Kunstgeschichte: Nike von Samothrake & Michelangelos David

Die Nike von Samothrake: Meisterwerk der Hellenistischen Kunst

Hintergrund und Eckdaten

Die Nike von Samothrake ist ein herausragendes Beispiel hellenistischer Plastik. Sie wurde um 190 v. Chr. geschaffen, ist 2,45 m hoch und befindet sich heute im Louvre-Museum in Paris. Die Urheberschaft wird dem Bildhauer Pithokritos von Rhodos zugeschrieben.

Die Skulptur ist ein Originalwerk, das ursprünglich in der Wallfahrtsstätte der Kabiren auf Samothrake stand. Sie ist aus Marmor gefertigt und als Freiplastik konzipiert. Die Nike thronte spektakulär auf dem Bug eines steinernen Schiffes, das auf dem Gipfel eines Felsenschreins errichtet wurde. Wahrscheinlich befand sich zu ihren Füßen ein Brunnen, in dessen Wassern sich die Statue spiegelte.

Darstellung und Ikonografie

Die Skulptur stellt eine Nike oder Victoria dar, die römische Göttin des Sieges, als geflügelte Frau. Sie landet gerade kraftvoll auf dem Bug eines Schiffes. Obwohl Kopf und Arme der Statue verloren sind, sind ihre imposanten Flügel und die vom Wind um ihren Körper gewirbelten Gewänder noch erhalten. Sie trägt einen dünnen, durchsichtigen Chiton, der an der Brust geknotet ist und den Stoff eng an den Körper drückt. Die unzähligen Falten des Gewandes, die durch den leichten Luftstrom um ihren Körper entstehen, betonen Brust und Bauch und unterstreichen die schönen, runden Formen. Ihr Gewicht ruht auf dem rechten Bein, während das linke Bein in einer fließenden, wellenartigen Bewegung nach hinten gestreckt ist.

Komposition und Dynamik

Die Komposition der Nike von Samothrake ist offen und zeichnet sich durch die Verwendung von Diagonalen und Kurven aus, die eine dynamische Spannung erzeugen. Von vorne betrachtet, dreht sich die Figur und mündet in den langen Kurven der beiden Flügel. Eine Seitenansicht offenbart eine starke diagonale Linie, die vom Bein bis zum (verlorenen) Kopf reichen würde. Die Dynamik der Komposition wird durch die vielfältigen und zarten Rundungen ihres Gewandes verstärkt. Die ungestüme Bewegung der Nike drückt sich im flatternden und fliegenden Tuch sowie in den weit ausgebreiteten Flügeln aus. Der Bildhauer wollte den genauen Moment der Landung festhalten.

Modellierung und Detailreichtum

Die Modellierung der Formen ist von großer Ausdruckskraft. Dem Künstler gelang es, die Auswirkungen des Windes auf den Körper der Göttin perfekt darzustellen, was von einem hohen technischen Können und einer präzisen anatomischen Studie zeugt. Brüste, Bauch und die unterschiedliche Dicke der Beine sind fachgerecht umrissen. Die leichte Kleidung aus "feuchten Tüchern" schmiegt sich an ihren Körper, verleiht den Formen Sinnlichkeit und Geheimnis und betont die Schönheit des Nike-Körpers. Das Spiel von Licht und Schatten wird durch die tiefen Falten des Gewandes verstärkt, wodurch starke Kontraste entstehen. Die Ausführung des Werkes ist raffiniert und virtuos; die verschiedenen Texturen (Stoffe, Flügelfedern etc.) sind hervorragend ausgearbeitet.

Stilistische Merkmale der Hellenistischen Kunst

Die Nike von Samothrake weist alle Merkmale der hellenistischen Kunst auf, der letzten Periode der griechischen Skulptur. Dazu gehören:

• Kompositorische Komplexität
• Theatralische Illusion und Pathos
• Monumentalität und Größenwahn
• Abkehr vom klassischen Realismus zugunsten von Ungleichgewicht und Bewegungslust
• Dramatische Spannung
• Sinnlichkeit und Schönheit
• Herausragendes technisches Können

Der Bildhauer greift auf frühere klassische Modelle zurück; so ist der Einfluss des Phidias in der Technik der "nassen Tücher" erkennbar, jedoch mit einem stärkeren Fokus auf Realismus.

Funktion und Symbolik

Die Skulptur diente der Erinnerung an eine Seeschlacht, in der Rhodos den syrischen König Antiochos III. besiegte. Sie symbolisiert den Sieg.

Der Bildhauer Pithokritos und die Schule von Rhodos

Das Werk, eines der schönsten der antiken Welt, wird dem Bildhauer Pithokritos zugeschrieben, einem wenig bekannten Künstler der Schule von Rhodos. Diese Schule war eine der führenden in der hellenistischen Zeit (3. bis 1. Jahrhundert v. Chr.) und brachte auch berühmte Werke wie den Koloss von Rhodos (eines der sieben Weltwunder der Antike) sowie die Skulpturengruppen des Laokoon und seine Söhne und des Farnesischen Stiers hervor.

Der Hellenismus: Eine Epoche des Wandels

Nach den Eroberungen Alexanders des Großen verbreitete sich die griechische Kultur und verschmolz mit östlichen Einflüssen, was zu einer neuen Kultur des Luxus und ästhetischer Raffinesse führte. Dies wird oft als die barocke Phase des Hellenismus bezeichnet. Diese Epoche zeichnete sich durch eine enorme Vielfalt an Geschmäckern aus, die sowohl Idealismus als auch Realismus, Schönheit und Hässlichkeit, das Dramatische und das Alltägliche umfasste. Es wurden alle Lebensphasen des Menschen dargestellt (Kinder, ältere Menschen). Die Auftraggeber waren die Reichen und Mächtigen der damaligen Zeit.

Analyse: Michelangelos David

1. Materialanalyse

Die Skulptur ist aus einem einzigen, großen Marmorblock gefertigt, was die bildhauerische Schwierigkeit erheblich erhöht. Das Werk weist keine nachträglichen Ergänzungen oder die Verwendung anderer Materialien auf.

2. Formale Analyse

Michelangelos David folgt den Prinzipien der klassischen Bildhauerei, was sich im Kontrapost und der bekannten Praxitelischen S-Kurve zeigt. Doch dieser formale Idealismus wird durch eine tiefe Ausarbeitung der Haare, starke Licht-Schatten-Kontraste und einen konzentrierten Gesichtsausdruck ergänzt, der vom reinen griechischen Klassizismus abweicht.

3. Inhaltliche und Symbolische Analyse

Was dieses Werk vom griechisch-römischen Klassizismus unterscheidet, ist sein Thema: Es stellt eine Figur aus dem Alten Testament dar, David. Die Geschichte von David, einem jungen Mann, der durch Intelligenz und einen präzisen Schleuderwurf den Riesen Goliath besiegt und damit göttlichen Schutz beweist, wurde später zum Symbol dafür, dass Mut und Weisheit größer sein können als bloße Kraft. Diese Symbolik wurde später genutzt, um die Werte der politischen Macht zu verkörpern.

Fazit

Die Inspiration durch klassische Modelle, kombiniert mit einem christlichen Thema, lässt darauf schließen, dass es sich um ein Werk der italienischen Renaissance handelt. Die formale Perfektion und Ausdruckskraft legen nahe, dass es sich um Michelangelos David handelt, der heute hauptsächlich in der Galleria dell'Accademia in Florenz aufbewahrt wird.

Michelangelo Buonarroti: Leben und Werk

Michelangelo Buonarroti war ein italienischer Künstler, geboren 1475 im späten 15. Jahrhundert und gestorben 1564 in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Er wurde in Florenz ausgebildet, wo er antike Werke kopierte. Später ging er nach Rom, wo er die Ausgrabung des Laokoon miterlebte – ein Werk, das ihn durch seine Ausdruckskraft, Bewegung und die Darstellung der Muskulatur tief beeindruckte.

Michelangelos Wirken in Rom

In Rom wurde Michelangelo nach Bramante zum Architekten der Peterskirche im Vatikan ernannt. Sein wichtigster Beitrag war der Bau der Kuppel und die Änderung des ursprünglichen Kirchenplans: Während Bramante einen gleichschenkligen Grundriss in Form eines griechischen Kreuzes entwickelte, verlängerte Michelangelo die Längsachse, wodurch der zentralisierte Charakter des Baus verloren ging.

Ebenfalls in Rom änderte er die Planung eines der charakteristischsten Bereiche des Kapitols (Campidoglio), indem er eine große Treppe und einen Platz schuf.

In Rom beauftragte ihn auch Papst Julius II. mit der Gestaltung seines Grabmals und der malerischen Dekoration der Sixtinischen Kapelle. Die Gewölbe schmückte er mit Themen aus dem Alten Testament, wie der Schöpfungsgeschichte, und Figuren aus der klassischen Welt, wie den Sibyllen, die als Vorboten der Geburt Christi galten. An der Altarwand malte er das Thema des Jüngsten Gerichts.

Michelangelos Wirken in Florenz

Auf Anfrage der Medici-Familie baute Michelangelo in Florenz die Neue Sakristei der Kirche San Lorenzo, die als Pantheon für die Familienmitglieder dienen sollte. Die skulpturale Gestaltung dieses Grabmals wurde emblematisch und schuf Modelle, die später großen Einfluss hatten: die Allegorien von Aurora (Morgenröte), Tag, Dämmerung und Nacht.

In diesen Werken ist einer der größten Beiträge Michelangelos zur Skulptur deutlich erkennbar: die Kunst des "Non-finito" (des Unvollendeten). Dabei werden Formen nur angedeutet, der Marmor ist nur teilweise bearbeitet, mit hochglanzpolierten Bereichen. Dies sollte die Tiefe und Ausdruckskraft der Darstellung erhöhen.

Auch die Biblioteca Laurenziana in Florenz wurde von ihm gebaut.

Ausgewählte Skulpturen Michelangelos

Zu den repräsentativsten Skulpturen Michelangelos gehören:

• Die Madonna an der Treppe: Dieses Jugendwerk, aufbewahrt in Florenz, zeigt bereits typische Merkmale Michelangelos: die Tendenz zur Darstellung großer, muskulöser Figuren und die Technik, Tiefe durch flache, mittlere und hohe Reliefs darzustellen.
• David: Aus einem einzigen Marmorblock gehauen, symbolisiert diese Skulptur den Sieg der Stadt Florenz über ihre Nachbarstädte.
• Pietà: Ein häufiges Thema bei Michelangelo. Die bekannteste ist die Vatikanische Pietà, die sich durch große formale Ausgewogenheit auszeichnet. Weitere Pietàs sind die im Dom von Florenz, die Rondanini Pietà und die Palestrina Pietà.
• Skulpturen für das Grabmal Julius' II.: Dazu gehören die sogenannten Sklaven und Moses. Diese Werke zeigen eine Besonderheit von Michelangelos Skulpturen, die als "Terribilità" bezeichnet wird – ein Ausdruck, der die innere Stärke und Erhabenheit der dargestellten Figuren vermittelt.

Michelangelos Erbe

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Michelangelo einer der größten Vertreter der italienischen Renaissance war, einer Kunstbewegung, die sich im 15. und 16. Jahrhundert entwickelte. Ihre Grundprinzipien waren die Rückkehr zu klassischen Modellen, der Anthropozentrismus und der Individualismus, die die Schaffung origineller Werke ermöglichten. Künstler wie Raffael, Leonardo da Vinci und Michelangelo schufen Werke, die spätere Generationen von Künstlern nachhaltig inspirierten.