Kunstwerke im Fokus: David und die Dame von Elche

Analyse: Michelangelos David

1. Materialanalyse

Der David ist eine Skulptur, die aus einem einzigen, großen Marmorblock gemeißelt wurde, was ihre skulpturale Bearbeitung besonders anspruchsvoll macht. Es wurden keine zusätzlichen Materialien verwendet.

2. Formale Analyse

Die Skulptur folgt den Prinzipien der klassischen Bildhauerei, was sich in der Darstellung der Gelenke, dem Kontrapost und sogar der bekannten S-Kurve, wie sie aus Praxiteles' Werken bekannt ist, zeigt. Jedoch verbindet sich dieser formale Idealismus mit einer tiefen Ausarbeitung des Haares, die Kontraste von Licht und Schatten sucht, und einer gewissen ausdrucksstarken Konzentration im Gesicht, die in der klassischen griechischen Kunst so nicht zu finden wäre.

3. Aussagekräftige Analyse

Was das Werk vom griechisch-römischen Klassizismus unterscheidet, ist das Thema, da es eine Figur aus dem Alten Testament, David, darstellt. Die Geschichte von David, einem jungen Mann, der göttlichen Schutz erhielt, um den Riesen Goliath mit seiner Intelligenz und einem präzisen Schleuderwurf zu besiegen, wird zum Symbol dafür, wie Mut und Weisheit größer sein können als bloße Kraft. Diese Darstellung wurde später genutzt, um die Werte politischer Macht zu veranschaulichen.

Fazit

Der Trend der Inspiration durch klassische Modelle, jedoch mit christlichen Themen, lässt uns glauben, dass dies ein Werk der italienischen Renaissance ist. Die formale Perfektion und Ausdruckskraft lassen uns vermuten, dass es sich um ein Werk Michelangelos handelt, insbesondere um den David, der im Museum der Accademia in Florenz aufbewahrt wird.

Kommentar zu Michelangelo

Michelangelo war ein italienischer Künstler, geboren im späten 15. Jahrhundert (1475) und gestorben in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts (1564). Er wurde in Florenz ausgebildet, wo er antike Werke kopierte. Später ging er nach Rom, wo er die Restaurierung des Laokoon besuchte, ein Werk, das ihn mit seinem Ausdruck, seiner Bewegung und muskulösen Darstellung beeindruckte. In Rom wurde er nach Bramante zum Architekten der Bauarbeiten an der Peterskirche im Vatikan. Sein wichtigster Beitrag war der Bau der Kuppel und die Änderung des Kirchengrundrisses. Während Bramantes Projekt ein griechisches Kreuz mit vier identischen Armen vorsah, verlängerte Michelangelo stattdessen den Längsarm, wodurch der zentralisierte Charakter des Grundrisses verloren ging. Ebenfalls in Rom gehörte die Umgestaltung des Kapitols (Campidoglio) zu seinen charakteristischen Beiträgen zur Stadtplanung, indem er eine große Treppe und einen Platz schuf. Auch in Rom übertrug ihm Papst Julius II. sein Grabmal und die malerische Ausgestaltung der Sixtinischen Kapelle. Er schmückte die Gewölbe mit Themen des Alten Testaments, wie der Schöpfung, und der klassischen Welt, wie Sibyllen, als Vorboten der Geburt Christi. An der Wand malte er das Thema des Jüngsten Gerichts. In Florenz baute er auf Anfrage der Medici die Neue Sakristei der Kirche San Lorenzo, die als Pantheon für die Mitglieder dieser Familie dienen sollte. Die skulpturale Gestaltung dieses Grabmals wurde emblematisch und schuf widersprüchliche Modelle, die später großen Einfluss hatten: die Aurora, der Tag, die Dämmerung und die Nacht. In diesen Werken ist eindeutig einer der größten Beiträge Michelangelos zur Skulptur zu sehen: die Kunst des „non finito“ (des Unvollendeten). Dabei werden Bereiche, in denen Formen nur angedeutet sind, mit hochglanzpolierten Marmorflächen kombiniert. Dies sollte die Tiefe und Ausdruckskraft der Darstellung erhöhen. Auch in Florenz baute er die Biblioteca Laurenziana.

Repräsentative Skulpturen Michelangelos

• Die Madonna an der Treppe: Dieses Jugendwerk, das in Florenz aufbewahrt wird, zeigt bereits einige der Merkmale von Michelangelos Figuren, die zu großer Muskelentwicklung und einer Technik der Tiefendarstellung mit Flächen in Nieder-, Mittel- und Hochrelief neigen.
• Der David: Aus einem einzigen Marmorblock gehauen, symbolisiert er den Sieg und die Verteidigung Florenz' gegen benachbarte Städte.
• Die Pietà: Dies ist ein sehr wiederkehrendes Thema für Michelangelo. Die bekannteste ist die Pietà im Vatikan, die eine große formale Ausgewogenheit aufweist. Weitere sind die Pietà in der Kathedrale von Florenz, die Pietà Rondanini und die Pietà Palestrina.
• Die Skulpturen für das Grabmal Julius' II.: Dazu gehören die Sklaven und Moses, die diese Besonderheit von Michelangelos Skulptur, die sogenannte „Terribilità“, aufweisen – ein Ausdruck, der die innere Stärke der dargestellten Charaktere vermittelt.

Zusammenfassend ist Michelangelo einer der größten Vertreter der italienischen Renaissance, einer Kunstbewegung des 15. und 16. Jahrhunderts, deren Grundprinzipien die Rückkehr zu klassischen Modellen, Anthropozentrismus und Individualismus umfassen, was eine originelle Gestaltung ermöglichte. Künstler wie Raffael, Leonardo und Michelangelo schufen Werke, die später andere Künstler inspirierten.

Die Dame von Elche

Nationales Archäologisches Museum, Madrid.

Sie ist eine der bekanntesten Skulpturen der iberischen Kunst, datiert auf die zweite Hälfte des 5. oder den Anfang des 4. Jahrhunderts v. Chr. Die Skulptur wurde durch Zufall 1897 in Elche (Alicante) auf dem Bauernhof von D. Manuel Campello, einem Kunstsammler, gefunden und von ihm „Reina Mora“ (Maurenkönigin) getauft. Sie wurde eine Woche später an das Louvre Museum (Paris) verkauft, wo sie bis 1941 verblieb, als Pétain sie im Rahmen eines Kunstwerkaustauschs an Franco zurückgab. Der amerikanische Kunsthistoriker John Moffitt behauptet, dass die Dame von Elche eine Fälschung sei, da ihre zufällige Entdeckung ohne archäologischen Kontext Kontroversen ausgelöst hat. Obwohl einige Historiker diese Ansicht teilen, verteidigen die meisten die Echtheit des Stückes. Diese Skulptur ist vollplastisch und, obwohl sie ursprünglich vollständig war, ist sie heute fragmentiert. Sie besteht aus ockerfarbenem Kalkstein mit Spuren von Bemalung.

Hinweis zum Kunstwerkaustausch: Pétain gab auch die Simancas-Archive, eine Unbefleckte Empfängnis von Murillo und westgotische Kronen im Austausch für Kartons von Goya, Velázquez und eine Kopie eines kleinen El Greco.

Glossar

Vollplastik

Bezeichnet dreidimensionale, isolierte Figuren im Raum, die von jedem Standpunkt aus betrachtet werden können.

Büste

Plastische Darstellung des Kopfes oder des oberen Brustbereichs einer Person.

Darstellung

Die Skulptur zeigt eine reich gekleidete Frau mit einer Doppeljacke, über der sie einen Mantel trägt, der Kopf und Arme bedeckt und asymmetrische Zickzack-Falten an den Rändern aufweist. Sie trägt drei Reihen bunter Halsketten, eine davon mit Anhängern; im Zentrum befinden sich Anforillas (nach Expertenmeinung enthielten diese Parfüm). Auf ihrem Kopf trägt sie eine sehr komplizierte Kopfbedeckung, bestehend aus einem Schleier über einem mit Kronen geschmückten Kamm, vielleicht aus Gold, und zwei großen Scheiben oder Rädern an den Seiten des Gesichts, die zusammen mit zwei herabhängenden Ohrringen, ebenfalls aus vielen Anforillas gebildet, eine komplizierte Kopfbedeckung bilden. Das Gesicht hat eine ruhige und schlichte Schönheit, mit leicht schrägen Augen, einer geraden Nase, wenig ausgeprägten Wangen und einem wohlgeformten Mund mit Spuren von Bemalung. Sie hat einen leicht melancholischen Ausdruck.

Die Komposition

Die Komposition ist einfach, geschlossen und kaum in die Tiefe gehend; die Figur ist dazu gedacht, von vorne betrachtet zu werden. Sie ist um eine vertikale Achse strukturiert. Gerade Linien dominieren, obwohl die Kurven der Räder und Ketten für eine größere Ausgewogenheit und Präzision sorgen. Sie wirkt statisch, etwas starr, mit zu breiten Schultern und kurzem Hals. Der Künstler hat den Schmuck und die Juwelen mit besonderer Sorgfalt und viel Liebe zum Detail geschnitzt, um die überlegene gesellschaftliche Stellung der Frau zu zeigen.

Ohrringe

Großer Ohrring, der hinter dem Ohr gehalten wird, nicht am Ohrläppchen.

Rolle der Skulptur

Die Rolle der Skulptur ist wahrscheinlich eine Grabfunktion: Möglicherweise diente sie als Urne, da sie ein Loch im Rücken aufweist, um die Asche der Toten aufzunehmen (wie die Dame von Baza). Es ist unklar, wer diese Frau darstellt: eine Priesterin, eine verstorbene Dame der Aristokratie oder eher eine Muttergöttin, die den Verstorbenen in die andere Welt begleiten sollte.

Stil

Es ist ein Kunstwerk der iberischen Kultur aus der zweiten Hälfte des 5. oder 4. Jahrhunderts v. Chr. (die genaue Datierung ist schwierig, da sie isoliert gefunden wurde). Sie weist Ähnlichkeiten mit griechischen Skulpturen des frühen 5. Jahrhunderts v. Chr. auf, auch mit einigen Merkmalen der Archaik (Frontalität, Starrheit, schräge Augen etc.), aber es ist bereits eine Suche nach idealisierter Schönheit und Gelassenheit erkennbar. Der Bildhauer kopierte jedoch nicht nur, sondern interpretierte die orientalischen Modelle mit großer Originalität.

Der Bildhauer und seine Zeit

Der Autor ist unbekannt, zweifellos ein Einheimischer, der Kenntnisse der griechischen Kunst besaß. Die Dame von Elche ist ein einzigartiges Beispiel der iberischen Skulptur, weil sie eine hervorragende kulturelle Synthese zeigt, die die iberischen Völker an der Levante-Küste und im Süden der Halbinsel in der zweiten Eisenzeit durch den kommerziellen Kontakt mit den mediterranen Kolonialvölkern, insbesondere den Phöniziern und Griechen, vollzogen haben. Phönizischer Einfluss ist deutlich im Schmuck der Dame zu erkennen (im Nationalen Archäologischen Museum befindet sich eine phönizische Metall-Lakshmi, die sehr ähnlich ist, sowie ein Goldstück aus dem Schatz von Aliseda, gefertigt in Filigran und Granulation).