Kunstgeschichte: Renaissance in Italien und Spanien

Italienisches Quattrocento

Anfang des fünfzehnten Jahrhunderts gibt es in Florenz eine **radikale** Verarbeitung formaler und inhaltlicher Aspekte und der Rolle von Kunst und Künstler.

Architektur im 15. Jahrhundert

Die erste Wiedergeburt in der Architektur ist ein Bruch mit dem Mittelalter.

Zwei Grundprinzipien: konstruktive Elemente aus der klassischen Antike und die Suche nach der räumlichen Einheit. Also werden wieder der Bogen, Säulen und Pilaster mit den klassischen Ordnungen, Gesimse und Kassettendecken in der Dekoration verwendet.

Die räumliche Einheit wird mit einer berechneten Harmonie und mit der Transparenz in den Räumen erreicht, dies ermöglicht die Verwendung von verschiedenen Grundrissmodellen. Es gibt sowohl zentrale als auch längliche Anlagen mit gewölbten, halbkugelförmigen und ogivalen Kuppeln. Die Wand erhält eine tektonische Funktion, immer in bunter Dekoration, bunte Glasmurmeln, Freiheit in der Ornamentik, Tierspuren, Pflanzen und Menschen mischen sich, was die korinthischen Kapitelle oder Verbindungen mit anthropomorphen Themen bereichert. Die markante äußere Dekoration mit farbigem Marmor wird zum Beispiel am Heiligen Grab verwendet.

Brunelleschi: ein typischer Künstler der Renaissance. Die Kuppel des Doms von Florenz ist ein Werk, das ihn fast bis zum Ende seines Lebens beschäftigen wird. Mit dieser Arbeit legt er den Grundstein für die Renaissance-Architektur, die Einführung eines Systems der Verhältnismäßigkeit und Harmonie auf das Maß des Menschen.

Alberti: der zweite große Architekt des Quattrocento. Seine Ausbildung erhält er in Rom, in Florenz findet er in Brunelleschi den wahren Meister. Ein Beispiel ist die Fassade der Kirche Santa Maria Novella. Er ist ein typischer Renaissance- und Humanismus-Mensch: Dichter, Architekt, Wissenschaftler, Stadtplaner.

Skulptur im 15. Jahrhundert

Die Suche nach der Wahrheit in der Darstellung des Körpers erklärt das Interesse an der Anatomie des Menschen in der Renaissance. Es gibt ein Gefühl der Verhältnismäßigkeit, deren Kanon die Größe des Körpers mit 9-10 Köpfen festlegt. Nacktheit gewinnt an Bedeutung in mythologischen Themen, Vorliebe für die Darstellung der Natur. Verschiedene Genres: Statue, Rondelle, Relief, Büste, sowie verschiedenste Materialien: Marmor, Terrakotta, Bronze, Stein, Gips und Holz. Neben großen Namen wie Ghiberti und Donatello gibt es zahlreiche Künstler wie Jacopo della Quercia oder Verrocchio.

Ghiberti: Goldschmied, Bildhauer, Kunsttheoretiker und Architekt. Er begann als Goldschmied zu arbeiten, wurde aber bald berühmt, nachdem er den Wettbewerb in den Reliefs des Baptisteriums von Florenz vor Brunelleschi gewonnen hatte. Er teilte sich mit ihm den Bau des Doms von Florenz. Er war ein sehr raffinierter Bildhauer. Man sagte ihm nach, dass seine Arbeiten nicht mit einem Meißel, sondern mit einem Hauch zu entstehen schienen. Er hatte einen jungen Gehilfen, Donatello.

Donatello: Er führte das Volkstümliche in die Skulptur ein. Als Mann des Volkes erlernte er das Handwerk durch die Arbeit in Werkstätten, bis er in den Kreis von Ghiberti eintrat. Beachten Sie das geschnitzte Kruzifix von Santa Croce aus Holz, dem Brunelleschi vorwarf, einen Bauern ans Kreuz gehängt zu haben. Dies zeigt den idealisierenden Trend von Brunelleschi und den Realismus von Donatello.

Malerei im 15. Jahrhundert

Die Malerei ist besorgt über die visuelle Darstellung der Natur und findet in der Antike ihre Inspiration. Ein ständiges Anliegen ist die Perspektive, mit der Experimente durchgeführt werden, die zur geometrischen oder linearen Perspektive führen. Interesse an der naturalistischen Darstellung, für die Volumen. Besonders in einem klassischen, idealisierten Naturalismus, Harmonie in den Werken, in der Regel in einem dreieckigen Grundriss, harmonische Nutzung von klarem Licht, Oberlicht. Vielzahl von Themen: religiöse oder allegorische. Technisch vielfältig: Fresko, Öl, Tempera.

Masaccio, Botticelli, Piero della Francesca, Fra Angelico. Sonstige: Mantegna und Uccello.

Italienisches Cinquecento

Der Name Cinquecento bezieht sich auf den zweiten Zyklus der Renaissance in Italien. Während des Cinquecento blieben bestimmte Aspekte der Frührenaissance bestehen, es gab weiterhin ein Interesse an der Antike, ein anthropozentrisches Modell und die Wissenschaft wurde verbessert.

Skulptur im 16. Jahrhundert

Es bleibt der klassische Sinn des Quattrocento erhalten, Balance und Harmonie. Als thematische Motive bleibt die Symbiose zwischen dem Sakralen und der Mythologie, die ständige Suche nach der Bewegung, die Erschütterung der Komposition und die Monumentalität, die ihre endgültige Synthese in den frühen Werken von Michelangelo findet.

Architektur im 16. Jahrhundert

Im Bereich der Architektur sticht der Bau neuer Paläste hervor, die prächtiger als im vorigen Jahrhundert sind, und die neuen Tempel suchen einen anderen Ansatz mit der Zentralisierung der Grundrisse. Die Arbeit des neuen Vatikans ist ein Meilenstein.

Andrea Palladio

Malerei im 16. Jahrhundert

Die Malerei des sechzehnten Jahrhunderts befindet sich in voller Eroberung des Klassizismus. Die Malerei erreicht eine Höhe von unvergleichlicher Fülle durch das Zusammentreffen einiger Talente wie Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo. Die Chronologie dieser Periode zu Beginn des sechzehnten Jahrhunderts ist reduziert, in Rom, der Hauptstadt der Kunst, sowie in Venedig, wo eine eigenartige Schule der Malerei entsteht, die von Giorgione und Tizian angefangen und durch andere weitergeführt wird.

• Leonardo Da Vinci: Der Mohr, Die Heilige Anna mit der Jungfrau, Das letzte Abendmahl.
• Raffael: Die Disputation des Allerheiligsten Sakraments

Manierismus

Es handelt sich um einen relativ neuen Begriff, da die Kunst erst weit im 20. Jahrhundert als solche betrachtet wurde. Vasari hatte bisher eine hohe und eine niedrige Renaissance unterschieden, um frühere und spätere Werke von Michelangelo zu unterscheiden, wobei letztere als dekadent angesehen wurden. Der Name Manierismus stammt vom italienischen"manier" ab, was sich auf eine ganz persönliche Art und Weise bezieht und mit einem tiefen geistlichen Sinn des Verstehens von Kunst verbunden ist. Seine Chronologie beginnt mit den neuesten Werken von Raffael und den ersten von Michelangelo, die als Ausgangspunkt eines persönlichen Bruchs in Bezug auf die klassische Sprache angesehen werden sollten. Trotz der Bedeutung von Michelangelo für die Entwicklung des neuen Stils gibt es auch ursprüngliche Zustände des Manierismus in Florenz, die sogar noch früher in Rom und Raffael zu finden sind. Die Hauptrolle spielen Pontormo und Rosso. Seitdem sieht die italienische Kunst des 16. Jahrhunderts so aus: die Spannung gegen das klassische Gleichgewicht, die Volumetrie gegen die Leichtigkeit, die Expressivität gegen den Idealismus, der überwältigte Raum, in welchem Umfang, das Licht vor dem homogenen, lebendigen, intensiven Chromatismus gegen Angst und milde Überraschung.

Michelangelo: Architektur: Treppenhaus der Biblioteca Laurenziana. Skulptur: Die Pietà, Moses. Malerei: Gewölbe der Sixtinischen Kapelle.

Andere italienische Manieristen:

• In der Bildhauerei: Cellini
• In der Malerei: Tintoretto

Architektur in Spanien

Die Gotik litt in den letzten Jahren des 15. Jahrhunderts unter einem dekorativen Bereicherungsprozess. Das Werk der Barmherzigkeit ist sehr gründlich, es fügt Dekoration hinzu, um alle Flächen zu bedecken. Gebäude der Familie Mendoza beginnen, Elemente der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts einzuführen. Der Einfluss der italienischen Nachrichtenagentur und das Wissen der neuen Motive führen dazu, dass diese neue Sprache die Gebäude durchdringt, ohne ihre gotische Organisation aufzugeben. Die Überlastung der Ornamentik, die die Gebäude aussehen lässt, als wären sie von einem Silberschmied gemeißelt worden, diente dazu, den Begriff plateresco zu prägen, um diese Zeit zu bezeichnen. In der zivilen Architektur stechen Lernzentren wie die Universität von Salamanca hervor. In der religiösen Architektur sollte die Fassade des Klosters von San Esteban erwähnt werden. Der Anteil ist nun bestrebt, das Gleichgewicht und die Lösung von strukturellen Problemen zu finden, die nicht mit gotischen, regelmäßigen und symmetrischen Grundrissen behandelt werden. Verwendung des Bogens und eines Tonnengewölbes mit Kassettendecken. Dekorative Elemente: Säulen. Das Endergebnis sind ausgeglichene, nüchterne und monumentale Gebäude. Später sticht in der zivilen Architektur der Monterrey-Palast hervor, ein Werk von Hontañón. Während der Herrschaft von Philipp II. ist der Bau von El Escorial ein Beispiel für Strenge.

Malerei in Spanien

Der Einfluss der flämischen Malerei in Spanien reicht weit ins sechzehnte Jahrhundert. Der Realismus der Kompositionen, die Klarheit und die Liebe zum Detail wurden geschätzt, weil sie dazu dienten, eine Botschaft mit religiösem Inhalt zu vermitteln. Italienische Innovationen gelangen nach Spanien, wobei das Thema religiös bleibt. Die Kirche erhält den größten Teil der Kundschaft. Mythologische Gemälde sind auf ganz bestimmte Kreise im Zusammenhang mit der königlichen Familie und hohen Würdenträgern beschränkt. Das Porträt scheint eng mit den einflussreichsten Personen verbunden zu sein. In den letzten Jahren des fünfzehnten Jahrhunderts und zu Beginn des sechzehnten Jahrhunderts erhält Spanien die Einflüsse des italienischen Quattrocento. Valencia ist das erste Werk, das das italienische Label in der Verwendung von Renaissance-Architekturen, Grotesken, Anatomie und ausgewogenen Kompositionen aufweist. In Kastilien verbindet Pedro Berruguete spanische Formen mit der Darstellung von so prominenten Themen wie der Aussicht. Die Verbreitung der Kompositionen von Raffael und Michelangelo prägte die Arbeit in Spanien. Juan de Juanes in Valencia nimmt die Modelle von Raffael auf, in Kastilien folgt Berruguete dem Manierismus von Michelangelo in der Malerei. Während der Herrschaft von Philipp II. wurden Werke flämischer und italienischer Herkunft gefördert. Aus Italien kommen andere Maler, die am Escorial teilnahmen, wie El Greco.

Skulptur in Spanien

Die spanische Renaissance-Skulptur ist eine Fusion zwischen Gotik und italienischen Entwicklungen. Konfrontiert mit der Eleganz und Sinnlichkeit der europäischen manieristischen Formen und der Mythologie, ist die religiöse Skulptur hier sehr gefragt. Holz, seit dem Mittelalter für seine niedrigen Kosten und seine plastische Qualität verwendet, ist das Material schlechthin. Es konnte polychromiert werden, was der Skulptur Farbe und ein größeres Gefühl der Wirklichkeit verlieh. Einige Künstler nutzen den Schlamm, um polychrome Ergebnisse zu erzielen, die denen von Holz ähneln. Grabdenkmäler wurden in Bronze und Stein gearbeitet. Wände und Decken sind mit Szenen und ornamentalen Verzierungen versehen. Die Skulptur ist selten öffentlich oder monumental, sie konzentriert sich auf die Religion. Im frühen sechzehnten Jahrhundert arbeiten einige italienische Bildhauer in Spanien und verbreiten die Formen des Renaissance-Klassizismus.

• Ordoñez und Diego de Siloé: voll-Renaissance-Skulpturen, elegant, und gehen auf die Stärke der großen Meister ein.
• Berruguete: Seine Skulptur ist von einem starken Gefühl der Expressivität gekennzeichnet, in der reinsten Suche nach Bewegung des Manierismus.
• Juan de Juni: Seine Formen sind geräumig, monumental und natürlich.
• Gaspar Becerra: Formen von Michelangelo