Die katalanische Literatur von der Nachkriegszeit bis zur Gegenwart

Kurzgeschichten von Quim Monzó

Quim Monzó (*1952) hat mehrere Bücher mit Kurzgeschichten veröffentlicht, darunter einige außergewöhnliche, die die katalanische Literatur mit ihrer einzigartigen Sprache vor der Erstarrung bewahrt haben. Als Beispiel seien seine Kurzgeschichten in Sechsundachtzig (1999) genannt. Monzós Geschichten überraschen und verstören. Sie zeigen die Strenge des Autors im technischen Bereich und die Einheitlichkeit seines Stils, der nichts mit sprachlicher Vereinfachung zu tun hat. Jedes Wort von Quim Monzó ist unersetzlich und faszinierend. Seine Prosa besticht nicht durch Ornament oder Rhetorik, sondern dadurch, dass jedes Wort, jeder Satz die Neutralität des täglichen Gebrauchs ablegt und zu seinem ursprünglichen Wert zurückkehrt. So erhalten die Sätze Aktualität. Man könnte sagen, dass seine Prosa unnachahmlich ist, wie die aller großen Schriftsteller.

Seine Geschichten spiegeln die heutige Gesellschaft wider und konzentrieren sich auf emotionale Konflikte, insbesondere auf die Einsamkeit von Paaren. Er schildert die Widersprüche, die sie erleiden und überwinden müssen, um allein oder in Gesellschaft ihre Individualität zu erreichen. Monzó vermeidet jede melodramatische Versuchung und schildert mit einem schonungslosen Blick die alltäglichen Kämpfe um Sex und Liebe.

Ein weiteres Thema ist die Geschichte eines zeitgenössischen Flaneurs, der verbittert durch das Leben einer Großstadt geht. Einsamkeit, Verzweiflung, Langeweile und unerklärliche Handlungen werden in den Gedanken der Figuren reproduziert, die zwischen den Seiten feststecken: Nachbarn, Kneipengäste, unsicher und auf der Suche nach einer unbekannten Illusion. Die ziellosen Wege der Protagonisten sind immer eine Mischung aus unbestimmtem Ritual und Spiel. Strategien, um Wahnsinn und Verzweiflung hinauszuzögern.

Ein weiterer Themenkomplex ist die moralische Fabel sowie die Erforschung des Schreibens und Gestaltens, die Paradoxien, Zweideutigkeiten und Rätsel, die den Akt des Literaturschaffens begleiten.

Seine Geschichten lassen mehrere Lesarten zu, weil Monzó den Leser respektiert und ihm viele und verwirrende Wege offenlässt.

Poetische Trends vom Krieg bis in die späten 70er Jahre

In der frühen Nachkriegszeit, als der Wiederaufbau einer kulturellen Infrastruktur begann, erschienen die ersten Verlage und Literaturzeitschriften in Valencia.

Inmitten von Not und Hunger, geprägt vom Spanischen Bürgerkrieg und dem Zweiten Weltkrieg, wurzelten einige Dichter im Pariser Existenzialismus (Albert Camus, Jean Paul Sartre): eine nonkonformistische Bewegung, die über ästhetische Konventionen hinausging und die Beziehung des Menschen zur Realität in den Vordergrund stellte. Einige valencianische Dichter der "poetischen Nachkriegszeit" (1943-1960) bewegten sich zwischen Symbolik und Existenzialismus und schrieben Gedichte mit folgenden Merkmalen:

• Distanzierung von der Realität
• Reflektierende Sprache, thematisch fokussiert auf Schmerz, Tod und die Absurdität der Welt
• Religiöse und humanistische Ansichten
• Tendenz zur expressiven Verschwiegenheit

Die symbolistischen und existenzialistischen Dichter der 50er Jahre versuchten, die Realität durch symbolische Anspielungen darzustellen. Junge Dichter der frühen 60er Jahre wandten sich jedoch dem Realismus zu.

1960 erschienen drei wichtige realistische Gedichtbände: Die Haut des Stiers von Salvador Espriu, Núcies de sang von Federico García Lorca und Bezahlter Urlaub von Pere Quart.

Der Beitrag von Vicent Andrés Estellés zur Poesie

Vicent Andrés Estellés (Burjassot, Valencia, 1924-1993) begann während des Krieges zu schreiben, wurde aber erst in den 70er Jahren bekannt. Er gehörte zur "poetischen Kriegsgeneration" (1943-1960).

Estellés' Poesie ist schwer zu klassifizieren. Er war ein leidenschaftlicher Dichter, der das tägliche Leben darstellte. Seine Themen sind Liebe, Tod, Sex, Angst, Stadt und Land, Frauen.

Estellés ist ein Repräsentant des valencianischen Volkes. Heimat ist für ihn nicht nur ein Wort, sondern das Drama einer Sprache und Kultur, der Schmerz der Unterdrückung. Er ist ein Chronist des Alltags, der mit Zärtlichkeit, Wut, Sarkasmus und Liebe den Glanz und das Elend seines Landes ausdrückt. Sein Diskurs ist chronisch und bitter, aber auch hoffnungsvoll.

Seine Sprache ist geprägt von:

• Der klassischen valencianischen Poesie des 15. Jahrhunderts
• Der modernen katalanisch/valencianischen Literatur
• Der Umgangssprache seiner Kindheit

Der Tod ist ein zentrales Thema in Estellés' Werk, insbesondere der Tod seiner Tochter.

Hauptmerkmale der Poesie von Salvador Espriu

Salvador Espriu (Santa Coloma de Farners, Girona, 1913 - Barcelona, 1985) war ein katalanischer Dichter, Dramatiker und Romanautor. Geprägt vom Bürgerkrieg, war er, wie Kafka oder Pessoa, ein hermetischer Schriftsteller.

Esprius Werk zeichnet sich durch eine Mischung aus Intellektualismus und ätzendem Deskriptivismus aus. Sein Sprachreichtum, die komplexen Themen und seine Fähigkeit, kollektive Geschichte transzendent zu beschreiben, machen ihn zu einem der wichtigsten katalanischen Schriftsteller des 20. Jahrhunderts.

In Sinera Friedhof (1946) beschwört Espriu die vom Krieg zerstörte Welt. Seine folgenden Bücher bilden einen lyrischen Zyklus, der in Ende des Labyrinths gipfelt, wo Espriu negative Theologie vertritt.

Die Haut des Stiers (1960) ist sein bekanntestes Werk. Es ist realistisch und verwendet alte Techniken wie Symbolik, Satire, Elegie und Epik. Es enthält einen Appell an die Bürgerbeteiligung und bezieht sich auf das sefardische Spanien.

Grundlegende Eigenschaften der modernen Poesie

Anfang der 70er Jahre erschienen zwei wichtige Werke, die den Übergang vom Realismus zum Symbolismus und Experimentalismus markierten: Der Spiegel von Pere Gimferrer und Graben Poesie von Joan Brossa. Die nicht-realistische Poesie erlangte daraufhin die Vorherrschaft und wies folgende Merkmale auf:

• Neuer Textcode: Der Leser soll sich mit dem Text selbst auseinandersetzen.
• Rebellierende Praxis: Bezugnahme auf frühere Strömungen wie Symbolik, Avantgarde und Surrealismus.
• Neue Werte des Wortes: Das Wort dient nicht mehr dem Erzählen, sondern dem Evozieren.
• Poesie als Forschungsinstrument: Erforschung der Subjektivität des Dichters.
• Neue Themen: Dissens, Bruch mit Traditionen, Modernität und Universalismus.

1973 folgte die valencianische Poesie diesem Trend. Wichtige Vertreter sind Joan Navarro und Salvador Jafer.

Der Erfolg von Miquel Martí i Pol

Miquel Martí i Pol (Roda de Ter, 1929-2003) ist einer der meistgelesenen katalanischen Dichter der letzten Jahrzehnte. Sein Stil ist populär und zugänglich. Seine Gedichte wurden oft von Politikern und Sängern zitiert und vertont.

Martí i Pol stammte aus einer Arbeiterfamilie. Er arbeitete als Buchhalter, musste aber wegen Multipler Sklerose aufhören. Er engagierte sich politisch und war Mitglied des katalanischen Parlaments.

Seine Poesie ist eng mit seinem Leben verbunden und spiegelt seine persönlichen Erfahrungen und die Veränderungen in der katalanischen Gesellschaft wider. Zentrale Werte sind Ehrlichkeit, Authentizität und Solidarität.

Entwicklung des Theaters vom Krieg bis in die 70er Jahre

In der Nachkriegszeit bevorzugte das Publikum Eskapismus. Dies hätte der Ausgangspunkt für eine Wiederbelebung des valencianischen Theaters sein können, wurde aber durch die Diskreditierung der traditionellen Stücke (Sketche) behindert. Das Misstrauen des Publikums und das Verschwinden vieler Theater führten zur Umwandlung von Theatern in Kinos.

In den späten 50er Jahren gab es Versuche, das Theater zu erneuern, aber die Krise der 60er Jahre zwang viele junge Talente zur Emigration nach Madrid.

In den 60er Jahren entstanden neue Gruppen, die das "freie Theater" förderten. Ziel war die Überwindung der Vergangenheit, die Schaffung moderner Literatur, Kritik an der politischen Situation, die Gewinnung eines jungen Publikums und die Verwendung einer standardisierten Sprache.

Hauptaspekte des Theaters von Manuel de Pedrolo

Pedrolos Theater lässt sich in drei Phasen einteilen, wobei die zweite Hälfte der 50er Jahre den wichtigsten Kern bildet. In dieser Zeit behandelt er existenzielle Fragen wie menschliche Solidarität, die Übereinstimmung mit der Realität, den Wunsch nach Revolte, die Suche nach Wissen, Kommunikation, Tod und Transzendenz (z.B. in Die Erben des Stuhls, 1954). Seine Figuren leben in einer geschlossenen Welt. Sie befinden sich oft im Gefängnis, versuchen auszubrechen oder sich der Situation zu fügen. Beispiele für solche Stücke sind: Cruma (1950), Das Ende des alten Brunnens (1957), Unser täglicher Tod (1958), Männer und Nr. (1959), Ingenieurskammer (1964), Situation bis (1965) usw.

Pedrolo beschäftigt sich mit der menschlichen Existenz und ist seinem Land verpflichtet. Er übernimmt existenzielle Themen und verwendet Elemente des Absurden. Sein Theater ist pessimistisch und stellt eine konsequente Umsetzung der Realität dar. Die Figuren leben in ihrer inneren Welt und versuchen, deren Bedeutung zu ergründen, ohne sich für die Welt der anderen zu interessieren. Oft versuchen sie, ihre Herkunft zu klären, da sie nur eine vage Erinnerung an die Vergangenheit haben.