Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts: Von Impressionismus zur Avantgarde

Hintergrund

1. Impressionismus: Merkmale

• Bevorzugte Motive: Landschaften.
• Malerei im Freien: Versuch, die Vergänglichkeit des Augenblicks, das Aufblitzen von Licht und Farbe als den eigentlichen Star der Malerei zu erfassen.
• Ablehnung akademischer Kompositionssystemen: Bevorzugung von Asymmetrie.
• Realismus und Alltagsleben: Der Versuch, die sichtbare Welt in ihrer Vergänglichkeit festzuhalten.
• Die Impressionisten malten mit reinen Farben direkt im Freien, mit lockerer, schneller und fast skizzenhafter Pinselführung, die mehr oder weniger dichte und lange Berührungen erzeugte. Sie nutzten die neuen Pigmente in Farbtuben.

1.2. Künstler des Impressionismus

Manet, Monet, Degas, Slate, Renoir, Sisley

2. Postimpressionismus

2.1.1. Seurat (Pointillismus)

Die Methode des Pointillismus besteht darin, farbige Punkte anstelle von reinen Pinselstrichen auf die Leinwand zu setzen. Auch hier ist die Natur Teil des Bildes. Wenn man ein pointillistisches Werk betrachtet, verschmelzen die Farbpunkte auf der Netzhaut. Die Grundfarbe wird durch die Division der Farbkomponenten und ihrer Elemente bestimmt.

2.1.2. Gauguin

Primitivismus und Symbolik prägen seine Malerei. Er legte besonderen Wert auf die Ausdruckskraft der Farbe, die Erforschung der Perspektive und die Verwendung einer vollen und voluminösen Form. Beeinflusst durch die tropische Umgebung und die Kultur Polynesiens, nahm er die abstrakte Kunst vorweg: noch einfachere Kompositionen, die der Farbe und der Idee, die Farbe vorschlagen kann, Übergewicht verleihen.

2.1.3. Van Gogh

(Keine weiteren Details im Originaltext vorhanden)

2.1.4. Cézanne

Er bemühte sich, die Komplexität der menschlichen visuellen Wahrnehmung zu verstehen und widerzuspiegeln. Er wollte eine echte Vision der Realität bieten und stellte daher Objekte aus verschiedenen Blickwinkeln dar, was ihn dazu führte, sie gleichzeitig aus mehreren Perspektiven zu zeigen. Strukturell ordnete er das Gesehene in einfachen Formen und Farbschemata. Diese kleinen Berührungen und Farbschemata wurden zusammengebracht, um komplexe Felder zu bilden, während sie die Gefühle des Auges ausdrückten und eine Abstraktion der beobachteten Natur darstellten.

2.1.5. Klimt

Klimts Werk ist gekennzeichnet durch die reiche Dekoration mit Gold und leuchtenden Farben der dekorativen Elemente. Seine Werke haben einen symbolischen Wert. Die Frau, die in seinen Titeln erschien, ist die Femme Fatale des 19. Jahrhunderts, abgemagert und krank.

2.1.6. Munch

Die Förderung der vereinfachten Bilder von Munchs Werken, die Angst und Einsamkeit vermitteln, ist wichtiger als Gaugain. Er erlebte Angst, hatte psychische Probleme und diese Gefühle spiegelten sich in seinen Bildern wider. Sie entstehen als Ausdruck seines gequälten Lebens. Er bevorzugte menschliche und persönliche Beziehungen. Er hatte Obsessionen mit der Ohnmacht des Menschen angesichts des Todes und identifizierte sich mit der Frau. Er hatte eine negative Sicht des Lebens, der Hilflosigkeit des Menschen, der Einsamkeit und des Geschlechts.

Frühe Avantgarde

3. Fauvismus: Merkmale

Fauvisten glaubten, sie könnten ihre Gefühle durch Farben ausdrücken und dachten, dies würde die Malerei beeinflussen. Sie suchten keine naturalistische Darstellung, sondern verstärkten den Eigenwert der Farbe. Deshalb lehnten sie die Palette der Naturtöne ab, die von Impressionisten verwendet wurden, um einen heftigeren expressiven Wert zu schaffen. Sie verwendeten eine direkte und kräftige Pinselführung, mit dicken, ungemischten Berührungen, wobei sie Fleischfarben vermieden. Die Figuren sind flach, linear, in dicken Umrisslinien eingeschlossen. Ihre Kreationen spiegeln eine Synthese wider, die Suche nach höchster emotionaler Intensität, kombiniert mit maximaler Vereinfachung der Elemente. Deshalb verzichteten sie auf die klassische Perspektive, Hell-Dunkel und Volumenmodellierung. Das Licht neigt dazu zu verschwinden und damit auch die Tiefe. Ihre Themen sind Porträts, Stillleben, Menschen im Haus, schöne Landschaften. Ein weiteres Merkmal ist der Sinn für die Ästhetik afrikanischer Masken und Statuen sowie des fernen Orients.

Künstler des Fauvismus

• Matisse: Für ihn verleiht die Farbe dem Gemälde Körper; Farbe kann die Rolle von Zeichnung, Perspektive, Schatten, Volumen übernehmen. Er bemerkte, dass das Leben farbig ist und nahm dies in seine Malerei auf. Die Unterdrückung von Schatten und deren Ersatz durch reine, leuchtende Farben lässt das Bild mehr denn je strahlen. Matisse malt mit Farbe und verteilt sie im Raum, sodass sie ohne Verformung der Perspektive vorgeschlagen wird.
• Derain: Reine Farben wurden ungemischt auf eine weiße Leinwand aufgetragen, mit etwas dicken, platzierten Berührungen, die das Aussehen eines Mosaiks verliehen.

4. Expressionismus: Merkmale

Der Expressionismus entstand als Reaktion auf den Impressionismus: So wie die Impressionisten den Eindruck der umgebenden Welt auf die Leinwand brachten, ein Spiegelbild der Sinne, versuchten die Expressionisten, ihre innere Welt wiederzugeben, einen Ausdruck der eigenen Gefühle. So arbeiteten die Expressionisten mit Linie und Farbe auf stimmungsvolle und emotionale Weise (viel Farbe, dick und gesättigt). Sie teilten mit dem Fauvismus die Art der Farbverwendung.

4.2. Deutscher Expressionismus (Die Brücke)

Die Brücke wurde am 7. Juni 1905 gegründet. Die Gruppe versuchte, mit der breiten Öffentlichkeit in Kontakt zu treten, um sie an ihren Aktivitäten teilhaben zu lassen. Sie suchten durch die Kunst Einfluss in der Gesellschaft, da sie der Meinung waren, dass einige der revolutionären Propheten die Gesellschaft ihrer Zeit verändern könnten. Sie lehnten Regeln ab und ließen die Inspiration frei fließen, um dem emotionalen Druck des Künstlers unmittelbaren Ausdruck zu verleihen. Sie wurden von der Arts & Crafts-Bewegung beeinflusst, ebenso wie vom Jugendstil, den Fauvisten und Künstlern wie Van Gogh, Gauguin und Munch.

Schwerpunkte der Malerei der Brücke

Die Verwendung von Grundfarben wie im Fauvismus, mit etwas Einfluss von Matisse, aber mit gestrichelten, gewalttätigen Linien (im Gegensatz zu den abgerundeten Linien von Matisse), in englischen, geschlossenen Tiefen. Die Figuren sind stilisiert, mit einer Verlängerung, die gotischen Einfluss zeigt. Nach seinem Umzug nach Berlin im Jahre 1910 schuf er schematische Kompositionen mit schneidenden Linien und unfertigen Bereichen sowie einer gewissen Verzerrung der Form. Nach und nach wurde seine Pinselführung immer nervöser, aggressiver, mit sich überschneidenden Linien, geometrischer Komposition und eckigen Formen, inspiriert von der kubistischen Zersetzung.

Nolde

Er widmete sich hauptsächlich der Malerei von Landschaften, Blumen- und Tiermotiven, mit einer Vorliebe für Rembrandt und Goya. Zu Beginn des Jahrhunderts verwendete er die trennende Technik, sehr dick und mit kurzen Strichen füllend und mit starkem chromatischem Ausdruck, beeinflusst vom Postimpressionismus. Während seines Aufenthalts bei Die Brücke verließ er den Prozess der Nachahmung der Realität und verlieh seinem Werk eine kritische Spannung, eine Spannung, die sich im Inneren des Gebäudes widerspiegelt. Dann begann er mit religiösen Themen, die sich auf die Passion Christi konzentrierten, mit Einfluss von Grünewald, Bruegel und Bosch, mit entstellten Gesichtern, einem tiefen Gefühl der Angst und großer Farbintensität.

4.3. Wiener Expressionismus

Der österreichische Expressionismus betont die Spannung der grafischen Komposition, die die Realität in einer subjektiven Weise verzerrt, oft mit erotischen oder hauptsächlich psychologischen Themen. Im Gegensatz zur akademischen Kunst des 19. Jahrhunderts und dem in Österreich vorherrschenden Impressionismus folgten die jungen österreichischen Künstler um die Jahrhundertwende den Spuren Klimts auf der Suche nach einem besseren Ausdruck, was zu Werken mit großem existenziellem, philosophischem und psychologischem Hintergrund führte, die sich mit Leben und Tod, Krankheit und Schmerz, Liebe und Sex befassten.

Kokoschka

Er schuf seinen eigenen Stil, visionär und verstört, in Kompositionen, in denen der freie Raum eine prominente Rolle spielt, ein dichter, umhüllender Raum, in dem die Figuren überflutet werden, unter Wasser schweben, in einer Strömung, die eine zentrifugale Spiralbewegung erzeugt. Das Thema war in der Regel Liebe, Sexualität und Tod, manchmal widmete er sich auch Hoch- und Querformat.

5. Kubismus: Merkmale

In der kubistischen Malerei verschwindet die traditionelle Sichtweise. Sie beschreibt die Natur durch geometrische Formen, Linien und Flächen, die zerkleinert werden. Es wird die „multiple Perspektive“ angenommen: Alle Seiten eines Objekts werden auf derselben Ebene dargestellt. Ein Sinn für Wassertiefe existiert nicht. Details werden unterdrückt, und manchmal wird nur ein einziges Objekt äußerlich dargestellt. Die Farbe verliert ihre bezeichnende Funktion, die so typisch für den Impressionismus oder Fauvismus war. Stattdessen werden gedämpfte, malerische Töne wie Grau, Grün und Braun verwendet. Der Monochromismus war in den frühen Tagen des Kubismus vorherrschend, später öffnete sich die Palette. Die in der Natur beobachteten Formen werden auf der Leinwand in vereinfachter Form, in Würfeln, Zylindern, Kugeln dargestellt. Die Schwelle des Abstrakten wurde nie überschritten, sodass die Realität immer respektiert wurde. Die Hauptthemen sind Porträts und städtische Stillleben. Das Bild erhält Autonomie und Unabhängigkeit vom dargestellten Objekt, sodass mit der Zeit alle möglichen Gegenstände auf der Leinwand zusammengefügt und genagelt werden, um Collagen zu bilden.

Künstler des Kubismus

Picasso, Braque, Gris, Miró

6. Futurismus: Merkmale

Das Hauptmerkmal des Futurismus ist die Plastizität von Dynamik und Bewegung. Die Wirkung der Übertragung dynamischer Kompositionen in lebhaften Farben, die eine multisensorische Parallele von Raum, Zeit und Klang hervorbrachten. Zuerst beanspruchten sie für die Verwirklichung ihrer künstlerischen Ziele die trennende Technik, die vom Postimpressionismus geerbt wurde, und später wurde die kubistische Technik als Abstraktionsverfahren zur Dematerialisierung von Objekten angewendet. Aus diesen Prämissen basierte die Darstellung der Bewegung auf dem Simultaneismus, d.h. der Multiplikation bestimmter Körperhaltungen, der Realisierung von Kraftlinien, der Eskalation der Aktion durch Wiederholung und Aneinanderreihung der Vorder- und Rückseite der Figur. Es wurde versucht, alle beweglichen Medien, die innere Kraft der Dinge, widerzuspiegeln, denn das Objekt ist nicht statisch. Die Multiplikation von Linien und Details, wie die Abfolge von Bildern in einem Kaleidoskop oder einem Film, kann den Eindruck von Dynamik vermitteln. Sie schaffen Rhythmen mit Formen und Farben. Dementsprechend malen sie Pferde, Hunde und menschliche Figuren mit mehreren Köpfen oder einer Reihe von radialen Armen und Beinen. Der Klang kann als eine Folge von Wellen und Farbe als eine Schwingung der prismatischen Form dargestellt werden.

Künstler des Futurismus

Giacomo Balla

7. Lyrischer Ausdruck in der Malerei

• Modigliani: Beeinflusst von Symbolismus und Manierismus, widmete er sich vor allem der Landschaft, dem Porträt und dem Akt, mit verlängerten Figuren, inspiriert von den italienischen Meistern des Cinquecento. Als Hedonist suchte er das Angenehme und Glückliche. Seine Werke betonen nachdrücklich die Umrisse fließender Linien, die Erben der modernistischen Arabeske, während der Raum durch die Gegenüberstellung von monochromen Flächen gebildet wird. Seine Porträts zeugen von großer psychologischer Einsicht, die zu einer gewissen Deformation beitrug und die Übermittlung dieser öden und melancholischen Atmosphäre seiner eigenen Vision des gequälten Bohème-Lebens.
• Chagall: Seine Werke haben einen traumhaften Charakter, ähnlich einem bestimmten Surrealismus, der die Realität nach seiner Laune verzerrt. Mit einer Reihe von erhöhten Hauptfarben, die mit dem deutschen Expressionismus in Verbindung stehen (obwohl er nicht als Expressionist gilt), populäre und religiöse Themen, mit Missverhältnis und mangelndem Interesse an der Rangfolge in der Erzählung von Fakten. Beeinflusst von Fauvismus, Kubismus und Futurismus, spielen seine Szenen in einem irrealen Raum, ohne Rücksicht auf Regeln der Perspektive oder des Maßstabs, in einer Welt, die an seine Kindheitserinnerungen und populäre russisch-jüdische Lieder erinnert, vermischt mit der Welt der Träume, Musik und Poesie. Transparenz und farbige Zeichnungen, sowie die Schaffung von Raum durch Farbe und das gleichzeitige Nebeneinander von Bildern, die durch die Zeit gehen.
• Soutine: Seine Persönlichkeit führte zu einer gewalttamen und selbstzerstörerischen Beziehung zu seiner Leidenschaft, was ihn oft dazu brachte, seine Bilder zu zerstören, und spiegelte sich in einer starken und unkontrollierten Pinselführung sowie einem öden und beängstigenden Thema wider. Seine Farbe ist intensiv, mit der ausdrücklichen Richtung der Pinselstriche, die die Gefühle des Künstlers widerspiegeln. Es zeigt sich auch in der Grundfläche der impulsiven Geste von Van Goghs Gemälden, vor allem Landschaften.

8. Geometrische Abstraktion und Bauhaus: Merkmale

Die geometrische Abstraktion ist eine Kunstform, die auf der Verwendung einfacher geometrischer Formen in Kompositionen subjektiver, unwirklicher Räume basiert, die miteinander verbunden sind. Sie entpuppt sich als Reaktion auf die übermäßige Subjektivität der Künstler früherer Zeiten, in einem Versuch, sich von rein emotionaler Distanz zu lösen. Die Kritik dieser Künstler wird durch eine übertriebene Verherrlichung der beiden Dimensionen der Bemühungen im Kampf gegen die Mehrheit der früheren Bewegungen ergänzt, die versuchten, eine dreidimensionale Realität zu schaffen.

Künstler der Geometrischen Abstraktion

• Kandinsky: Erster abstrakter Maler. Er wollte alle anekdotischen Elemente entfernen. Ein Bild, das die ikonische Anekdote durch weniger und abstraktere Elemente ersetzt. In seinem Werk verschwinden ikonische Elemente allmählich und gehen in die geometrische Abstraktion über. Er war auch sehr an der Analogie von Farben und Tönen interessiert.
• Klee: Seine geometrische Abstraktion behält einen gewissen Ikonismus bei.
• Mondrian: Die ersten Bilder, die er zeigen wird, sind eine Reihe von Gemälden, in denen die Abstraktion dunkle Szenen von Bäumen darstellt. Nach und nach wurde sein Werk reine Abstraktion. Mondrians Gemälde zeigen eine Komplexität, trotz ihrer scheinbaren Einfachheit. Er ist vor allem für seine nicht-figurative Malerei bekannt, in der er Kompositionen schuf, die aus rechteckigen Formen in Rot, Gelb, Blau oder Schwarz bestanden, getrennt durch dicke Linien.

9. Dadaismus: Merkmale

Künstlerische Bewegung, die zuerst in Europa und später in Nordamerika entstand. Sie entstand aus der Enttäuschung, die sie während des späten Ersten Weltkriegs in Europa empfanden, und später aus einer Haltung der Rebellion und Entfremdung gegenüber der sozialen Avolition, die für die künstlerische Zwischenkriegszeit charakteristisch war. Die ästhetische Tatsache negiert den Grund, den Sinn der bewussten Konstruktion. Der ständige Beitrag der modernen Kunst im Dadaismus ist die ständige Frage, was Kunst ist, das Bewusstsein, dass alles eine Konvention ist, die in Frage gestellt werden muss, sodass es keine festen Regeln und keinen legitimen Weg zur ewigen historischen Kunst gibt.

Künstler des Dadaismus

• Duchamp: Im Bereich der Skulptur leistete er Pionierarbeit bei zwei großen Brüchen des zwanzigsten Jahrhunderts: Readymade-Kunst und kinetische Kunst. Letztere bestand lediglich in der Kombination oder Anordnung beliebiger Gegenstände des täglichen Gebrauchs, wie zum Beispiel eines Urinals oder eines Flaschenhalters, die dem Wunsch des Künstlers nach Kunst entsprechen konnten. Das Readymade führte eine starke Kritik an den Institutionen und dem Fetischismus der Kunst ein, die auch innerhalb des surrealistischen Kreises gewaltige Spannungen hervorrief.
• Man Ray: Er schuf surreale Skulpturen, die im Gegensatz zur Kunst von Marcel Duchamp modelliert wurden. In den späten zwanziger Jahren begann er, Avantgarde-Filme zu drehen. Ray vermied die Produktion fruchtbarer Kategorisierungen und spiegelte seine agile und humorvolle Sensibilität wider. Zu seinen Werken gehören Gemälde und Fotos, Filme, Objekte, Collagen, Druckgrafiken, Zeichnungen, Mode-Design und Werbung.
• Francis Picabia

10. Surrealismus: Merkmale

Der Surrealismus zeichnet sich durch den reinen Automatismus aus, das heißt, jede Form des Ausdrucks, in der der Geist keine Kontrolle hat. Er versucht, durch abstrakte Formen oder bildliche Symbolik die tiefere Realität des Menschen und die unbewusste Welt der Träume zu erfassen. Dafür nutzt er Ressourcen wie die Belebung unbelebter Dinge, vereinzelte Bruchstücke anatomischer Elemente, die unpassend sind, Metamorphosen, fantastische Maschinen, die Beziehungen zwischen Knoten und Maschinen, die Evokation von Chaos, die Darstellung von Automaten und Krämpfe leerer Perspektiven.

Künstler des Surrealismus

• Joan Miró: Dies ist der höchste Vertreter des abstrakten Surrealismus, obwohl er nur eine Etappe innerhalb seiner Produktion darstellt. Seine Bilder sind voller Poesie. Er malt mit reinen und flachen Farben. Er schafft seine eigene Welt, die den Weg zur Abstraktion öffnet. Seine Bilder sind einfach, mit wenigen Strichen, wie die von Kindern. Er lehnt Perspektive, Modellierung, Hell-Dunkel und sorgfältige Ausführung ab. Er zeichnet abstrakte, einfache Zeichen, die nicht dazu dienen, eine Idee auszudrücken, sondern sich selbst genügen und aus dem Irrationalen entstehen.
• Yves Tanguy: Er stellt alle Träume dar, die sich von der Realität lösen. Horizonte, das Gefühl des unendlichen Geheimnisses und die Präsenz von Objekten ohne Entsprechung zur objektiven Realität und Anspielungen auf sexuelle Merkmale seiner Arbeit bewegen Angst und Geheimnis.
• Salvador Dalí: Seine Bilder zeigen unmögliche Figuren, die das Ergebnis seiner Fantasie sind. Er bezeichnete seine Methode als Provokation und „paranoid-kritisch“. Die erste surrealistische Phase ist wütend und säurehaltig; die Formen sind gespannt, um sie zu zerlegen oder irreführend erscheinen zu lassen. Er verwendet Anspielungen auf Sex und Paranoia. Seine weichen Uhren sind ebenfalls charakteristisch, ebenso wie prominente Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens vor einem fernen Horizont und Sehenswürdigkeiten aus Cadaqués. Später wurde sein Stil barocker.
• René Magritte: Er weist eine gewisse Ähnlichkeit mit Chirico auf und ist ein deutlich surrealistischer Symbolist. Er löst den emotionalen Schock der Farbe realistisch an unwahrscheinlichsten Orten und Momenten aus. Er führt absurde Kombinationen von Landschaften, Architektur, Skulptur, internen und externen Gegebenheiten aus. Die Show findet nicht mehr in der Zeit statt, sondern in einem Raum, in dem ein Zug ein brennendes Haus durchfährt. Die Stimme des Windes ist die Ahnung einer Bedrohung, eine Gruppe von Ballons, die schwer sind und ein Symbol für etwas, das zerdrücken kann, schweben.

Zweite Avantgarde

11. Abstrakter Expressionismus: Merkmale

Als formale Merkmale dieses Stils lassen sich erstens seine Vorliebe für große Formate feststellen. Normalerweise arbeitet er mit Öl auf Leinwand. Im Allgemeinen ist er in dem Sinne abstrakt, dass er Figurationen eliminiert. Es gibt jedoch Ausnahmen, und einige verwenden figurative Linien, in denen Figuren erscheinen. Eines der wichtigsten Merkmale des Abstrakten Expressionismus ist die Idee der allumfassenden Oberfläche des Gemäldes (All-over-Malerei), die ein offenes Feld ohne Grenzen auf der Oberfläche des Gemäldes bedeutet: den Bildraum und den Umgang mit Frontalität, es gibt keine Hierarchie zwischen den verschiedenen Teilen der Leinwand. Die Farbe ist in der Regel sehr begrenzt: Schwarz und Weiß und Primärfarben: Magenta, Gelb und Cyan. Die expressionistischen Maler, die sich auf fast eine einzige Farbe beschränkten, nahmen bereits die Minimal Art vorweg. Mehrere Faktoren haben zur Entstehung dieser Bewegung als etwas völlig Neues zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts beigetragen. Erstens stammen die formalen Elemente aus der post-kubistischen Abstraktion und dem Surrealismus. Und während der Abstrakte Expressionismus sowohl Kubismus als auch Surrealismus ablehnte, wurden sie in der Frühphase ihrer Entwicklung vor allem durch die zweite dieser Bewegungen beeinflusst. Zweitens entstand die Bewegung in den USA in einer problematischen sozialen Situation: zuerst die Krise von 1929 und die anschließende Weltwirtschaftskrise und der Zweite Weltkrieg.

Künstler des Abstrakten Expressionismus

• Karel Appel: Malerei mit pastosen und gewalttätigen Pinselstrichen, sowohl in großen Gesten als auch in der Farbe.
• Jackson Pollock: Pollock legte den Stoff, meist unbehandelt, auf den Boden und lief oder tanzte um ihn herum und in ihm, wobei er die Farbe gleichmäßig auf dieser Seite verteilte. Pollock arbeitete auf der Leinwand, aber er berührte sie oft nicht. Tatsächlich arbeitete er nicht mit traditionellen Werkzeugen wie Pinsel oder Spachtel, sondern mit der Technik des Dripping. Das Dripping ist das Tropfen oder Fallenlassen von Farbe aus einer Schale (Tube, Dose oder Kasten) mit einem Loch am Boden, die der Maler in der Hand hält oder, in geringerem Maße, von einem Stock oder Spachtel. Dieses Bild wurde nicht von Hand gemacht, sondern mit einer Geste des ganzen Körpers. Die großen Gemälde waren von allen Seiten gleichmäßig gefüllt, in Form von Farbflecken und Fäden, die sich vermischten. Der Maler hat die Tropfen mit einem dünneren Stäbchen gemacht.
• Willem de Kooning: Er führt die figurativen Arbeiten von Pollock fort, die er nicht als Mittelding zwischen Figuration und Abstraktion ansieht, sondern als sowohl repräsentativ als auch gestisch. Ab 1946 malte er abstrakte biomorphe Figuren. Seine Arbeit konzentrierte sich zunächst auf die Darstellung der männlichen Figur, widmete sich aber seit 1950 seiner bekanntesten Serie, den Damen. Die weibliche Figur wurde dank enormer Brüste identifiziert und ihre Aggressivität war ein Symbol für Fruchtbarkeit und mütterliche Nahrung, aber auch für Erotik für Frauen oder für Männerfresserinnen. Er verwendet grundlegende, anschauliche und lebendige Farben, wobei Schwarz und Weiß ihm dienen, Berührungen, die die Figuren hervorheben. Seine Schläge waren heftig, die Farbanwendung sehr impulsiv.
• Franz Kline: Reine Schwarz-Weiß-Malerei, obwohl manchmal verschiedene Schattierungen der beiden Farben eingeführt wurden.
• Mark Rothko
• Yves Klein

12. Informel in Europa: Besonderheiten

Es ist eminent ausdrucksvoll in Öl, mit großen Füllungen und Brüchen. Es flieht vor der bildenden Kunst, die nicht in den geometrischen Abstraktionismus übergeht, und sucht die Echtheit des Gemäldes, den reinen Akt des Malens, das heißt, Kalligraphie, Formen, Flecken. Kurz gesagt, den Ausdruck der inneren Welt des Künstlers.

Künstler des Informel

• Dubuffet: Er wollte eine Kunst schaffen, die frei von intellektuellen Belangen ist, mit grundlegenden und kindlichen Formen und oft grausamen, närrischen, krankhaften oder unmenschlichen Zeichen, deformierten Formen, die absurd und grotesk wirken. Viele von Dubuffets Werken wurden mit Ölen und mit Stoff verstärkten Materialien wie Sand, Teer und Stroh hergestellt, wodurch das Werk eine ungewöhnlich strukturierte Oberfläche erhielt.
• Fautrier
• Manolo Millares: Er sprach von der gequälten Menschheit. Manolo Millares schuf seine Arpilleras mit ihren gebrochenen Körnern und dichten Pigmentfismos. Millares brach mit der traditionellen Leinwand und zerstörte Arpilleras, verwendete Schwarz, Weiß und Rot, um seine tiefe Trauer auszudrücken und war in seinem Werk eminent anthropozentrisch. Seine Augen konzentrierten sich auf die Figur in der Aborigines- und Archäologiekunst und auf die Möglichkeit einer Kunst aus den Trümmern des Menschen.
• Lucio Muñoz: Die Verwendung von Materialien unterschiedlichster Art, wie verbranntem Papier, Holz, unter anderem. Die Unterstützung wird von ihm als wesentlich angesehen. Lucio bohrte, riss, schnitt, dieser Ansatz ist die Zwanglosigkeit. Seine Werke, meist farbenfroh, aber mit einer Dominanz von Schwarz, entsprechen den reinsten Vertretern der Zwanglosigkeit.

13. Materielle Informel: Merkmale

Die Tendenz der informellen Abstraktion oder des Informel, die Teil der figurativen Kunst ist, verbindet und integriert in ihrer bildlichen Darstellung Medien, Plastik und verschiedene Materialien, um ein breites Spektrum von Texturen auf der Oberfläche zu erreichen und die Möglichkeiten der Materie zu erforschen. Sie bewertet die Dicke der pastosen Aufträge.

Künstler der Materiellen Informel

• Tàpies: Die Werke von Tàpies zeichnen sich dadurch aus, dass er seine vielfältigen Materialmischungen in den Kompositionen anwendet, die die Kohärenz von Wänden oder Mauern annehmen, die zu prägenden Elementen werden, indem er verschiedene Zeichen hinzufügt, die den kommunikativen Charakter des Werkes betonen, ähnlich der populären Kunst des Graffiti. Diese Konsistenz hat Tàpies schon immer als „Wand“ bezeichnet, da er seinen Stil gerne mit der Etymologie seines eigenen Nachnamens in Verbindung bringt. Seine primäre Bedeutung im Werk von Tàpies sind ikonische Zeichen, die durch verschiedene Zeichen wie Kreuze, Monde, Sternchen, Buchstaben, Zahlen, geometrische Figuren ergänzt werden. Eine weitere Besonderheit bei Tàpies ist die strenge chromatische Palette, die sich in der Regel im Bereich strenger, kalter, trüber Farben wie Ocker, Braun, Grau, Beige oder Schwarz bewegt. Tàpies verwendet Pigmente, die traditionelle Kunsttechniken mit Materialien wie Sand, Stoff, Stroh usw. mischen, wobei Collage und Montage überwiegen und eine Webart, die dem Relief nahekommt.
• Burri: Technik der Collage und Montage verschiedener Materialien. Burri entnahm Materialien aus dem Alltag, die wenig orthodox waren, wie Sackleinen oder Teer. Er begann eine Reihe von Gemälden, die in dreidimensionale Werke umgewandelt wurden. Seit 1952 sind seine ersten Gemälde auf Taschen. Er produzierte Werke, die mit Holz, Metall und Kunststoffrahmen experimentierten, mit verkohltem Holz und Leinwand, später mit geschweißten Stahlplatten getestet. Es gibt auch Leinwände mit gebrochenem Sackleinen und verbranntem Papier. Die Erfahrungen mit brennenden synthetischen Materialien, wie Kunststoff, der gefaltet, gebogen und mit einer Fackel verbrannt wurde.
• Cuixart
• Saura

14. Kinetische Kunst: Merkmale

Tendenz zeitgenössischer Gemälde und Skulpturen, die geschaffen wurden, um einen Eindruck von Bewegung zu erzeugen.

Künstler der Kinetischen Kunst

Victor Vasarely, Bridget Riley

15. Pop Art: Besonderheiten

Bewegung, die durch die Verwendung von Themen und Techniken gekennzeichnet ist, die auf Zeichnungen aus der „Populärkultur“ basieren, z. B. Anzeigen, Comic-Bücher und „weltliche“ Kulturgüter.

Künstler der Pop Art

• Jasper Johns: Werke, die sich auf Themen wie amerikanische Flaggen, Zahlen und Buchstaben des Alphabets in der Schule konzentrieren. Er malte mit Objektivität und Präzision, wobei er dicke Farbschichten auftrug, sodass das Bild selbst zu einem Objekt wurde und nicht nur die Reproduktion von Objekten.
• Lichtenstein: Bilder von Karikaturen und Techniken aus dem kommerziellen Druck. Eine Serie von Comic-Vignetten mit minimalen Änderungen, direkt mit Bleistift auf die vorbereitete Leinwand gezeichnet und in Öl gemalt. Er begann mit Bildern des Konsums und der Werbung, die an Aufgaben erinnern.
• Warhol: Entwicklung persönlicher Bilder von völlig unpersönlichen Objekten, wie Dollarnoten oder neuen Modeartikeln. Er verwendete typische Bilder der Massenmedien, Zeitungen und Plakatwände, Fernsehen, aber vor allem, um eine bestimmte Verbindung zu den Symbolen der amerikanischen Kultur zu definieren.

16. Hyperrealismus: Merkmale

Künstler versuchen, ein realistisches Aussehen zu erzielen, mit radikalen Verismen, einer Abschrift der Realität mit der technischen und fotografischen Bearbeitung von Bildern. Sie erreichen mit Ölmalerei oder Bildhauerei denselben Rahmen, bieten Detailreichtum und Fotografie.

Künstler des Hyperrealismus

Antonio López

17. Neoexpressionismus: Merkmale

Der Neoexpressionismus zeichnet sich durch seine Aggressivität, seine schonungslosen Themen und die Verwendung von erkennbaren Bildern wie dem menschlichen Körper aus, der in der Regel ausreichend gezeichnet ist. Der Neoexpressionismus ist bekannt für große Werke, mit einer aggressiven Technik, dem „Dripping“, einem heftig gestischen Pinselstrich auf der Leinwand. Generell figurative Arbeiten, ohne die Abstraktion abzulehnen. Sie verwenden umfangreiche Farbbereiche mit intensiven Farbkontrasten.

Künstler des Neoexpressionismus

Miquel Barceló

18. Neue Figuration: Merkmale

Eine Rückkehr zur figurativen Malerei vor der Abstraktion, obwohl der Maler das Thema auf informelle und expressionistische Weise behandelt. Rückkehr zum Objekt und zur täglichen Realität. Wieder Darstellung der Realität („Ikonizität“), vor allem der menschlichen Figur, aber mit den Techniken des Informel. Oft mit einem Gefühl des sozialen Protests. Abgebildete expressionistische Tendenzen bei der Annahme organischer, deformierter oder monströser Formen.

Künstler der Neuen Figuration

Francis Bacon, Juan Genovés, Guillermo Pérez Villalta, Luis Gordillo