Klangwelten der Avantgarde: Ligeti und Varèse

György Ligeti: Atmosphères (Hörbeispiel 34)

In den späten 1950er Jahren kam es in der Musikszene zu großen Verschiebungen in der Komposition. Der Klang der Musik stand im Mittelpunkt und wurde nicht als einzelne Komponenten oder als Teil von Gruppen wahrgenommen. Seine Bedeutung lag weder in den Tonhöhen noch in den Rhythmen, sondern in den Beziehungen der Stimmen innerhalb eines Netzes von thematischen oder melodischen Elementen. Man kann das Fehlen von Zellen, melodischen Motiven, Themen, strukturellen und rhythmischen Pulsen sowie konventionellen harmonischen Strukturen beobachten. Es ist richtiger, von Dichten und Klangclustern zu sprechen. In dieser Komposition wird das Konzept der Pause, der Stille, eliminiert. Daraus ergibt sich für den Zuhörer das Gefühl, ein Stück ohne Anfang und Ende zu hören, das ein kompakter Block kontinuierlicher Bewegung in der Zeit ist. Der Name Atmosphères bezieht sich auf die Idee der Vagheit, die der Komponist bewusst vermitteln wollte. Es ist ein Orchesterwerk für 89 Spieler mit 89 individuellen Stimmen, davon 56 für Streicher, bei dem der Hörer nur das Gesamtergebnis wahrnehmen soll. Sein Klang liegt nahe an dem einiger akustischer Musik, an der Grenze zwischen Geräusch und Klang.

Edgard Varèse: Ionisation (Hörbeispiel 33)

Varèse wollte mit dem Titel ausdrücken, was im Stück geschieht. Ein „Ion“ ist in der Physik ein elektrisch geladenes Atom oder eine Gruppe von Atomen. „Ionisation“ bedeutet das ständige Auftauchen von Ionen und Partikeln, die entstehen und vergehen, vor allem durch den ständigen Wechsel von Ionen unterschiedlicher Intensität und rhythmischen Charakters. Es ist das erste Werk in der westlichen Welt, das ausschließlich für Perkussionsinstrumente geschrieben wurde und Klangmassen kontrastiert. Dieses Werk trug dazu bei, die Kluft zwischen Musik (Klang) und Geräusch zu eliminieren.

Das Werk zeichnet sich aus durch:

• Den Kontrast von Rhythmus, Textur, Klangfarbe und Dynamik.
• Die Aufteilung der Instrumente in drei Gruppen: a) gestimmte ethnische Perkussion, b) ungestimmte Perkussionsinstrumente, c) zwei Sirenen.

Die Instrumente umfassen Röhrenglocken, Celesta, Klavier (obwohl diese eine feste Tonhöhe haben, verwendet er sie wie Schlaginstrumente), Trommeln verschiedener Art, Becken, Gong, Triangel, Peitsche, Glocken, Kastagnetten, Tamburin, Hämmer, Bongos, Guiro, Maracas, Claves, Finger Cymbals (Fingerzimbeln), Sirenen und Streicher. Diese Instrumente werden von 13 Spielern bedient. Ihre Rhythmen erinnern an afrikanische und asiatische Musik. Seine Form ähnelt der einer Sonaten-Ouvertüre. In Paris geschrieben und in New York uraufgeführt, weist das Werk streng organisierte dynamische und rhythmische Strukturen auf und eröffnete eine Schreibweise, die andere Komponisten später nutzten und die somit die Existenz der meisten nach dem Zweiten Weltkrieg geschriebenen Musik beeinflusste. Obwohl wir nicht die Absicht haben, den beschreibenden Aspekt des Komponisten zu betonen – der einen wissenschaftlichen Hintergrund besaß –, erinnern die Klänge und Funktionen des alltäglichen Lebens und seiner Umwelt daran, dass er ein Komponist war, der seiner Zeit verpflichtet war.