Die himmlische Vision: Eine Analyse der Heiligen Gespräche von Correggio, Carracci, Raffael und Tizian

Die himmlische Vision: Eine Analyse der Heiligen Gespräche

Correggio, Allegorie der Tugend (1532-1534)

Ein helles Licht, ähnlich silbrigem Gewebe, umgibt Verona. Sie trägt orangefarbene Gewänder, die an die der Apostel erinnern. Im Vordergrund kniet eine gelb-silbrig-grau-blaue Gestalt. Starke Verkürzungen erzeugen Tiefe. Diagonale Linien führen zur Jungfrau.

Correggio, Erscheinung der Jungfrau (1532-1534)

Das Grab wird durch die sitzende Figur ersetzt. Eine Verbindung zwischen der Herrlichkeit und der unteren Ebene wird durch Correggios Darstellung der Gloria geschaffen.

Annibale Carracci, Erscheinung der Jungfrau zu San Lucas und Santa Catalina (1592)

Lucas, begleitet von den vier Evangelisten, erscheint mit Santa Catalina unter der Herrlichkeit der Jungfrau. Das große Gemälde ist signiert und datiert. 1589 von der Notariatsvereinigung für die Kathedrale von Reggio Emilia in Auftrag gegeben. Bellori erwähnt die dunkle Farbgebung, die durch das goldene Licht im oberen Bereich verursacht wird, ähnlich wie bei Correggio. Die Verwendung von Rot verstärkt die Dunkelheit in den unteren Bereichen. Das helle, kalte Licht in der Mitte der Landschaft kontrastiert mit dem Rest des Bildes. Heilige Gespräche: Jungfrau, Kind und Heilige. Die drei Figuren sind in Bewegung, mit starken Verkürzungen, die eine innere Bewegung erzeugen, verstärkt durch Gesten und Blicke. Diese für den Barock typische Bewegung zieht den Betrachter in das Bild hinein. Der Blick der Heiligen nach unten lenkt den Blick auf die Jungfrau, die ihre Arme zum Apostel öffnet. Die Bewegung im Bild ist sowohl äußerlich als auch innerlich. Lucas ist eine kräftige Figur in seinem Gewand, Santa Catalina hat ein zartes Gesicht (ähnlich Barocci) und die Jungfrau befindet sich in einem anstrengenden Kontraposto. Der Stoff und die offene Bewegung ihres Körpers verstärken diesen Eindruck. Das Licht variiert je nach Bereich: In den Roben der männlichen Figuren sehen wir das Licht, weil der Stoff am Körper anliegt, ohne Falten (bei Falten gibt es Einblicke). Lucas' Gewand mit Silbertönen, das Rot der Jungfrau Maria und Santa Catalinas Ärmel heben die drei Figuren hervor. Die Figuren sind sehr detailliert gezeichnet.

Raffael, Die Madonna von Foligno (1512)

Raffaels Manierismus zeigt sich in den Brüchen des gleichseitigen Dreiecks in der Jungfrau. In Rom angekommen, verstärkt sich der Manierismus, und seine Jungfrau zeigt Instabilität. Das Kind (manieristisch) bewegt sich auf und ab, ähnlich wie bei Michelangelo (muskulöse Beine). Die Instabilität ist zentral. Die Jungfrau und das Kind bilden die Achse, die Schutzheiligen flankieren den Spender. Absolute Symmetrie. Der Hintergrund ist ein Vorhang, das Licht erinnert an Mondlicht. Die Engel sind leer, die Figuren scharf gezeichnet. Gleichzeitig sind sie römisch geprägt, mit einem Mangel an Klangfarben, dunkle Flächen neben beleuchteten Bereichen. Einige Figuren verbinden sich mit anderen, aber immer nach unten gerichtet.

Tizian, Madonna in der Glorie mit den Heiligen Franziskus und Alvise und Spender (1520)

Die Instabilität wird deutlicher. Die Jungfrau wirkt menschlicher. Sie sitzt auf einer Wolke, die sich in eine Richtung bewegt. Spontanere Bewegung. Extreme Kontraste zwischen Licht und Schatten, leichte Goldtöne werden intensiver.

Annibale Carracci, Christus in der Glorie und Heilige (1597-1598)

Die Arbeit steht im Zusammenhang mit Odoardo Farnese, dem Kardinal und Bruder von Ranuccio Farnese, beide Söhne von Alessandro Farnese. Odoardo wurde 1591 zum Kardinal ernannt und ließ sich im Palazzo Farnese nieder. Der Palast war unvollendet, aber die Dekoration begann. Er beauftragte die Carracci, die zuvor in Parma gearbeitet hatten. Die Figur des Spenders ist Teil des Heiligen Gesprächs. Er trägt den roten Kardinalshut und wird von den Heiligen Edward und Hermenegildo beschützt. Hinter ihm steht Santa Catalina. Die Komposition ähnelt den vorherigen Werken. Die Figuren im Vordergrund sind monumental, gut gezeichnet und chromatisch abgestimmt. Die Farben sind typisch für Rom, mit einigen Weißtönen. Der Hintergrund erinnert an Correggios Sonnenuntergänge. Der Fluchtpunkt der Komposition markiert die geometrische Komposition der Renaissance. Das Spiel mit Licht und Schatten lenkt den Blick auf die zentralen Figuren. Die Größenverhältnisse der Figuren ändern sich mit der Entfernung. Die Figur Jesu ist instabil, mit einem Bein kürzer als das andere, ähnlich wie die Heiligen Petrus und Johannes der Täufer.

Mythologische Malvorlage

Der Stil ist unbestimmt. Jahre später, 1590, entstanden die Fresken im Palazzo Magnani in Bologna, die Geschichten von Romulus und Remus darstellen. Der Aufenthalt in Venedig dauerte von 1987 bis 1988.