Geschichte der Skulptur: Renaissance, Barock & Klassizismus

Die Skulptur der Renaissance

Die Renaissance fand im Geist der Antike Modelle, die zu ihren Bedürfnissen passten, da sie sich auf gemeinsame Ideale bezogen: die Würde des Menschen und die Vorstellung, dass der Mensch das Zentrum des Universums ist und alles nach seinem Maß getan werden muss. Sie pries die Werte von Mut, den Bereich der Gefühle, das Gleichgewicht und den Aufbau starker Persönlichkeiten gegenüber der Demut und den Opfern des Mittelalters.

Quattrocento (15. Jahrhundert)

Die italienische Skulptur dieser Zeit besteht vorwiegend aus Marmor oder Bronze. Es besteht ein großes Interesse an der Natur bei der Wiedergabe von Formen, die eine enge Annäherung an die klassische Sprache suchen. Es erfolgt eine Wiederentdeckung des Aktes sowie eine Sorge um Anatomie und Haltung. Wichtig ist zudem die Entwicklung des Reliefs mit einem sehr malerischen Konzept und dem Interesse daran, Raum und Atmosphäre darzustellen.

Cinquecento (16. Jahrhundert)

In dieser Phase gibt es eine bessere Beherrschung der klassischen Sprache und eine weitere Konsolidierung der Renaissance durch die Fortschritte des Quattrocento. Ausdrucksformen werden präziser und sorgfältiger getestet, ohne dabei die Gefühle zu verlieren. Die Harmonie der Skulpturformen gewinnt an Aussagekraft. Es herrscht ein größeres Gefühl für das Monumentale und Zeitlose.

In der Skulptur zeigt sich die Renaissance in zwei verschiedenen Wegen: spanische Künstler, die nach Italien reisten und die klassische Skulptur studierten, sowie italienische Bildhauer, die kamen, um den neuen Geschmack zu befriedigen.

Der Neoklassizismus

Die neoklassische Skulptur bedeutet die Rückkehr zur Antike in Bezug auf Themen und Stil. Aufgrund des Wunsches, die Ruhe des Ausdrucks zu bewahren, und der weit verbreiteten Verwendung von Marmor und Bronze ist die klassizistische Skulptur überall einheitlich und stellt einen internationalen Stil dar, der Bestand hat.

• Antonio Canova: Er begann seine Karriere bei barocken Meistern und verbrachte bis zu 22 Jahre in Rom, wo er seinen Stil unter dem Einfluss von Mengs und Winckelmann in Komposition und Form verfeinerte. Er nähert sich klassischen Themen in seinen Figuren und Szenen mit großer Eleganz an und widmete sich auch Porträts für Napoleon und den Papst.
• Bertel Thorvaldsen: In Kopenhagen geboren, reiste er ebenfalls nach Rom und wurde mit der klassischen Welt vertraut, die er jedoch kälter und steifer als Canova interpretierte. Er hegte eine Vorliebe für mythologische Themen, aber auch für die Geschichte, wie die Porträts von Kopernikus und das erstaunliche Apostolat in der Frauenkirche (Frue Kirke) in Kopenhagen zeigen.

Der Barock

Im 16. Jahrhundert gibt es in der Bewegung des Manierismus einen Trend hin zur Ablehnung und Korrektur von Proportionen für eine größere Ausdruckskraft.

Zusammensetzung, Verfahren und Plastik

• Die Figuren sind immer bewegt, weisen Drehungen auf und sind in ihren Positionen forciert.
• Die Kompositionen basieren auf Diagonalen und meiden die Vertikale sowie Horizontale.
• Das Interesse an den Figuren aus verschiedenen Blickwinkeln wird gefördert.

Materialien und Themen

Materialien: In Italien wird weiterhin hauptsächlich Marmor und Bronze verwendet, während in Spanien religiöse Bilder in mehrfarbigem Holz (Polychromie) entstehen.

Themen: Auch wenn mythologische oder religiöse Themen bleiben, ist die Absicht, dass die Figuren durch den extremen Ausdruck von Gefühlen nahbar wirken.

Modelle der Barockkunst

Die Modelle werden aus der unmittelbaren Umgebung genommen. Es wird nicht versucht, eine ideale Schönheit zu schaffen, sondern die Authentizität des Gefühls auszudrücken.