arten und Formen von Säulen entstanden die berühmten griechischen Architekturordnungen: dorisch, ionisch und korinthisch.

Materialien

Die Griechen verwendeten bevorzugt Marmor, der sorgfältig poliert wurde, aber auch Stein wurde eingesetzt.

Skulptur

Die griechische Skulptur war nicht an Regeln oder Konventionen gebunden. Der Bildhauer hatte Meinungsfreiheit, suchte aber nach der menschlichen Vollkommenheit und verwaltete sie. So ist die Skulptur der Erhöhung der physischen Kraft, der Perfektion der Merkmale, der Bewegung und dem Ausdruck der Göttlichkeit gewidmet. Ihr zentrales Thema ist die menschliche Figur. Die griechische Skulptur wird in drei Entwicklungsphasen oder Perioden mit jeweils eigenen Merkmalen unterteilt:

Archaische Periode

Diese Zeit ist dadurch gekennzeichnet, dass der Bildhauer nach seinem eigenen Stil und seiner Technik suchte. Es entstanden weibliche und männliche Figuren, die zunächst einen hieratischen Typ aufwiesen und keine Bewegung zeigten. Später kamen jedoch Ideen der Bewegung auf, die Arme wurden vom Körper gelöst und die Gesichter drückten ein merkwürdiges Lächeln aus. Die Skulpturen wurden als Opfergaben für die Athleten angefertigt. Aus dieser Zeit stammen: Der Kouros von Anavyssos (Leichtathletik), die Frau Auxirre oder Xoana (Mädchenname gekleidet), der Kopf des Ritters Rampi usw.

Klassische Periode

Diese Zeit markiert den Höhepunkt in allen künstlerischen und literarischen Bereichen. Die Bildhauer erreichten die Perfektion ihrer Techniken und schufen die besten Skulpturen, in denen wir die Erhabenheit der menschlichen Figur beobachten können. Diese Zeit wird in zwei Perioden unterteilt: den erhabenen Stil, der durch die Bildhauer Myron, Phidias und Polyklet vertreten wird, und den schönen Stil, der durch Skopas, Praxiteles und Lisipo hervorgehoben wird. Beide Stile haben ihre Eigenheiten.

Hellenistische Periode

Diese Zeit entspricht dem Ende der griechischen Kunst. Die Werke dieser Zeit verändern die bisherigen Modelle und zeigen eine große Ausdruckskraft. Die Figur des Kindes wird zum Thema. Die Skulptur nimmt einen monumentalen Charakter an und wendet sich dem Malerischen, Grotesken, Episodischen usw. zu. Das Porträt rückt in den Vordergrund. In dieser Zeit entstehen verschiedene Schulen, zu den wichtigsten gehören: die Schule von Pergamon, Rhodos und Alexandria.

Malerei

Über die griechische Malerei ist nur sehr wenig bekannt. Es ist jedoch bekannt, dass die Maler durch Beschreibungen einiger Gemälde erstaunliche Effekte des Realismus erzielten. Aber ihre Werke sind fast alle verloren gegangen, und was übrig geblieben ist, sind Kopien und Fragmente, die keine klare Vorstellung davon vermitteln, wie die Malerei aussah. Zu den bekannten Malern gehören: Polygnot, Apollodor von Athen, Agatarco von Samos, Zeuxis und Apelles Parrasio.

Keramik

Die Keramik ist in der Kleinkunst der beste und abwechslungsreichste Ausdruck in Bezug auf Dekoration und Malerei. Diese Vielfalt zeigt eine sehr vollständige Entwicklung ihrer Kultur. Mit Stil und Technik, die durch vielfältige und originelle Art und Weise geprägt sind, beherrschten die geometrischen Elemente, die in Streifen angeordnet waren. In den Farben von Ton, von gelb bis graubraun, wurden Figuren in Rot auf Schwarz oder Rot auf schwarzem Hintergrund dargestellt, wobei tierische und menschliche Formen dominierten.

Kunst in Rom

Die römische Kunst entwickelte sich unter etruskischem und griechischem Einfluss und erreichte ihren Höhepunkt im Römischen Reich. Sie entwickelte sich in Italien ab 200 v. Chr. bis zum 4. Jahrhundert n. Chr. Einige betrachten sie als schlechter als die griechische Kunst, aber in Wirklichkeit war sie vielfältiger, flexibler und in mancher Hinsicht näher an der modernen Kunst. Ihr Einfluss auf die Kunst des Mittelalters und der Renaissance war bemerkenswert. Ihre größten Erfolge erzielte sie in der Entwicklung der Architektur, wobei Zeichnung und Malerei in ihren Dienst gestellt wurden und die Wand dominierten. Die Themen waren militärische Angelegenheiten, Erotik, Heldensagen, Landschaften, Seestücke, Stillleben und Porträts. Ab dem 1. Jahrhundert gab es zwei bildliche Trends oder Stile: den neoattischen Stil, der sich mit der menschlichen Form befasste und Probleme der Mythologie und des Epos beleuchtete, und den hellenistischen Stil - Alexandria, der die ländliche Farbe, die Kulturlandschaft und die Marine zeigte. Zu Beginn des 2. Jahrhunderts bis 79 n. Chr. (Malerei in Pompeji) gab es vier Arten: Einbettung, Alexandria oder Architektur-, Zier- und Fantasiemalerei.

Rom war ein Dorf von Bauern, Händlern und Kriegern. Die Römer zeigten mehr Interesse an praktischen Dingen und legten immer ein utilitaristisches Etikett an. Als dominierendes Volk, das ein riesiges Reich gründete, war es den Römern ein Anliegen, die Herrschaft über die kolonisierten Gebiete zu behalten. Dafür mobilisierten sie mächtige Armeen, schufen ein dichtes Gesetzbuch, das die Beziehungen zwischen der Metropole und den Provinzen regelte, und entwickelten ein gigantisches Bauwerk mit einem vielfältigen Repertoire an architektonischen Formen, die perfekt an ihren Zweck angepasst waren. Ihre beiden großen Erfolge waren das Gesetz und die Architektur, aber ihr Hauptverdienst ist es, die griechisch-römische Zivilisation über die bekannte Welt verbreitet zu haben.

Architektur

Der Zweck der römischen Architektur war utilitaristisch und wurde im Hinblick auf private und öffentliche Bedürfnisse konzipiert. Sie bekundete den Willen zur Macht und Kontrolle des römischen Staates, der als Präsident des privaten und öffentlichen Lebens seiner Bürger stand. Sie war monumental und sollte die Verherrlichung Roms und den Test der Zeit und des Gewichts bestehen. Mehr als auf Schönheit wurde auf Majestät und Robustheit geachtet, wie sie in schweren, festen Massen zum Ausdruck kam. Sie drückte das Ideal der Einheitlichkeit des Reiches aus, das für alle Völker unter seiner Herrschaft gelten sollte, um ein einheitliches Bild der Stadt zu vermitteln. Sie wechselte zwischen zwei bekannten Systemen: dem Säulen- und Sturzsystem (von den Griechen übernommen) und dem Bogen- und Gewölbesystem (von den Etruskern übernommen). Die wichtigsten Sehenswürdigkeiten sind: der Tempel, die Basilika, die Bäder, das Theater, das Amphitheater, der Zirkus usw.

Skulptur

Die römische Skulptur wechselte zwischen den entgegengesetzten Polen des Idealismus und des Realismus, wobei das Porträt fast das zentrale Thema war. Am Anfang gab es etruskischen Einfluss in einigen Bronzen, dann griechischen Einfluss durch hellenistische Bildhauer, die in Rom oder in Magna Graecia lebten, sowie durch Werke, die auf griechischem Boden entdeckt und nach Rom gebracht wurden. Der Zusammenstoß der beiden Tendenzen ist in Werken der republikanischen Zeit zu sehen.

Haupteigenschaften

Die römische Skulptur diente einem utilitaristischen Zweck und erfüllte ihre narrative, ehrenamtliche oder beschreibende Funktion. Mehr als eine Kunst war sie ein Handwerk, das religiösen Anforderungen, Ehrenämtern oder Denkmälern unterworfen war. Das Porträt erreichte seine höchste Identifikation mit dem Modell. Es war eine naturalistische Kunst. Es war ein anonymes Werk.

Malerei

Wir wissen durch die Fresken usw., die in der Stadt Pompeji gefunden wurden, dass die römische Malerei in der Regel Kopien oder Launen griechischer dekorativer Anmut waren, wie Putten, Vögel, Bänder und Blumen. Die Themen waren historische, mythologische Landschaften und Seefahrer. Auch zu bestimmten Zeiten gab es eine architektonische Malerei, die Bauelemente imitierte. Das Interessante an der römischen Malerei ist die Technik der Sonderfarben in Tempera, die mit losen Pinselstrichen ohne Details auf impressionistische und spielerische Weise von Licht und Schatten berührt wurden. Auch in der realistischen Malerei dominierte der Geschmack, so dass die Lieblingsthemen Porträts, Karikaturen und Landschaften waren.

Romanik

Zwischen dem 11. und 13. Jahrhundert, also während der Periode des späten Mittelalters in Europa, entwickelte sich eine Kunstform, die den Namen Romanik erhielt. Dieser Name bezieht sich auf die Quelle, aus der sie ihren Ursprung hat, nämlich die Kunst Roms, die römische Kunst, die Arten von Gebäuden und Bautechniken. Dieser Stil oder die romanische Kunst wurde aufgrund der Ähnlichkeit mit dem Wort Romantik, das die Sprachen aus dem Lateinischen bezeichnet, so genannt.

Architektur

Die romanische Architektur war eine religiöse Architektur, insbesondere Klostergebäude, da es die Klöster waren, die sie vorantrieben. Ihr Stil war die Kirche. Sie drückte das Ideal der Strenge und Hingabe, der Disziplin und der Buße aus. Aus technischer Sicht gehört sie zur Bogen- und Kuppelarchitektur, da dies ihre grundlegenden Funktionselemente sind. Sie wirkt stabil und schwer. Das Prinzip des statischen Auftriebs ist, dass sie sich gegen die Masse des Gewichts stemmt. Die Außenansicht ist nüchtern, mit kahlen und schlichten Wänden, die nur durch verstärkende Elemente unterbrochen werden, die in der Struktur verankert sind. Weitere Bauelemente sind: Widerlager, Pfeiler, Säulen und Kuppeln.

Skulptur

Die romanische Skulptur war der Architektur untergeordnet, die die Orte und Räume bestimmte, die mit Reliefs und Statuen bedeckt wurden. Ihr Zweck war nicht didaktisch, sondern künstlerisch: den Gläubigen die heiligen Wahrheiten und Fakten für den Religionsunterricht zu vermitteln. Stilisierung und Übertreibung: Die Figuren halten nicht die natürlichen Proportionen ein. Es fehlt auch die richtige Perspektive oder die Liste der Größen, die aufgrund der unterschiedlichen Tiefen, in denen sich die Figuren befinden, entstehen. In den Reliefs zeigt die Differenz in der Größe die Bedeutung der Figuren. Symmetrische Komposition: Die Szenen sind symmetrisch angeordnet. In den Tympana dreht sich die Komposition immer um die Gestalt Christi.

Malerei

Die Malerei erlebte in der Romanik eine bemerkenswerte Entwicklung, da die Weiten der flachen Wände für die Bilder geeignet waren. So war auch die Malerei eine der Bauweise untergeordnete Kunst. Der Mangel an Perspektive, die flachen Farben, die symmetrische Komposition, die Starrheit der Figuren und die Leere der Gesichter, die immer einen erstaunten Blick zeigen, deuten auf einen gewissen östlichen Einfluss durch die Kunst von Byzanz hin. Die verwendete Technik ist die der Freskomalerei. Bemerkenswerte Beispiele sind die katalanischen romanischen Kirchen mit leuchtenden Farben und abstrakten Mustern von symbolischer Bedeutung und die italienischen Kirchen, in denen religiöse Szenen gemalt wurden und ein gewisses Engagement für die naturgetreue Wiedergabe der Natur gezeigt wurde.