Ikonische Meisterwerke der Kunstgeschichte: Analyse und Kontext

Die Drei Grazien von Antonio Canova

Die Skulptur „Die drei Grazien“ ist das Werk des italienischen Bildhauers Antonio Canova. Obwohl Canova aufgrund des geringen Einkommens seiner Familie kein Kunststudium absolvieren konnte, erlangte er nach seinem Umzug nach Venedig großes Ansehen und Reputation in der Kunstwelt. „Die drei Grazien“ ist eines der bekanntesten Werke dieses italienischen Bildhauers. Diese Figuren verkörpern und repräsentieren den weiblichen Akt auf perfekte Weise, wobei Canova seine künstlerischen Fähigkeiten unter Beweis stellt. Die Darstellung der drei Grazien geht über die reine Abbildung hinaus, da der Bildhauer die Grazien in eine mythologische, innere Welt versetzt.

In der griechischen Mythologie waren die Grazien Göttinnen der Schönheit und der Fruchtbarkeit. In der mythologischen Welt sind drei Grazien am bekanntesten: Aglaia, Euphrosyne und Thalia. Nach Einschätzung von Experten waren die Grazien auch mit der Unterwelt und den Mysterien von Eleusis verbunden.

Analyse der Skulptur

Antonio Canovas „Drei Grazien“ ist aus Marmor gefertigt, einem Material, das seine gesamte Bildhauerkarriere prägte. Die Skulptur zeichnet sich durch perfekte Verarbeitung und Politur aus. Canova nutzte dieses Material, um die ideale Schönheit der Grazien auf einfache, aber sehr klare Weise zu verkörpern, ganz im Einklang mit dem künstlerischen Geschmack der Zeit. Die drei Grazien sind dargestellt, wie sie auf einem Fuß ruhen und sich sanft aneinander festhalten. Die exquisite Farbe des Marmors lässt das Licht die skulpturale Form, Leichtigkeit und Eleganz hervorheben, die Canovas Werke auszeichnen. In diesem Stil sind zwei weitere bekannte Kreationen entstanden: das Porträt von Napoleons Schwester, Pauline Borghese, als Venus auf einer Couch, und die Gruppe „Theseus und der Minotaurus“.

„Der Schwur der Horatier“ von Jacques-Louis David

Analyse der Komposition

Die Komposition ist ausgewogen und symmetrisch, wobei die Figuren gleichmäßig in zwei Gruppen aufgeteilt sind: Links sind die Horatier, rechts die Frauen. Typisch für die neoklassizistische Malerei sind klare Kompositionen. Hier sind die Figuren parallel zur Bildebene angeordnet, in Korrespondenz mit der Architektur. Die Figuren sind in zwei Gruppen unterteilt: die Männer links, die den heroischen Akt des Schwurs bis zum Tod symbolisieren, und die Frauen rechts, die das Gefühl repräsentieren. Die Komposition ist geordnet, ähnlich römischen Reliefs.

Die klassizistische Malerei zeichnet sich durch klare Zeichnung aus, bei der die Konturen der Figuren präzise sind und die Zeichnung überwiegt. Diese Dominanz macht die Zeichnung präziser. Diese Formen wurden bereits von den Künstlern der Renaissance und der klassischen Welt verwendet, wobei die Figuren klar und nicht übermäßig verfeinert dargestellt sind.

Licht und Farbe

Das Licht ist kalt und natürlich, es dient der Zeichnung und Form und hebt diese hervor. Dies ist von Caravaggio beeinflusst. Das Licht kommt von der linken Seite des Bildes und verleiht dem Werk eine Theatralik, indem es die Körper voluminös erscheinen lässt und sich auf das Wesentliche konzentriert.

Die Farbgebung ist kühl und rational. Nur die roten Gewänder vermitteln ein wärmeres, emotionaleres Gefühl. Die Farben sind rein und nicht gemischt. Die Raumgestaltung basiert auf der klassischen Perspektive, wobei ein Fluchtpunkt in den Händen des Vaters liegt, der die Schwerter hält. Einen weiteren Fluchtpunkt finden wir bei den Köpfen der Frauen.

Ausdruck und Naturalismus

Die meisten Ausdrücke sind angespannt, die Muskeln sind straff, was durch das Ritual des Schwurs mit den Schwertern betont wird. Dies kontrastiert mit der passiven, trauernden Haltung der Schwestern. Um diese Spannung zu akzentuieren, dient die Figur mit dem dunklen Mantel und den Kindern. Es herrscht ein großer Naturalismus, die Anatomie ist detailliert studiert. Das Licht und seine Wirkung auf die Körper verleihen ihnen ein Gefühl von Volumen. Dies führt David natürlich dazu, die Proportionen genau zu prüfen.

Goyas Epochen und „Die Erschießungen des 3. Mai“

Goyas Schaffensphasen

Dieses Werk gehört zur zweiten von drei Phasen, in die Goyas Schaffen unterteilt werden kann:

1. Erste Phase (1760-1792): Die glückliche und fröhliche Malerei

   Diese Phase ist von glücklicher und fröhlicher Malerei geprägt. Dies spiegelt sich in den königlichen Gemälden wider, die er als Kartons für Wandteppiche anfertigte. Diese Phase ist durch neoklassizistische Kompositionen gekennzeichnet: Figuren sind geometrisch gruppiert. Beliebte Themen waren vertreten.

2. Zweite Phase (1792-1808): Die erste Krise und Porträts

   Diese Etappe markiert Goyas erste Krise. Dies ist die Phase der Porträts, zu der auch das vorliegende Werk gehört, sowie die Serie Los Caprichos, in der Goya menschliche Schwächen persifliert, die in der Gesellschaft weit verbreitet sind: Habgier, Eitelkeit usw. Diese Satire beginnt, indem sie allgemeine Probleme aufgreift. Alle Platten führen einen Titel. Zu dieser Zeit schuf Goya die bedeutendsten Porträts des Adels.

3. Dritte Phase (1808-1828): Die zweite Krise und Kriegsfolgen

   Diese Etappe markiert Goyas zweite Krise und dauert bis zu seinem Tod (1828). Es ist die Zeit, in der er die Folgen der napoleonischen Invasion (des Unabhängigkeitskrieges) erlebt. Goya erlebt eine Zeit der Bitterkeit, deren Ergebnis eine Reihe von Stichen ist, die er Die Schrecken des Krieges nannte. Der Protagonist dieser Stiche ist das Volk, das durch den Krieg erniedrigt wird. In diesen Bildern stellt er die Grausamkeit, den Hunger, die Ungerechtigkeit und die Irrationalität des Krieges dar. Dieses Thema spiegelt sich auch in zwei Gemälden wider, die er 1814 schuf: Die Erschießungen des 2. Mai und Die Erschießungen des 3. Mai.

   Zwei Jahre später, im Alter von 70 Jahren und nach der tragischen Kriegsphase, entwickelte er eine Reihe von Radierungen (Schwarz-Weiß), die Stierkampfszenen zeigen. Um 1820 lebte er in einem Haus am Ufer des Manzanares und malte die berühmten Schwarzen Gemälde (La Quinta del Sordo), in denen Szenen von Hexerei, wie der Hexensabbat, das Fest des San Isidro, oder Gott Saturn, der seine Kinder verschlingt, hervorstechen.

   Aus historischer Sicht lebte Goya von 1746 bis 1828. Diese Zeit entspricht der Regierungszeit von Karl III. und Karl IV. Es waren Jahre, in denen versucht wurde, die Aufklärung durch Reformen einzuführen. Goya erlebte den Erfolg Karls III. mit einigen dieser Reformversuche, aber sein Nachfolger, Karl IV., hielt diese Reformbemühungen zurück, da es zu einem Konflikt zwischen einer aufgeklärten Reformminderheit und einer konservativen Mehrheit kam, die den bestehenden Status quo beibehalten wollte. In dieser Atmosphäre der Verwirrung und sozialer Konflikte schuf Goya unter anderem die Los Caprichos und „Die Erschießungen des 3. Mai“.

Analyse von „Die Erschießungen des 3. Mai“

Das Gemälde ist auf Leinwand mit der Öltechnik ausgeführt. Die Komposition ist in zwei Hauptteile unterteilt:

• Der erste, links, besteht aus einer Gruppe von etwa einem Dutzend Zivilisten in verschiedenen Posen; einige bedecken ihr Gesicht, andere liegen bereits tot auf dem Boden, wieder andere beten, einer erscheint mit offenen Armen.
• Der rechte Teil bildet eine Gruppe von sechs Soldaten, die ihre Waffen auf die Gruppe der Zivilisten vor ihnen richten.

Auf der Seite der Zivilistengruppe, im Hintergrund, befindet sich der Berg Príncipe Pío. Im Hintergrund sehen wir die Architektur der Stadt Madrid und die schwarze Nacht, in der die Handlung stattfindet und die den Rest der Komposition umhüllt.

Goya verwendet in diesem Bild hauptsächlich eine dunkle Palette, dominiert von der Farbe Schwarz, der Farbe des Todes schlechthin, mit einer deutlichen Beimischung von Grüntönen. Weitere Farben sind Ocker und Braun. Nicht zu vergessen ist das weiße Hemd des Mannes mit den offenen Armen, das einen starken Kontrast zum Rest der meist dunklen Palette bildet. Man könnte sagen, diese Komposition ist ein „Farb-Crescendo“ vom Weiß des Zivilistenhemdes bis zur schwarzen Kleidung der Soldaten.

Kommentar zum Gemälde

Dies ist ein Gemälde des aragonesischen Malers Francisco Goya, betitelt „Die Erschießungen des 3. Mai 1808“ oder „Die Erschießungen auf dem Príncipe Pío“. Es entstand 1814. Niemand weiß genau, zu welchem Zweck es entworfen wurde, aber alles deutet darauf hin, dass es für eine temporäre Installation gedacht war. Es wurde Anfang des 19. Jahrhunderts in das Prado-Museum aufgenommen (wo es sich derzeit befindet), aber erst 1868 ausgestellt, wie ein damaliger Katalog belegt.

Das im Bild dargestellte Ereignis ereignete sich 1808. Napoleon eroberte Spanien, und die königliche Familie musste seinen Befehlen folgen. Am 2. Mai 1808 wollten einige Madrilenen den Abzug des Prinzen Francisco de Paula verhindern, der von Frankreich organisiert wurde. Die Situation eskalierte, und die französischen Truppen eröffneten das Feuer in Madrid, was als der Aufstand vom 2. Mai bekannt wurde. Der Ausbruch des Unabhängigkeitskrieges im Mai 1808 stellte Goya vor ernste innere Konflikte: Seine liberale Ideologie zog ihn zu den Franzosen und Joseph I., während seine Vaterlandsliebe ihn zu denen zog, die gegen die Franzosen kämpften. Auf der Leinwand sehen Sie eine patriotische Sicht der Ereignisse vom 3. Mai 1808 in Madrid. Die Ereignisse wurden Jahre später gemalt, und es ist nicht bekannt, ob Goya Zeuge der Ereignisse war. Was wir wissen, ist, dass Goyas Darstellung im Bild den Sinn eines fotografischen Chronisten widerspiegelt. Mit seinem Pinsel hielt er das Wesen der Episode fest und drückte seinen Widerspruch gegen die Fakten aus, indem er den Krieg mit all seiner Gewalt und Grausamkeit darstellte, um eine Lektion gegen die menschliche Irrationalität zu erteilen, wie es seinem aufgeklärten Geist entsprach.

Die Ausführung ist sehr gewalttätig, mit schnellen und dicken Pinselstrichen und großen Farbflecken, als ob die Gewalt die Eindringlinge selbst erfasst hätte.

Der Eiffelturm: Symbol der Moderne

Architektonische Analyse

Der Eiffelturm ist 300 Meter hoch. Er erhebt sich auf vier riesigen Füßen, die durch gewölbte Strukturen verbunden sind, die an die Eisenbrücken erinnern, die Eiffels Spezialität waren. In den Bögen der Verbindung ist eine klare dekorative Absicht mit geflochtenen Verzierungen erkennbar. Der Turm entwickelt eine große Vertikalität, und von der ersten Plattform an verjüngt sich der Weg zu einer ausgeprägten Pyramide, die das Gefühl der Vertikalität akzentuiert. Es ist eine offene Struktur, die die ästhetische Funktion des Turms hervorhebt, da sie sich vollständig in den Himmel erhebt, nicht nur die Silhouette, sondern auch das innere Volumen, und ein Gefühl von Leichtigkeit vermittelt, das nicht seinem tatsächlichen Gewicht entspricht.

Der Turm ist ein Bauwerk ohne andere Funktion, als die Elemente seiner eigenen Struktur sichtbar zu machen. Er wird zu einem Symbol der Moderne, das sich über traditionelle Symbole wie die Türme von Notre Dame oder die Kuppel des Invalidendoms erhebt. Es ist ein Denkmal ohne Inhalt: Es feiert keinen Sieg oder ein Ereignis der Vergangenheit, sondern den Erfolg der Gegenwart und Zukunft. Dekorative Elemente spielen eine untergeordnete Rolle; stattdessen dominieren rein konstruktive Elemente: Strukturen aus ineinandergreifenden Eisenteilen, die Berechnung von Metallausdehnungen und Spannungen usw.

Historischer Kontext und Bedeutung

Für den Bau dieses architektonischen Werkes war Gustave Eiffel verantwortlich. Es ist ein symbolisches Denkmal, das den Triumph der Ingenieurskunst in der Moderne repräsentiert. Es entstand in Paris in den Jahren 1887-1889 für die Weltausstellung von 1889, die die Hundertjahrfeier der Französischen Revolution feierte, und nutzte dabei neue Materialien. Es gehört zur Eisenarchitektur.

Der Kernpunkt ist, dass es bedeutende technische Lösungen für neue Bauprobleme (Brücken, Fabriken usw.) lieferte, basierend auf dem Einsatz innovativer Materialien, die den Entwicklern der industriellen Revolution zur Verfügung standen. Die Chicago School im späten 19. Jahrhundert weihte die neuen Materialien und Techniken ein und leitete die moderne Bewegung in der Architektur ein. Die Verwendung von Eisen als zentrales Element in Bauwerken begann beim Bau von Brücken und Bahnhöfen. Doch bald entdeckte man ein großes Potenzial für jede Art von Konstruktion. Es waren Ingenieure, deren Geist utilitaristisch geschult war, die neue Materialien verwendeten und dennoch Formen schufen, während traditionelle Architekten sich nur mit der Schönheit befassten.

Der große Triumph der Architektur aus Eisen und Glas wurde mit den Weltausstellungen gefeiert, großen Schauen, die geschaffen wurden, um die Errungenschaften von Industrie, Handel und Kunst zu präsentieren. Die erste dieser Ausstellungen fand 1851 in London statt, für die der Architekt Joseph Paxton den Crystal Palace entwarf. Für die Weltausstellung von Paris 1889 wurden zwei wichtige Gebäude geschaffen: die Galerie des Machines von Contamin und Dutert und der Eiffelturm.

Die Casa Milà von Antoni Gaudí

Architektonische Analyse

Bautyp: Wohnarchitektur. Materialien: Es wurden Stein und Ziegel verwendet, die bemalt sind, sowie neue Materialien wie Eisen und Glas. Der Steinschnitt zeigt eine körnige Textur, die fast eine geologische Konsistenz verleiht. Die Kombination von Steinblöcken mit vagen organischen Formen und Balkonen schafft eine sehr starke Ausdruckskraft, die einige Autoren (Oriol Bohigas) als Vorläufer des Expressionismus in der Architektur sehen. Gaudí verwendete Steinskulpturen mit der gleichen Ausdrucksabsicht wie Eisen.

Die Verteilung der Wohnfläche ist völlig frei und fantasievoll gestaltet, wobei das unregelmäßig geformte Gebäude um zwei ungleichmäßige Höfe organisiert ist, die für Gaudí zu verbindlichen Innenfassaden wurden. Die Höfe sind groß und waren ursprünglich mit Fresken geschmückt. Er hat mit dem traditionellen Konzept der Symmetrie in der Grundrissgestaltung gebrochen. Dieses eigenwillige Spiel in der Grundrissgestaltung wird durch eine für seine Zeit sehr mutige und fortschrittliche Konstruktion ermöglicht: den Ersatz von tragenden Wänden durch Eisenkonstruktionen, die das gesamte Gewicht auf bestimmte Punkte konzentrieren können, und die Verwendung von Kurven in der Grundrissgestaltung, die ein Gefühl von Bewegung vermitteln, das sich auf alle Etagen und das gesamte Gebäude überträgt. Die Grundrissformen sind durch Kurven definiert, es ist ein bewegter Boden. Gaudís ursprünglicher Entwurf sah im Grundriss eine Rampe von der Garage vor, damit Fahrzeuge bis in die oberen Etagen fahren konnten. Der große Platzbedarf des Projekts zwang ihn, die Rampe zu streichen.

Gaudís Werk und Stilphasen

Antoni Gaudí wurde in Reus in einer Familie von Schmieden geboren. Seit seiner Kindheit lernte er das Handwerk der Schmiedearbeiten. Er absolvierte seine Ausbildung zum Architekten in Barcelona, wo er die meisten seiner Werke ausführte. Dabei lassen sich verschiedene Phasen unterscheiden:

1. Phase des französischen Eklektizismus

   Dazu gehört der Kaskadenbrunnen im Parc de la Ciutadella in Barcelona.

2. Maurische oder orientalische Phase

   Es werden islamische oder orientalische Strukturen mit naturalistischer Dekoration entdeckt. Es ist die Verwendung von orientalischen Elementen (Fliesen, Jalousien, Farben), die dazu dienen, geheimnisvolle Umgebungen zu schaffen. Zu dieser Zeit gehören das Casa Vicens in Barcelona und der Palau Güell (Calle Conde del Asalto).

3. Gotische Phase

   Es scheint der Kult der mittelalterlichen Architektur, insbesondere der Gotik, auf. In dieser Phase entstanden der Bischofspalast von Astorga, das Casa Botines in León und die Casa Calvet (Caspe Straße Nr. 52).

4. Phase der Reife

   Die vollständige Umsetzung des Modernisme. Zu dieser Zeit gehören der Park Güell, die Casa Batlló und die Casa Milà oder La Pedrera.

Bauzeit: 1906-1910.
Ort: Gelegen am Passeig de Gràcia Nr. 92 und an der Ecke zur Carrer de Provença im Eixample-Viertel.

Stil: Der Modernisme in Katalonien war eine Kunstrichtung, die um 1890 in Europa begann, ihren Höhepunkt im späten 19. Jahrhundert erreichte und in Europa mehr oder weniger um 1905 endete. In Spanien dauerte er bis etwa 1914. In Brüssel geboren, verbreitete er sich schnell über Frankreich (Art Nouveau), England (Modern Style), Deutschland (Jugendstil), gefolgt von Österreich (Sezession), Italien (Stile Liberty) und Spanien (Modernisme).

„Guernica“ von Pablo Picasso: Ein Antikriegsmanifest

Analyse der Komposition

Das Bild ist in Schwarz, Weiß und verschiedenen Grau- und Blautönen gehalten. Es ist möglich, dass Picassos Farbwahl darauf zurückzuführen ist, dass er die Bombardierung der baskischen Stadt Guernica (1937) durch deutsche Flugzeuge in den Zeitungen wahrnahm. Eine andere Erklärung ist, dass der Maler aus Málaga seine Trauer, Angst und Empörung über diesen Angriff zum Ausdruck bringen wollte. Um dieses Werk von gewaltigen Dimensionen (349 x 776 cm) zu schaffen, nutzte er den Kubismus, um eine qualvolle Darstellung zu ermöglichen. Die verschiedenen Figuren im Bild haben weit geöffnete Münder, hervorquellende Augen und deformierte Körper.

Guernica ist ein Gemälde, das aus acht Figuren besteht, die verschiedene Veränderungen durchliefen. Man könnte sagen, dass, obwohl die Komponenten von Picassos Guernica wie eine unordentliche Leinwand aussehen, er die Anordnung und Form der verschiedenen Elemente sorgfältig studierte. Vor Beginn des endgültigen Gemäldes gab es verschiedene Studien zu dem, was heute das Guernica ist, das wir kennen.

Das Gemälde besteht aus einer zentralen Pyramide, die von der Glühbirne gekrönt wird, die anstelle einer Kerze von einer Frau aus einem Fenster gehalten wird, sowie dem Kopf des Pferdes. Diese Pyramide enthält den Körper des Pferdes, die halbnackte Frau auf der rechten Seite und den verstümmelten Körper des Kriegers auf der linken Seite. An den Seiten der Pyramide finden wir eine Frau mit erhobenen Armen und den Kopf der Frau, die rechts die Kerze hält. Auf der linken Seite finden wir den Stier, aufrecht und unbeweglich angesichts der Situation (ein spanisches Symbol), eine Frau, die den Leichnam ihres Sohnes umarmt, und einen Vogel.

Symbolik und Historischer Kontext

Picasso nutzte verschiedene Skizzen für die endgültige Version von Guernica. Diese Skizzen haben ihren Ursprung in den Radierungen Traum und Lüge Francos, wo zwei Platten in neun komische Kugeln unterteilt sind, die das Franco-Regime verspotten und kritisieren. Es wird gesagt, dass Guernica die dreizehnte Kugel dieser Serie wäre. In den verschiedenen Entwürfen von Guernica ist immer auch die Verwendung des kubistischen Stils erkennbar, der auch von den Surrealisten geschätzt wurde, wobei eine Figur verschiedene, multiple Bilder zeigt.

Während der Zwischenkriegszeit verwendete Picasso den Kubismus weiterhin sowohl in der Malerei als auch in Collagen und Skulpturen. Der Bürgerkrieg markierte eine neue Etappe in seinem Leben und Werk. Picasso unterstützte die Sache der Republik und akzeptierte die Leitung des Prado-Museums. Das Guernica gehört zu Picassos reifem Werk und ist eines der wichtigsten Kunstwerke des gesamten 20. Jahrhunderts. Es wurde gemalt, nachdem der baskische Maler von den Auswirkungen der Bombardierung der Stadt am 26. April 1937 betroffen war, einer damals weitgehend ländlichen Stadt, die hauptsächlich von Frauen, Kindern und älteren Menschen bewohnt wurde, da die Männer im Krieg waren. Die tiefe Erschütterung, die diese Tatsache bei Picasso hinterließ, führte zu Guernica, das im selben Jahr im spanischen Pavillon der Pariser Weltausstellung ausgestellt wurde.

In Guernica finden sich verschiedene Symbole: Ein starker, aufrechter und unbewegter Stier symbolisiert das spanische Volk oder die Brutalität des Krieges. Gleichzeitig symbolisiert das Pferd in der Mitte des Bildes die Weiblichkeit Spaniens, und der Vogel, der über dem Stier und den Pferden fliegt, repräsentiert den Wunsch nach Frieden und Freiheit. Die anderen Charaktere repräsentieren Qual, Verzweiflung und Traurigkeit, was sich in deformierten Körpern, weit geöffneten Mündern und Augen widerspiegelt.

Rolle: Das Guernica war ein Schrei gegen die Franco-Ideologie und -Politik und wurde im selben Jahr des Angriffs auf die baskische Stadt vorgestellt. Doch aufgrund des Franco-Regimes konnte es fünfzig Jahre lang nicht nach Spanien zurückgebracht werden.

„Traum, verursacht durch den Flug einer Biene...“ von Dalí

Analyse des surrealistischen Gemäldes

Gala, die Ehefrau und Muse von Salvador Dalí, schläft auf einem Felsen in einer Seenlandschaft, wo Ruhe herrscht. Unter ihrem nackten Körper schweben auch zwei Wassertropfen und ein Granatapfel, um den eine Biene schwebt. Das Summen der Biene provoziert Galas Traum, der sich oben materialisiert durch eine weitere Granatenexplosion, die einen Fisch freisetzt, aus dem wiederum zwei böse Tiger und ein Bajonett hervorkommen; dieser Arm wird Gala eine Sekunde später stechen. Es ist das Gewehr, das eine Sekunde später Galas friedliche Ruhe stören wird.

Obwohl Dalí 1944 in den USA lebte und dort malte, wendet dieses Werk seine „paranoid-kritische Methode“ an, die Freuds Theorien über die vielfältigen Bedeutungen von Bildern unterstützte und ihn zu einem der führenden Mitglieder der surrealistischen Gruppe machte. In diesen „handgemalten Traumfotografien“, wie Dalí seine Gemälde oft nannte, erscheint eine Seenlandschaft mit fernen Horizonten und ruhigem Wasser, vielleicht Port Lligat, in der Gala wieder einmal die Hauptrolle spielt. Zusammen mit ihrem nackten, schlafenden Körper, der auf einem flachen Felsen schwebt, der wiederum auf dem Meer schwimmt, platziert Dalí zwei schwebende Wassertropfen und einen Granatapfel, ein christliches Symbol für Fruchtbarkeit und Auferstehung. Darüber fliegt eine Biene, ein Insekt, das traditionell die Jungfrau symbolisiert. Das Summen der Biene versetzt Galas Geist in einen Traum, in dem der Granatapfel oben bedrohlich einen riesigen Fisch freisetzt, der wiederum zwei Tiger und ein Bajonett ausspuckt; dieser Arm wird Gala eine Sekunde später stechen. Über ihnen erscheinen langbeinige Elefanten, die in anderen Kompositionen dieser Zeit vorkommen; einer trägt auf seinem Rücken einen Obelisken, ähnlich Berninis Elefanten auf der Piazza Santa Maria sopra Minerva in Rom, der die päpstliche Macht symbolisiert.

„Les Demoiselles d'Avignon“ von Pablo Picasso

Formale Analyse des Gemäldes

Die formale Analyse des Bildes zeigt drei klar vertikal angeordnete Zonen. Der zentrale Teil wirkt eher klassisch, doch die Körper der beiden Figuren und ihre Abgrenzung zeigen trotz allem Anklänge an traditionelle Aktmalerei, insbesondere an Goyas „Majas“. Ihre Haltung, als ob sie stünden, mit liegendem Kopf und den Armen hinter dem Rücken, ist bemerkenswert. In diesen beiden Figuren zeigt die Malerei ein wichtiges Prinzip des Kubismus: die Darstellung verschiedener Blickwinkel, die Teil desselben Werkes sind. Ähnlich wie die Ägypter den Torso frontal und das Gesicht im Profil darstellten, platziert Picasso diese beiden Figuren, als ob sie von oben gesehen würden, da dies viel erkennbarer ist, als sie von derselben horizontalen Ebene zu sehen.

In diesem Bereich sind die Farben eher klassisch, weniger schwer (zwischen Weiß und Blau), und der Hautton der beiden Mädchen ist schöner im Vergleich zu den anderen drei. Doch anders als es auf den ersten Blick scheinen mag, ist das Wichtigste an diesen Figuren nicht ihre Position im Bild, sondern die gestrichelten Linien, die das Feld der Leinwand füllen und uns nach außen blicken lassen. Wenn wir uns vorstellen, auf sie zu blicken, müssen wir wieder auf die Leinwand zurückkehren, und das Werk geht über seine Grenzen hinaus.

Picassos Entwicklung und Einfluss

Pablo Ruiz Picasso, wohl der einflussreichste Künstler des 20. Jahrhunderts, wurde 1881 in Málaga geboren. Als Sohn eines Kunstlehrers zeigte er schon als Kind ein beeindruckendes Talent als Maler und Zeichner. Von Barcelona (wo er mit der Malerei begann) zog er 1904 endgültig nach Paris, wo er sich den Post-Impressionisten und Fauves anschloss und die „blaue“ und „rosa“ Periode entwickelte. Bis 1907 und nach den „Demoiselles d'Avignon“ begann seine Zusammenarbeit mit Braque, aus der der Kubismus (basierend auf Cézannes Lehren) zwischen 1908 und 1914 entstand.

Zu diesem Zeitpunkt stand Picasso in Kontakt mit allen künstlerischen Bewegungen der ersten Hälfte des Jahrhunderts und nahm einen wichtigen Platz unter den Surrealisten ein, kehrte aber in bestimmten Perioden seines Lebens zum Klassizismus zurück. Obwohl er immer in Frankreich blieb (nach dem Krieg kehrte er nie nach Spanien zurück), wurde er von einigen als französischer Maler beansprucht, doch die von ihm verwendeten Themen und Aussagen folgten immer der Tradition großer spanischer Maler wie Velázquez (mit seiner Serie „Las Meninas“) und Goya. In diesen Jahren schuf er das „Guernica“, eine der Ikonen der Kultur des 20. Jahrhunderts, ein atemberaubender Vorwurf gegen Krieg und Tod. Im Alter war Picasso in seiner Produktion noch unerbittlicher als in seiner Jugend und warf seinen Schatten über die gesamte Kunst des 20. Jahrhunderts, auch nach seinem Tod 1973 in Mougins.

„Der grüne Streifen“ von Henri Matisse

Analyse des Porträts

Das Werk zeigt ein Porträt von Matisses Frau, ein kühnes und farbenfrohes Bild, das den Moment perfekt definiert, in dem der Künstler sich mit dem Fauvismus, seinen bevorzugten Kompositionen und seiner kühnen Farbgebung identifiziert. Die Frau, ernst und fähig, für ein Porträt zu posieren, verlagert ihren Blick leicht zur Vorderseite des Tisches und bietet einen Ausdruck von Ruhe und Spannung zugleich. Am wichtigsten ist jedoch die Komposition der Linien und Farben, die das Porträt definieren: scharf definierte Linien, die die Möglichkeiten des Gesichts und der Kleidung begrenzen, und einige gemischte Farben, die mit einem offensichtlichen Bruch mit konventioneller Ordnung und Logik aufgetragen sind. Besonders hervorzuheben ist der berühmte grüne Streifen, der dem Bild seinen Titel gibt und das Gesicht scharf auf beiden Seiten begrenzt. Um die dunkelsten und hellsten Bereiche zu definieren, werden zwei Farben wie Orange und Rosa verwendet, wodurch das Porträt keiner naturalistischen Darstellung entspricht. Die Farbkomposition des Bildes sorgte 1905 im Salon d'Automne der Fauves für besonderes Entsetzen: Eine Palette leuchtender Farben wurde nicht nur auf den Hintergrund oder die Kleidung, sondern auch auf das Gesicht aufgetragen, was das Gemälde noch provokanter machte.

Matisses künstlerische Entwicklung und Fauvismus

Die Ausbildung von Matisse verlief langsam und war von Reisen nach London und Italien geprägt. Seine Produktion bis 1899 konzentrierte sich auf den Impressionismus, doch ab diesem Zeitpunkt bis 1904, einer als „dunkel“ bekannten Periode, wurde er von den Nabis und Cézanne beeinflusst und schuf Stillleben und Landschaften von großer Festigkeit und Farbflächen, wie in „Schalen und Früchte“ (1901) und „Bois de Boulogne“ (1902) gezeigt. Im Jahr 1904 malte er „Luxe, Calme et Volupté“, das dem Neoimpressionismus folgt, aber bereits den Fauvismus ankündigt, der im Sommer 1905 in Collioure ausbrach. Dieses Werk wurde stark kritisiert, von Denis als „Theorieschema“ bezeichnet.

In Collioure malte er Bilder, die noch pointillistischen Methoden nahestehen, wie „Frau mit Sonnenschirm“, doch nach Collioure erreichte er absolute Freiheit und Spontaneität in anderen Werken wie „Der Ausblick“. Einige Monate später, auf dem Salon d'Automne, präsentierte er ein Werk, das von den Stein-Brüdern erworben wurde: „Frau mit Hut“. Die Farben sind bezeichnend für die Entwicklung der Farbfleck-Methode, die ihn dazu führte, die Kohärenz der Interaktion im Werk zu entdecken. Im Jahr 1906 malte er „La joie de vivre“, das als traditionelles Werk, aber für seine Zeit sehr modern und frei, betrachtet werden kann.

Im Mai 1906 unternahm er eine zweiwöchige Reise nach Algerien, wo er die Oase Biskra besuchte. Interessanterweise schuf er dort keine Bilder, aber nach seiner Rückkehr nach Frankreich malte er in Collioure „Blauer Akt (Erinnerung an Biskra)“, in dem der Einfluss afrikanischer Skulptur und die Verwendung schlecht differenzierter Farben zu beobachten sind. Im Akt dominiert die Linie, die sich auf einige seiner Skulpturen beziehen kann. In Paris sammelte Matisse traditionelle Töpferei und andere Objekte, die seine Werke in Biskra beeinflussten. Afrika begeisterte ihn mit seiner Exotik, und er unternahm mehrere Reisen zwischen 1911 und 1913 sowie 1923 nach Tanger, die Licht und Farbe in seinen Werken völlig veränderten, wie in „Das Atelier des Künstlers“ (1911), „Landschaft aus einem Fenster gesehen“ (1912-1913) und anderen.