Die Kunst des Barock: Architektur, Skulptur und Malerei

Allgemeine Merkmale der barocken Architektur

Die barocke Architektur ist vollständig in ihre städtische Umwelt und die Landschaft integriert. In dieser Zeit stammt das Konzept der Hauptstadt aus der Geburt des modernen Staates. Die Architektur ist einer der großen Beiträge des Barock, wobei eine echte Sorge um die städtebauliche Planung (Raumverteilung, Design der wichtigsten Routen, große städtische Wahrzeichen) entwickelt wurde, wofür die Stadt Rom ein perfektes Beispiel ist. Die Barockarchitektur stellt einen starken Bruch mit dem Klassizismus der Renaissance dar. Skulptur und Malerei sind im Barock in die Suche nach einem Gesamtkunstwerk integriert.

Werkstoffe und Bauteile

Werkstoffe und Bauteile: Das verwendete Material bleibt Stein, aber es wird auch Marmor verwendet, insbesondere im Innenraum, sowie Messing, um bestimmte Aspekte der Dekoration hervorzuheben. Die Verwendung verschiedener Materialien im selben Werk zielt darauf ab, eine Vielzahl von polychromen Effekten zu erzeugen und unterstreicht damit den theatralischen und dramatischen Charakter der Barockarchitektur.
Als Baumaterialien werden immer noch klassische Elemente wie die kolossale Ordnung eingesetzt. Barocke Elemente sind die gedrehte Säule (Stipes), Giebel und manchmal gekrümmte Formen. Der Bogen ist vorzugsweise halbkreisförmig, und die Gewölbe sind Tonnengewölbe oder Lünetten. Die Kuppeln sind sehr wichtig in der barocken Architektur und stellen Innovationen wie ovale oder sternförmige Kuppeln dar.

Ein neues Konzept des architektonischen Raumes

Unter dem Strich ist die Barockzeit die Definition eines neuen Konzeptes des architektonischen Raumes. Im Gegensatz zum geschlossenen und statischen Raum der Renaissance definiert der Barock einen unendlichen Raum, offen und dynamisch, von hoher Komplexität. Hierfür werden vielfältige Ressourcen verwendet, wie die illusionistische Malerei, die den Raum nach innen öffnet, oder Spiegel, welche die Grenzen der Wand beseitigen. Die gerade Linie wird gebrochen, wodurch Kontraste von Licht und Schatten sowie ein Gefühl der Bewegung entstehen. Diese Ressourcen machen es schwierig, die realen Grenzen des Gebäudes zu verstehen, und fördern ein Gefühl des unbegrenzten Raums. Die repräsentativsten architektonischen Stile sind der Tempel und der Palast.

Der Tempel und das Schloss

Der Tempel: Der Zweck dieser religiösen Gebäude ist es, eine emotionale Bindung der Gläubigen durch die Sinne zu erzeugen. Daher folgen sie einer luxuriösen Dekoration, einer Fülle von Bildern und der Schönheit der Gewänder. In Bezug auf die Grundrisse führt die Basilika mit ihrer Längsachse das Auge zum Altar, dem Ort der Begegnung mit dem Heiligen. Die reiche Verzierung soll die Fläche maximieren. Neben der Basilika gibt es Alternativen in zentralen Anlagen: rund, elliptisch, achteckig. Im Allgemeinen sind Räume mit gutem Klang und guter Sicht bevorzugt. Die Fassade wirkt wie ein Anziehungspunkt für die Gläubigen. Anfangs ähnelten diese noch Renaissance-Fassaden, später reflektierten sie Merkmale des Barocks wie Bewegung und dekorativen Überschwang.
Das andere repräsentative Gebäude ist das barocke Schloss, das Symbol der absoluten Monarchie, dessen bestes Beispiel Versailles ist. Barock ist eine Kunst im Dienst der Macht, da absolute Monarchien die Architektur nutzten, um ihre Macht darzustellen.

Bernini und Borromini: Meister in Italien

Italien wird der wichtigste Schwerpunkt der barocken Architektur, mit Bernini und Borromini als besten Vertretern. Beide begannen ihre Arbeit im Atelier von St. Peter, doch ihre Karrieren und künstlerischen Persönlichkeiten entwickelten sich sehr unterschiedlich. Bernini, Architekt, Maler und Bildhauer, entwickelte seine Karriere fast ausschließlich in Rom. Seine Werke spiegeln eine neue Ästhetik und den Stil des Barock wider, vor allem durch die meisterhafte Darstellung von Bewegung. Er wurde zu einem kompletten Künstler, der trotz seiner unendlichen Arbeitskapazität so viele Projekte hatte, dass er auf die Unterstützung seiner Werkstatt und eines großen Teams von Assistenten angewiesen war. Er legte großen Wert auf die Integration des Kunstwerks in den Raum und die Rolle des Lichts.
Borromini markiert mit seiner Arbeit einen neuen Aufbruch in der Geschichte der Architektur. Während Bernini die Renaissance-Tradition nicht radikal änderte, verteidigte Borromini die architektonische Praxis gegen den reinen Entwurf. Seine Architektur wurde ausdrucksstark, wobei er es verstand, auch aus einfachen Materialien Großes zu schaffen. Er verwendete die gebogene Wand, um Bewegung zu erzeugen, was im Gegensatz zu Berninis Auffassung von Raum stand.

Versailles: Der französische Barock

Ein weiterer Schwerpunkt ist die französische Barockarchitektur. Diese weist wichtige Unterschiede zum italienischen Barock auf und wird oft als klassizistisch definiert, da sie ausgewogener und nüchterner ist. Die Grundrisse sind weniger kompliziert, die Fassaden strenger, und es herrscht ein größerer Respekt für Proportionen ohne starke Licht-Schatten-Kontraste. Die Architektur ist eng mit dem Hof und der absoluten Monarchie verknüpft. Das beste Beispiel ist Versailles, das wichtigste Werk des französischen Barock.

Barockarchitektur in Spanien

Das 17. Jahrhundert in Spanien ist eine Phase künstlerischer Pracht trotz wirtschaftlichen und politischen Zerfalls. Der spanische Barock ist ein Spiegelbild der von der Gegenreformation beeinflussten Gesellschaft, was zu einer Dominanz religiöser Architektur führte. In Madrid entwarf der Architekt Juan Gómez de Mora viele Projekte, darunter die Plaza Mayor.

Die Plaza Mayor und ihre Bedeutung

Der spanische Platz hat seine Ursprünge in Kastilien; Vorbilder finden sich in der griechischen Agora und dem Forum Romanum. Im Barock ist der Platz ein öffentlicher Raum, umgeben von Gebäuden für das städtische Leben. Diese Plätze dienten als Kommunikationszentralen, Handelsplätze und Orte für Feste, Turniere, Stierkämpfe oder Prozessionen. Die unteren Etagen waren oft durch Säulengänge gesäumt. Mit der Ankunft der Bourbonen im Jahr 1700 hielt der französische Einfluss Einzug. Es entstand eine Mischung aus dem einheimischen Barock (Castiza) und dem Bourbonen-Klassizismus, wie man ihn an der Toledo-Brücke in Madrid sieht.

Die Barockplastik: Merkmale und Entwicklung

Die Bildhauerei erlebte im 17. Jahrhundert einen tiefgreifenden Bruch mit der klassischen Sprache. Ein Hauptmerkmal ist die Integration aller Künste zu einer schönen Gesamtlandschaft. Die Barockskulptur ist eng mit Architektur und Malerei verknüpft. Das definierende Merkmal ist der Naturalismus, ein Spiegelbild des wissenschaftlichen Aufschwungs. Die Darstellung des Menschen muss der Realität entsprechen. Religiöse Ikonographien stellen Heilige als Menschen aus Fleisch und Blut dar, um sie den Gläubigen näherzubringen.

Emotionen und Bewegung in der Skulptur

Das Porträt vertieft sich in das Innenleben und stellt Gefühle durch Blicke und Gesten dar. Häufig sind Darstellungen von Mystik oder Martyrien, die Leiden und Schmerz zeigen. In der barocken Kunst wird die Barriere zwischen Kunstwerk und Betrachter durch Gestik und illusionistische Dekorationen gebrochen. Licht spielt eine Rolle als Manifestation göttlicher Gegenwart. Ein weiterer Erfolg ist die Darstellung von Bewegung durch diagonale Kompositionen oder flatternde Stoffe. Bernini ist auch hier die unbestrittene Schlüsselfigur des römischen Barock.

Bernini als Bildhauer

Bernini, der bedeutendste Vertreter der Barockskulptur, wurde von Michelangelo und der hellenistischen Bildhauerei beeinflusst. Er entwickelte seine Karriere in Rom und war ein Künstler von außergewöhnlicher Vitalität. Seine Werke lassen sich in drei Gruppen unterteilen: Arbeiten für St. Peter im Vatikan, Aufträge für Kirchen und römische Porträts. Auch seine städtischen Werke, wie der Vierströmebrunnen, sind bedeutend. Er besticht durch technische Virtuosität in der Materialbehandlung und die Darstellung extremer Emotionen.

Spanische Barockskulptur

Die spanische Bildsprache ist eng mit der sozialen und religiösen Realität des 17. Jahrhunderts verknüpft. Es ist eine tief religiöse Kunst mit außerordentlichem Realismus und intensiven emotionalen Inhalten. Es entstanden Andachtsbilder von Christus und Maria für die Gegenreformation sowie große Prozessionsfiguren für die Zünfte. Eine weitere Typologie ist das Altarbild (Retablo) mit hohem dekorativem Überschwang. Das bevorzugte Material ist polychromiertes Holz (lackiertes Holz), das oft mit echtem Haar, Glasaugen oder Tränen ergänzt wurde, um den Realismus zu steigern.

Schulen der spanischen Skulptur

• Kastilische Schule: Ihr Hauptvertreter ist Gregorio Fernández. Sein Werk zeichnet sich durch extremen Realismus und schwere Faltenwürfe aus, die Helldunkel-Effekte erzeugen.
• Andalusische Schule: Mit Zentren in Sevilla (Juan Martínez Montañés) und Granada (Alonso Cano). Martínez Montañés' Werke besitzen eine hohe malerische Qualität. Alonso Cano war Architekt, Bildhauer und Maler; seine Arbeit ist von Feinheit und Heiterkeit geprägt.
• Murcia: Im 18. Jahrhundert ragt Francisco Salzillo heraus, dessen Kunst Wurzeln in der neapolitanischen Welt hat und profunde Anatomiekenntnisse zeigt.

Die Barockmalerei

Die Barockmalerei bietet eine reiche Produktion für Kirchen, Paläste und Privathäuser. Sie zeigt eine vollständige Akzeptanz der Realität (Naturalismus), oft begleitet von tiefer Symbolik (z. B. Stillleben als Reflexion über die Vergänglichkeit). Religiöse Themen dominieren, wobei Heilige menschlich und greifbar dargestellt werden. Mystische Erfahrungen und Martyrien dienen der Erforschung der Psychologie und extremer Emotionen. Auch Landschafts-, Stillleben- und Genremalerei gewinnen an Bedeutung. Das Porträt sucht die Treue zum Charakter und zum inneren Leben.

Technik und Lichtführung

Der Künstler nutzt Ressourcen wie den direkten Blick der Figuren, um den Betrachter einzubeziehen. Licht definiert den Raum, oft als Tenebrismus (starke Kontraste) oder als Manifestation des Übernatürlichen. Es herrscht Dynamik statt Statik. Bevorzugte Techniken sind Öl auf Leinwand sowie Freskomalerei für Gewölbe und Kuppeln.

Italien: Caravaggio

Caravaggio ist die Schlüsselfigur des italienischen Naturalismus. Seine religiösen Gemälde spiegeln die Sensibilität der Gegenreformation wider, indem sie heilige Szenen mit alltäglicher Einfachheit darstellen. Sein Umgang mit Licht ist revolutionär und begründete den Tenebrismus.

Die Niederlande: Rubens und Rembrandt

In Flandern war Rubens ein außergewöhnlicher Maler mit einer riesigen Produktion (Religion, Geschichte, Mythologie). Er wurde von der venezianischen Farbe und Michelangelo beeinflusst und war ein Meister komplexer, diagonaler Kompositionen. In Holland ist Rembrandt für seine außergewöhnliche Lichtführung bekannt, die in den Schattenbereichen verschiedene Intensitäten erzeugt. Er malte Porträts, Landschaften und religiöse Szenen und war zudem ein bedeutender Graveur.

Das Goldene Zeitalter der spanischen Malerei

Das 17. Jahrhundert ist das Goldene Zeitalter mit drei Schwerpunkten: Valencia, Sevilla und Madrid. Die Malerei ist im Grunde religiös und dient der Gegenreformation oder der Machtdarstellung.

• Valencia: Ribalta und Ribera konzentrierten sich auf dramatische religiöse Themen und Märtyrer.
• Sevilla: Zurbarán ist bekannt für seine Klosterserien und die Darstellung religiöser Strenge. Murillo entwickelte sich vom Tenebrismus zu einer farbenfrohen, zarten Malerei, bekannt für seine Unbefleckten Empfängnisse und Kindheitsszenen.
• Madrid: Velázquez ist einer der bemerkenswertesten Maler der Geschichte. Sein Werk begann im tenebristischen Naturalismus und entwickelte sich zu einer meisterhaften Beherrschung der Luftperspektive. Als Hofmaler Philipps IV. schuf er Porträts der königlichen Familie, Hofnarren sowie mythologische Werke und Landschaften. Er besaß die Gabe, das Innenleben der Dargestellten einzufangen.