Die Kunst des Cinquecento: Malerei, Skulptur und Architektur

Cinquecento: Das goldene Zeitalter der italienischen Kunst

Im Cinquecento (16. Jahrhundert) entwickelte sich Rom nach Florenz zu einem neuen Zentrum der Kunst. Die antiken Monumente der Stadt und die Förderung durch die Päpste Julius II. und Leo X. zogen zahlreiche Künstler an und führten zur Schaffung neuer Kunstwerke. Rom wuchs schnell und die Bevölkerung nahm zu. Die Gebäude der Stadt wurden prächtiger und die Straßen wurden verbreitert, um Prozessionen einen besseren Verlauf zu ermöglichen. Es entwickelte sich ein Wettbewerb, der zum Bau von immer prächtigeren Palästen führte. Der Höhepunkt dieser Bautätigkeit wurde unter der Herrschaft von Sixtus V. erreicht, der nicht nur die Wasserversorgung der Stadt verbesserte, indem er alte und moderne Wasserleitungen nutzte.

Die Architektur des Cinquecento in Rom

Künstler aus ganz Italien strömten in dieses Zentrum, insbesondere im Zusammenhang mit dem Bau der neuen Basilika von St. Peter unter der Leitung von Bramante, dessen Entwurf ein griechisches Kreuz vorsah. Das Endergebnis wurde von der prächtigen Kuppel von Michelangelo dominiert, die vom Pantheon in Rom inspiriert ist und auf einem kreisförmigen Tambour ruht.

Michelangelo und die Skulptur des Cinquecento

Die Skulptur des Cinquecento wurde von Michelangelo dominiert, dessen perfekte Kenntnisse der menschlichen Anatomie jede skulpturale Herausforderung zu meistern schienen. Michelangelo sah sich selbst eher als Bildhauer denn als Maler. Er schuf eine Welt von Giganten mit angespannten Muskeln – aber Michelangelo war auch ein Bildhauer des Lebens. Die Gesichter drücken Leidenschaft aus, Sehnen an Hand oder Hals scheinen zu explodieren, Venen treten an der Oberfläche der Figuren hervor und, wie in seinem Moses, erzeugen Gänsehaut. Er war auch ein Bildhauer der Schönheit. In der Vatikanischen Pietà erreichte er eine Höhe der Zartheit und zeitlosen Schönheit, die einen idealen und frommen Sinn für Gelassenheit und Ruhe vermittelt. In seinem Alter, überwältigt von Trauer und Einsamkeit, schuf er die Pietà Rondanini, die einen abgemagerten Christus und eine schwache Jungfrau zeigt. Die technische Behandlung des Marmors war das einzige Material, mit dem er arbeitete.

Die Malerei des Cinquecento: Innovation und Ausdruck

Was zählte, war die Reflexion der Gefühle der Szene. Daher wurden oft aktuelle Modelle verwendet, die als Referenz für eine bestimmte Art von Person dienten. Das Interesse der Künstler konzentrierte sich auf die Darstellung der Beziehung der Figuren zueinander. Die Farbe begann an Bedeutung zu gewinnen und lenkte die Aufmerksamkeit des Betrachters auf bestimmte Elemente der Komposition. Außerdem legte man Wert auf die Behandlung des Lichts auf den Gesichtern, das die Mimik und Gestik der Figuren akzentuieren oder erweichen konnte. Im Übergang vom Quattrocento zum Cinquecento ist Leonardo da Vinci hervorzuheben. Als Mann von unersättlichem Forscherdrang war er Maler, Architekt, Philosoph und Ingenieur. Er erweiterte die Malerei, wie in der Madonna in der Felsengrotte mit einer pyramidalen Komposition, oder Das letzte Abendmahl, wo er die ganze Theorie des Fluchtpunkts und der Perspektive anwandte. Wichtig ist auch sein Beitrag zur Erforschung des Lichts mit dem Einsatz von Sfumato: einem reibungslosen Übergang vom Schatten zum Licht, der die Figuren verschwimmen lässt und eine geheimnisvolle Atmosphäre schafft, die in seinem berühmten Porträt der La Gioconda deutlich wird.

Raffael und Michelangelo: Zwei Giganten der Renaissance

Raffael erreichte Perfektion als Maler der Renaissance in der Zeichnung, der Farbe und der Kunst des Komponierens. In seiner frühen Phase in Florenz, beeinflusst von Leonardo, malte er wunderschöne Madonnen. Später wechselte er nach Rom, wo er von Michelangelos Werk im Vatikan beeinflusst wurde. Dort malte er große Szenen zur Dekoration der Wände, wie die Schule von Athen, in denen er seine Fähigkeit zur Darstellung von Raum demonstrierte. Michelangelo hingegen verlieh seinen Gemälden das Aussehen von Skulpturen, mit muskulösen, krampfhaften Körpern von anatomischer Schönheit, die seinen Skulpturen ähneln. Julius II. beauftragte ihn mit der Ausmalung der Decke der Sixtinischen Kapelle mit Szenen aus dem Alten Testament. Später malte er an der Rückwand der Kapelle das Jüngste Gericht. In beiden Werken verbindet Michelangelo das Grandiose und Imposante mit einem vollen Ausdruck der Bewegung, der Ausdruck eines leidenschaftlichen Geistes ist, den Experten Terribilitá genannt haben.

Die venezianische Schule: Farbe und Lebensfreude

Venedig war im 16. Jahrhundert eine reiche Stadt mit einem raffinierten und exquisiten Lebensstil. Die Werke der venezianischen Schule zeichnen sich durch schnelle, energetische Pinselstriche aus, die Bilder von großer Lebendigkeit schaffen. Die Farbe dominiert die Zeichnung mit einer Vorliebe für warme Farben, Gelb und Rot. Sie unterstreicht den Reichtum und die Pracht der Marmorpaläste, der Feste, auf denen es viele Köstlichkeiten und Luxus gab.

All dies kam in Venedig zusammen, einer exotischen Stadt, die eine enge Beziehung zum Osten hatte, was sich in einer deutlichen Vorliebe für leuchtende Farben widerspiegelte.

Tizian, Veronese und Tintoretto: Meister der venezianischen Malerei

Tizian war der führende Maler der Schule. Im Laufe seines Lebens entwickelte sich sein Stil weiter und wurde immer anfälliger für die Intensität der Farbe und den lockeren Pinselstrich. Zu den Höhepunkten gehören die Reiterporträts Karls V. in Mühlberg.

Sein Lieblingsthema war die nackte Venus, wie die Venus von Urbino, die in verschiedenen Posen dargestellt wird. Seine religiösen Themen erreichten nie den Nervenkitzel der spanischen Kunst, aber die Grablegung Christi hat eine intensive Wirkung mit Farbe.

Veronese war bekannt für seinen Luxus. Seine Szenen spielen oft in prächtigen Palästen, in denen Wein und Speisen im Überfluss vorhanden sind und die Damen aufwendige Frisuren und reich verzierte Juwelen tragen. In diesen Umgebungen stellt er in der Regel Szenen aus der Bibel dar, als ob es sich um ein aktuelles Thema handelte. Die Hochzeit zu Kana oder Moses aus dem Fluss sind eindeutige Beispiele für seine Kunst.

Tintoretto, Autor des Abendmahls, verdrehte die Sinnlichkeit der beiden vorangegangenen Lehrer und schuf dramatische Kompositionen, in denen die Figuren in Bewegung sind, und läutete damit die Kunst von El Greco ein.