Konservierung und Restaurierung: Cesare Brandi und die Entwicklung des Konzepts

Konservierung und Restaurierung: Einheit 5

Cesare Brandi und die fiktive Wiederherstellung in Italien

Reale Kunstwerte müssen bewahrt und restauriert werden, um kulturelle Hinweise an künftige Generationen zu übermitteln.

Die Restaurierung von Kulturgut: Entstehung und Entwicklung eines Konzepts

Jede Generation verändert die Bedeutung und den Wert von Immobilien aus der Vergangenheit. Dies beeinflusst die Erhaltung der Werke und kann zu einer Neubewertung führen (Zugänge, Löschungen, Bedeutungsänderungen). Hinzu kommen Störungen durch den Lauf der Zeit und schädliche Substanzen (biologische, physikalische, chemische).

Das Konzept der Restauration modernen Ursprungs (Ende 18. / Anfang 19. Jh.)

Es ist in zweierlei Hinsicht zu verstehen:

• Führung eines menschlichen Produkts mit historischen und künstlerischen Werten, unabhängig von seiner Chronologie und Kultur.
• Intervention zur Wiederherstellung seiner Wirksamkeit.

Es ist schwierig, die Zeit einzustellen, in der der Mensch seinen Wunsch nach Kulturgütern zeigte (hauptsächlich aus politischen, religiösen, aber auch aus Genuss- und ästhetischen Gründen). Beispiel: Tempel von Abu Simbel (Altes Ägypten, 2. Jahrtausend v. Chr., Pharao Seti II).

Klassische Zeit

Es gibt zahlreiche Nachrichten aus der klassischen Periode über Menschen, die sich der Erhaltung und Wartung widmeten (z. B. Damofonte von Messenien). Es gab den Wunsch, das ursprüngliche Aussehen wiederherzustellen.

• Präventive Konservierung.
• Römische Restaurierung: Wunsch von Sammlern griechischer Werke.
• Restaurierung als tiefgreifende Innovation: Alte Gebäude wurden abgerissen und durch größere ersetzt (z. B. Hadrians Pantheon).

Mittelalter

• Vernichtung vieler Werke früherer Epochen (z. B. heidnische, islamische) oder deren Wiederverwendung mit neuen Anwendungen und Bedeutungen (christliche).
• Plünderung antiker Monumente und Wiederverwendung von Materialien für neue Werke.

Renaissance in Italien

Päpstliche Bullen gegen die Zerstörung römischer Monumente und mittelalterlicher Werke. Es gab Transformationen aus ästhetischen Gründen (neue Geschmäcker). Üblich war die Vervollständigung klassischer Skulpturen. Der berühmteste Fall ist der Laokoon.

Ein Ereignis von erheblicher Auswirkung war die Gegenreformation und das Konzil von Trient (1545–1563). Die Sorge um Bilder als Objekte der Anbetung führte zu Eingriffen an bestehenden Darstellungen, um Unannehmlichkeiten zu vermeiden. Jahrhundertelang war es üblich, Bilder aus dekorativen Gründen zuzuschneiden oder zu vergrößern. Im 17. Jahrhundert setzte sich bei Skulpturen die Tradition der Gesamtrestauration fort (Restaurationen waren fast immer frei).

Theorien zur ersten Denkmalrestaurierung

Archäologische Restaurierung im 18. Jahrhundert

Interesse an Wissen und wissenschaftlichen Studien (Archäologie). Aufbau großer Museumssammlungen zum Studium antiker Überreste. Die Grand Tour (Schwerpunkte: Italien, Griechenland) prägte dies, mit Fokus auf Rom.

Papst Pius VII.: Edikt von 1802

Das erste operative Instrument zum Schutz der feinen Kunst und römischer archäologischer Denkmäler. Die ersten archäologischen Restaurierungen wurden von Architekten und Archäologen des Neoklassizismus durchgeführt (tiefe Kenntnis antiker Werke).

Archäologische Restaurierung: Ergänzung und Rekonstruktion

Beeinflusst durch das Prinzip: „Ergänzung oder Rekonstruktion der Denkmäler durch Wiederherstellungsverfahren der archäologischen Ausgrabungen der Originalteile und zerstückelt, um ihr wahres formales Bild wiederherzustellen, wobei das Gebäude mit substanziell verschiedenen Materialien, Original und Reproduktion, gut sichtbar, aufgefüllt wird.“

Unter den restaurierten Denkmälern sticht das Kolosseum hervor. 1826 wurden einige Bögen in Mauerwerk umgebaut (Differenzierung Alt gegen Neu).

Zwischen 1818 und 1822: Wiederherstellung des Titusbogens (Stern, Valadier). Die fehlenden Teile wurden mit wissenschaftlicher Sorgfalt ergänzt, wobei nur die Volumetrie und die korrekte Lesart des Werkes beachtet wurde (Marmor, nur Volumetrie/korrekte Lesart der Arbeit). Dies war ein Meilenstein in der Restaurierungsgeschichte.

Das moderne Konzept der Restaurierung

Es ist ein Produkt der Französischen Revolution von 1789. Ziel war die Zerstörung des Erbes von Kirche, Monarchie und Adel, um die Symbole des „Alten Regimes“ zu beseitigen. Das Prinzip der Erhaltung der Monumente wurde 1794 etabliert.

1801 stellte Napoleon mit dem Konkordat den katholischen Gottesdienst in Frankreich wieder her. Die Konservierung und Restaurierung ging in die Verantwortung des Staates über. Fehlende finanzielle Mittel führten dazu, dass viele Tempelruinen abgerissen und verkauft wurden.

Nach der Restauration der Monarchie gab es ein Interesse an der Wiederherstellung der Denkmäler, die diese Macht am besten repräsentierten (Schlösser und gotische Kathedralen als Ausdruck authentischster französischer Kunst und nationaler Identität). Problem: Neoklassizistische Architekten verstanden die gotische Architektur nicht und führten willkürliche Abrisse durch.

Viollet-le-Duc und die Stilrestaurierung

Eine Schlüsselfigur der monumentalen Restaurierungsgeschichte (1814–1879). Er lehnte die akademische Lehre (Neoklassizismus) ab. Er studierte nicht nur klassische, sondern auch mittelalterliche Architektur.

• „Ein Gebäude wiederherzustellen bedeutet, einen Grad an Integrität wiederherzustellen, den es möglicherweise nicht immer hatte.“
• Der Restaurator muss den Geist des ursprünglichen Schöpfer-Architekten verstehen und das Werk auf diesen zurückführen.
• Einheit des Stils: Die Freiheit, Kunstwerke in einer angeblichen formalen Einheit wiederherzustellen (die Suche nach stilistischer Reinheit) wurde legitimiert (historisch falsch). Dies führte zu Rekonstruktionen, Ergänzungen oder Streichungen (z. B. an Notre-Dame de Paris: Nadelkreuz, Skulpturen).
• Kritik: Man warf ihm vor, nicht authentische Werke zu schaffen und somit falsche historische Darstellungen zu erzeugen.
• Stärken: Rettung einer großen Anzahl von Werken, große theoretische und praktische Ausbildung, Kenntnis der Denkmäler.

John Ruskin und die Romantische Restaurierung in England

In England gab es nicht die gleiche Dringlichkeit für die Restaurierung von Monumenten wie in Frankreich. John Ruskin (1819–1900) war Soziologe, Schriftsteller, Kunstkritiker und eine führende Figur der Romantik. Er war kein bekannter Architekt oder Restaurator, aber sein theoretisches Denken beeinflusste die Kultur seiner Zeit stark.

Ruskin vertrat eine fast mystische Betrachtung der Natur und verkündete die absolute Achtung vor dem Kunstwerk, so wie es überliefert wurde. Dies ist die Grundlage für die „Romantische Restaurierung“ (keine Intervention).

• Außergewöhnlicher Wert wird den vergangenen Arbeiten beigemessen, die nur ihren Schöpfern gehören.
• Man betrachtet und bewundert die Dekadenz, den Zustand der Ruine, berührt sie aber nicht.
• Man geht von der entscheidenden Aktion der „stilistischen Wiederherstellung“ zu einer Situation der Kontemplation und Hoffnung für den Lebenszyklus der Bauwerke über.

Ruskins berühmtes Diktum: „Reden wir nicht über Restaurierung. Es ist nur eine Lüge von Anfang bis Ende. Man kann ein Modell eines Gebäudes machen, wie man es mit einer Leiche tut, und das Modell kann die Hülle der alten Mauern als Form eines Skeletts enthalten, obwohl ich nicht sehe, welchen Vorteil das bringen könnte, außer der Zerstörung des ursprünglichen Gebäudes, das sonst rücksichtslos unter dem Staub begraben worden wäre.“

Moderne Schule der Architektonischen Restaurierung

Nach der Einigung Italiens

Die Debatte über die Restaurierung der architektonischen Vergangenheit entbrannte neu, insbesondere bei Denkmälern, die den nationalen Ruhm identifizierten. In den 1880er Jahren entstanden in Italien zwei Strömungen für die Restaurierung von Denkmälern:

A) Historische Restaurierung

Basierend auf Dokumentation (grafische Quellen, Datenblätter...). Theoretisch korrekte Haltung.

B) Moderne wissenschaftliche Restaurierung

Camillo Boito (1836–1914) verfasste wichtige theoretische Arbeiten zur Restaurierung. Für Boito sollten Denkmäler vorzugsweise konsolidiert und nicht restauriert werden; Ergänzungen sollten vermieden werden. Falls Ergänzungen notwendig sind, müssen sie auf belegten Daten basieren und mit unverwechselbaren Materialien ausgeführt werden. Die verschiedenen Phasen des Denkmals müssen respektiert werden. Er forderte die Notwendigkeit, Arbeitsphasen zu kennzeichnen.

Dank Boitos Anhängern (Gustavo Giovannoni) verbreiteten sich seine Ideen und wurden international in der Charta von Athen (1931) angenommen. Giovannoni förderte auch die Ausarbeitung der Charta Italiana del Restauro (1932).

Istituto Centrale del Restauro (1938)

Einer seiner Entwickler war Cesare Brandi, ein führender Experte in der Kunstrestaurierung.

Cesare Brandi und der Brief zur Restaurierung (1972)

Cesare Brandi trug jahrzehntelang zur Ausarbeitung der Lettera sulla Restauro von 1972 bei. Der Brief richtete sich an die Verantwortlichen der Restaurierungszentren und war als zwingende Vorschrift im gesamten italienischen Staatsgebiet gedacht, wurde aber auch in anderen Ländern empfohlen.

Aufbau der Carta del Restauro von 1972:

1. Darstellung und Erläuterung des Zwecks.
2. 12 Artikel zum Schutz und zur Wiederherstellung.
3. 4 Anhänge.
4. Verbotene Aktionen (z. B. stilistische Ergänzungen).
5. Zulässige Aktionen.

1987: Neue „Charta der Restaurierung“

Tatsächlich erhielt sie einen breiteren Titel: „Brief zur Konservierung und Restaurierung von Kunst- und Kulturgütern von 1987“.

Sie zeigt große Sorge um die klare Definition der Begriffe „Instandhaltung, Prävention, Erhaltung, Konservierung und Restaurierung“.

Sie betont die Notwendigkeit, die Umgebungsbedingungen zu berücksichtigen und ein ideales Mikroklima für die Erhaltung des Objekts zu gewährleisten.

Präventive Konservierung

Dies ist die wirksamste Maßnahme zum Erhalt des kulturellen Erbes. Ziel ist die Minimierung von a posteriori Eingriffen (Prothetik). Sie versucht, das „Notfall“-Verfahren rückgängig zu machen, indem sie rechtzeitiges Eingreifen, regelmäßige Überprüfung, kontinuierliche Pflege und Prävention (besser und billiger) fördert.

Risikobewertung für Kulturerbe (1987)

Um diese Ideen umzusetzen, ergriff Italien einen wichtigen Schritt mit der Erstellung der sogenannten Lettera sul Rischio del Patrimonio Culturale (1987).

Dies ist ein Territoriales Informationssystem, um die kausale und wahrscheinliche Beziehung zwischen dem Kulturerbe, seinem Zustand und den Risikofaktoren, die zu seiner Verschlechterung führen, zu bestimmen. Es ist ein Werkzeug für die Verwaltung des kulturellen Erbes.

Das Risiko wird als die Möglichkeit eines unerwünschten Ereignisses definiert, das Schäden an etwas verursacht, dem ein Wert zugeschrieben wird.

Das Risiko ergibt sich aus der Kombination von drei Elementen:

• Der Wert der Werke, die das Kulturerbe darstellen.
• Die Sicherheitslücke, d. h. ihre Widerstandsfähigkeit gegen Schäden.
• Das Vorhandensein oder die Wahrscheinlichkeit von Schadensereignissen.

Gefahrenfaktoren werden in 3 Kategorien unterteilt:

• Statisch-strukturell (seismische Gefahren, Vulkane...).
• Atmosphärisch (Klima, Umweltverschmutzung...).
• Anthropogen, mit dem Menschen verbunden (Diebstahl, Vandalismus, touristischer Druck...).

Maßnahmen der präventiven Konservierung umfassen die Kontrolle von Umweltbedingungen (Temperatur, Luftfeuchtigkeit), Beleuchtung und die Besucherzahl.