Impressionismus: Meisterwerke von Van Gogh, Monet & Renoir

Die Caféterrasse am Abend von Van Gogh

In diesem Gemälde, Die Terrasse der Nacht (auch bekannt als Caféterrasse am Abend), brachte Vincent van Gogh seine neuen Eindrücke aus Südfrankreich zum Ausdruck. Es handelt sich um ein Café auf der Place du Forum in Arles. Das Licht der Gaslaternen und die Sterne erhellen den Bereich vor dem Café, wobei die Komposition besonders auf die kleinen Tische und Stühle für die Kunden sowie die Kellnerin fokussiert ist. Auf der Straße im Hintergrund bewegen sich mehrere düstere Figuren. Der Maler ist an der Darstellung der Terrasse interessiert und verwendet eine lockere Pinselführung, die Details andeutet, ohne sie präzise auszuarbeiten. Die Pinselführung ist charakterisiert durch kleine, komma- oder raupenartige Striche, die viele seiner Werke kennzeichnen. Die Schatten sind violett, was an die impressionistischen Lichtkonzepte erinnert. Die Farben sind typisch für Vincent: Blau und Gelb dominieren die Komposition und spiegeln die Freude wider, die den Geist des Künstlers durchdringt, der ungeduldig auf die Ankunft Paul Gauguins wartet, um eine Künstlergemeinschaft im „Gelben Haus“ zu gründen. Die Symbolik der Farbe Gelb spielt hierbei eine wichtige Rolle. Seine Kompositionsweise ist völlig frei und von der Natur inspiriert.

Die Sternennacht von Van Gogh

Diese berühmte Szene, Die Sternennacht, gehört zu den kraftvollsten und anregendsten Darstellungen Vincents. In wenigen Werken wird die Natur so stark gezeigt wie hier. Vincent van Gogh befand sich seit Mai 1889 in der Heilanstalt von Saint-Rémy-de-Provence und malte in seinen Bildern, was er von seinem Fenster aus sah. Die Nacht hatte ihn schon immer fasziniert – wie in Das Nachtcafé oder der Caféterrasse bei Nacht – vor allem wegen des besonderen Lichts, das sich von dem bis dahin üblichen unterschied. Hervorzuheben ist die Behandlung des Sternenlichts als Lichtpunkte, die von einem Heiligenschein umgeben sind, erzielt mit einer der persönlichsten Techniken der Malereigeschichte: einer Komposition aus Spiralen, die den Himmel beherrschen, und Zypressen im Vordergrund, wobei er sich von Georges Seurat und japanischen Drucken inspirieren ließ. Im Hintergrund ist die Silhouette einer Stadt mit dem langen Turm einer Kirche zu sehen, der die Gruppe dominiert. Die Konturen der Gebäude sind mit dicken, dunklen Linien markiert, ähnlich den Bergen, was an die Cloisonné-Technik von Gauguin und Émile Bernard erinnert. Die von Van Gogh in diesem Frühjahr 1889 verwendeten Farben – Violett, Lila und Gelb – spiegeln die euphorische Stimmung des Künstlers wider, scheinen aber auch einen schweren Rückfall anzukündigen, den Vincent im Juli erleiden sollte.

Impression, Sonnenaufgang von Monet

Der einzige Weg für Maler im Frankreich des 19. Jahrhunderts, ihre Werke auszustellen, war der Pariser Salon, der mit der Hochschule für Bildende Künste (École des Beaux-Arts) verbunden war. Die Werke mussten einer hochkarätigen Jury vorgelegt werden, die eine Auswahl traf. Der Skandal von 1863 – ausgelöst durch Édouard Manets Das Frühstück im Grünen – führte zur Gründung des Salon des Refusés (Salon der Zurückgewiesenen), der bei jungen Künstlern, die ihre modernen Werke zeigen wollten, mehr Erfolg hatte als der offizielle Salon. Die Maler, die sich im Café Guerbois um Manet versammelten, beschlossen, ein vom offiziellen Salon unabhängiges Forum zu schaffen, wo alle unabhängigen Künstler ihre Arbeiten ausstellen konnten. Dies führte zur ersten Ausstellung der Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, die vom 15. April bis 15. Mai 1874 in den Räumen stattfand, die ihnen der Fotograf Nadar zur Verfügung gestellt hatte. Das Gemälde Impression, Sonnenaufgang (Originaltitel: Impression, soleil levant) von Claude Monet, das der Bewegung ihren Namen gab, zeigt eine Kaskade lockerer Pinselstriche, die ein Gefühl von Spontaneität und Improvisation vermitteln. Der Künstler ist nicht an Details interessiert, so sind die Boote nur als schwarze oder graue, nervöse Striche angedeutet. Vielmehr geht es ihm um den Augenblick einer bestimmten Szene. Die Empfindung der wässrigen Bewegung wird meisterhaft durch diskontinuierliche Pinselstriche auf der Oberfläche wiedergegeben, und das orangefarbene Leuchten der Sonne verhindert eine streng lineare Projektion.

Das Frühstück der Ruderer von Renoir

Pierre-Auguste Renoir fühlte sich ebenfalls besonders von Szenen des täglichen Lebens angezogen, wie Bal du moulin de la Galette, Die Regenschirme und Das Frühstück der Ruderer (Originaltitel: Le Déjeuner des canotiers) – Szenen voller Freude und Vitalität. Für die Gestaltung von Das Frühstück der Ruderer verbrachte Auguste Renoir einen Sommer in Chatou. Im Vordergrund links spielt die junge Näherin Aline Charigot, die später Renoirs Frau werden sollte und einen Hut mit Blumen trägt, mit ihrem kleinen Hund. Neben ihr steht Alphonse Fournaise mit Strohhut, der Besitzer des Restaurants. Hinter ihm rechts lehnt sich seine Tochter Alphonsine Fournaise an das Geländer und hört dem Baron Raoul Barbier zu, einem ehemaligen Kavallerieoffizier und engen Freund Renoirs, der mit dem Rücken zum Betrachter sitzt. Der Mann, der im Vordergrund rechts rittlings auf seinem Stuhl sitzt, ist der Künstler Gustave Caillebotte, ein talentierter Maler, aber besser bekannt als Mäzen. Rechts davon sitzt die Schauspielerin Ellen Andrée, die oft für Renoir Modell stand, und der Mann, der sich zu Ellen lehnt, ist der italienische Journalist Antonio Maggiolo. Hinter ihnen, im Hintergrund, befindet sich ein Trio: Eugène-Pierre Lestringuez mit Hut, ein Freund Renoirs, der sich sehr für das Okkulte interessierte, der Journalist Paul Lhote, angeblich ein Verführer, und die Schauspielerin Jeanne Samary. In der Mitte, am unteren Rand der Leinwand, sitzt Angèle Legault, Renoirs Lieblingsmodell, und trinkt aus ihrer Tasse. Hinter ihr steht der Sohn des Restaurantbesitzers, Alphonse Fournaise junior, raucht eine Zigarre und unterhält sich mit dem Kunstsammler Charles Ephrussi, der einen Zylinder trägt und nachträglich in das Gemälde aufgenommen wurde. In diesem Gemälde fing Renoir viel Licht ein. Wie man sehen kann, kommt das meiste Licht von der großen Öffnung des Balkons hinter dem Mann in Hemd und Hut. Die Hemden der Männer im Hintergrund und die Tischdecke reflektieren gemeinsam das Licht und verteilen es über die gesamte Komposition. Ein perfektes Stillleben aus Flaschen, Obst, Tellern und Gläsern schmückt die Komposition und zeigt Renoirs Leichtigkeit in diesem Genre. Die Figuren befinden sich unter einer Markise, geschützt vor dem direkten Sonnenlicht, was zu den typisch farbigen Schatten des Impressionismus führt. Zwischen dem Geländer und dem Blattwerk sind einige Boote und die Spiegelungen der Seine zu sehen. Im Gegensatz zu anderen Impressionisten verwendet Renoir in diesem Bild Schwarz, jedoch für Bereiche, die nicht vom Licht berührt werden. Die Ausführung ist sorgfältig und betont die präzise Zeichnung der Figuren, wodurch deren Volumen hervorgehoben wird, während der Hintergrund skizzenhafter gestaltet ist. Das direkt einfallende natürliche Licht, die Anordnung der Figuren in der Szene, die sehr realistischen Gesichter der Charaktere und das Gefühl von Lebendigkeit, das alles durchdringt, machen dieses Werk zu einem der attraktivsten des Malers. Die Fröhlichkeit der Szene und ihr erstaunlicher Realismus werden durch die Dynamik der Komposition verstärkt; kein Element des Bildes erscheint statisch: die sprechenden Gesichter der Charaktere, ihre Haltungen und Gesten, die Falten der Tischdecke und Kleidung, der Wind, der die Sträucher und die Markise bewegt.

Merkmale des Impressionismus

• Vorliebe für die Landschaft: Die verbreitete Praxis der Landschaftsmalerei unter Impressionisten führte zu wichtigen Konsequenzen, wie der endgültigen Etablierung der Freilichtmalerei (Pleinairmalerei) und dem Fokus auf die vergängliche und flüchtige Natur: das Meer, der Himmel, Wolken, die Sonne usw.
• Realismus und „Ausschnitte des Lebens“ (Tranches de vie): Der Versuch, die sichtbare Welt so einzufangen, wie sie gesehen wird, d.h. in ihrer Flüchtigkeit und Momenthaftigkeit.
• Farbe und Lichtzerlegung: Anwendung der Theorien der Lichtzerlegung (z.B. durch ein Prisma). Die Impressionisten malten mit reinen Farben, die oft erst auf der Leinwand oder im Auge des Betrachters gemischt wurden (optische Mischung). Sie verwendeten eine subtile Technik mit Primär- und Komplementärfarben. Dies ist eine der Essenzen der impressionistischen Malerei und führt zu einer hellen, leuchtenden Farbpalette, die für die Freilichtmalerei unerlässlich ist.
• Geringe Bedeutung der Zeichnung: In der traditionellen Malerei diente die Zeichnung hauptsächlich dazu, die Form zu definieren und das Volumen des Objekts darzustellen. Diese Aspekte spielten für die Impressionisten eine untergeordnete Rolle, da ihr Schwerpunkt auf der Erfassung des Wandels und des Flüchtigen lag, basierend auf Lichteffekten. Dies führte oft dazu, dass Formen vage und aufgelöst erschienen.
• Lockere, schnelle Pinselführung: Oft kommaartige oder fleckige Pinselstriche (Tupfen), manchmal dicht und pastos aufgetragen (Impasto). Diese Technik übersetzt die Schwingungen der Atmosphäre und die Flüchtigkeit des Augenblicks, was das Hauptinteresse der Impressionisten war.
• Bedeutung des Lichts: Ein weiteres Identitätsmerkmal der Bewegung ist das Licht. In Anlehnung an John Constables Theorien gingen sie davon aus, dass Objekte nur in dem Maße gesehen werden, wie das Licht sie trifft und von ihnen reflektiert wird. Daher studierten sie Farbe als eine Form von Licht und verwoben helle Farben miteinander, um Lichteffekte darzustellen.
• Wichtige Einflüsse: Zu den wichtigsten Einflüssen zählten die Schule von Barbizon, englische Landschaftsmaler wie William Turner und John Constable sowie japanische Farbholzschnitte (Japonismus).