Literarische Strömungen in Spanien: Modernismo, Avantgarde und Generation von '27

Modernismo (1880-1914)

Der Modernismo (1880-1914) ist eine kulturelle und literarische Bewegung, die in Lateinamerika unter der Leitung von José Martí und Rubén Darío entstand. Ursprünglich spiegelte er die spanische Tradition wider. Die jungen Modernisten wollten ihre amerikanischen Wurzeln behaupten und gegen alles Spanische rebellieren. Es ist eine synthetische Kunstbewegung, die von ästhetischen Bewegungen des 19. Jahrhunderts beeinflusst oder inspiriert wurde. Ihre Wurzeln liegen in der Tradition der Romantik sowie der französischen parnassischen und symbolistischen Literatur, aber auch in der amerikanischen, italienischen und englischen Literatur. Diese literarischen Quellen führten nicht nur zur Erneuerung von Wortschatz, Rhythmus und Metrum, sondern auch zur Schaffung einer ganzheitlichen Ästhetik. Das höchste Bestreben war es, eine Welt der absoluten Schönheit zu schaffen und einen Sinn für die formale Perfektion des Werkes zu entwickeln. Die modernistische Bewegung ist die Ablehnung der alltäglichen und unmittelbaren Realität. Der Künstler versucht, eine imaginäre Welt zu schaffen oder in sein Inneres zu flüchten.

Eigenschaften und Merkmale

Von der Romantik stammen die Unzufriedenheit mit dem Leben, der Kult des Todes, Einsamkeit, Melancholie, Fantasie und Vorstellungskraft. Die parnassische Inspiration ist die Suche nach formaler Perfektion, die Beschwörung alter kultureller Mythen, das Exotische und das Streben nach ästhetischem Genuss. Die Idee der Symbole, der Suggestion und der musikalischen Effekte sowie die Rolle des Dichters als Mittel zum Verständnis der Welt sind zentral. Modernistische Schönheit wird durch visuelle Bilder, Farben, Musik und Klangeffekte erzielt. Zu den beliebtesten Versmaßen gehören der Dodekasyllabus und der Alexandriner. Auch freie Verse und klassische Versmaße werden verwendet; es gibt einen lexikalischen Reichtum, der das Prestige des Wortes sucht.

Modernismo in Spanien

Die Poesieszene im späten 19. Jahrhundert wurde von der prosaischen Sprache Ramón de Campoamors und Núñez de Arces dominiert. Vor der Ankunft Rubén Daríos können nur Salvador Rueda und Francisco Villaespesa als die ersten Modernisten in Spanien gelten. Als modernistische Autoren gelten in ihren Anfängen vor allem J.R. Jiménez, die Brüder Machado und Valle-Inclán.

Modernismo versus Generation von '98

Die Trennung zwischen Ästheten (Modernisten) und Denkern (Generation von '98) wurde von Pedro Salinas postuliert, später jedoch der Schwerpunkt auf die Einheit gelegt. Dámaso Alonso unterschied zwischen modernistischer Kunst und der Haltung der '98er. Es sind einzigartige Konzepte, die in einem einzigen Dichter oder Gedicht gemischt oder kombiniert werden können. Die '98er wird als eine Haltung verstanden, als eine Gruppe von Schriftstellern mit einer besonderen Vorliebe für regenerativistische Fragen. Was klar scheint, ist die Unvereinbarkeit einer Isolierung dieser Strömung von der allgemeinen Bewegung der hispanischen Literatur. Das Netzwerk ist zu fein und dicht, als dass es alle kreativen Strömungen des Jahrhundertsende trennen könnte. Azorín erfand eine künstliche Trennung zwischen Modernisten und 'Noventayochistas'. Tatsächlich hat er der spanischen Moderne nur einen glücklichen Namen zugeschrieben: die Generation von '98 oder die Generation des Jahrhunderts.

Die Poesie von Antonio Machado

Antonio Machado absolvierte Studien im Bildungsbereich und war zweimal in Paris (1889 und 1902). Dort arbeitete er als Übersetzer und kam in Kontakt mit den neuen französischen poetischen Strömungen: Parnassismus und Symbolismus. Nach seiner Rückkehr nach Madrid veröffentlichte er seinen ersten Gedichtband Solitudes (1903), der deutlich vom modernistischen Buch beeinflusst war. Dieses Buch erfuhr 1907 eine zweite Auflage und wurde dann in Solitudes, Galerien und andere Gedichte umbenannt. Seine Freunde empfahlen ihm eine Professur für Französisch in Soria. Er erhielt die Professur und heiratete 1909 Leonor Izquierdo, die jedoch jung im Alter von 17 Jahren starb, was den Dichter in eine tiefe Depression stürzte. Da er die Abwesenheit Leonors nicht ertrug, wechselte er an das Institut in Baeza (Jaén), wo er sich dem Abschluss seines Studiums der Philosophie und Literatur widmete. Er schloss 1918 ab und zog dann nach Segovia, um möglicherweise eine Professur in einer größeren Stadt zu erhalten. 1927 wurde er zum Mitglied der Real Academia Española (RAE) gewählt und lernte zu dieser Zeit eine weitere große Liebe kennen: Guiomar. Der Bürgerkrieg trennte sie, und er begann eine Odyssee durch mehrere spanische Städte. Um sein Leben zu retten, musste er nacheinander nach Valencia, Barcelona und dann nach Frankreich mit seiner Mutter umziehen, wo er kurz nach seiner Ankunft starb. Er gilt als ein guter Mensch im besten Sinne des Wortes.

Werke

• Solitudes, Galerien und andere Gedichte: Dieses Buch behandelt eine breite Palette intimer Gefühle (Schmerz, Melancholie, Zeit, Kindheitserinnerungen als Paradies...).
• Campos de Castilla: Sein zweiter Gedichtband, eine Sammlung verschiedener Gedichte, in der vier Gruppen unterschieden werden können:
  • Soria: Die Landschaft Sorias weckt unterschiedliche Gefühle in Machado, der die Landschaft als Vehikel für die Seele Spaniens begreift.
  • Baeza: Von Baeza aus erinnert sich Machado wehmütig an die Klanglandschaft, die in der Ferne sublimiert wird, nun die Erinnerung an das Land Kastiliens und Leonor. Der Aufenthalt in Andalusien bringt ihn in Kontakt mit dem Spanien der Stände, des Elends, der Herren und Bauern. Er enthält soziale Kritik an das ignorante Spanien, das unveränderlich und stolz auf seine Privilegien und persönlichen Werte ist.
  • Sprüche und Lieder: Sammelt seine Meditationen über die Geheimnisse des Menschen und der Welt, oft in Form von Aphorismen.
  • Lob: In diesem Werk würdigt er Persönlichkeiten wie Don Francisco Giner de los Ríos, den jungen Denker Ortega y Gasset, den Dichter Rubén Darío und Don Miguel de Unamuno.
  • Bilder: Das Bild erscheint meist als Synthese zweier Elemente, z.B. Wanderer und Straße. Die Quelle ist auch eine Synthese der Elemente Wasser und Stein: Wasser steht für Fließfähigkeit, Bewegung, Lied, Geräusch, seine Fähigkeit zu reflektieren oder zu murmeln; Stein ist Schweigen, Stille, Ewigkeit, kalt, leblos. Manchmal verlieren Gegensätze ihre Identität und werden praktisch identisch. Das Wort gewinnt seine verlorene Kraft zurück, entdeckt seine direkte konnotative Fähigkeit, d.h., das Wort ist die Sache selbst. Die Wörter müssen vom Symbol zur Denotation zurückkehren.

Machado gilt als großer Schöpfer von Symbolen, aber auch als Zerstörer: Das Wort steigt auf die Ebene des Symbols, und Symbole verteidigen die Ebene des Wortes.

Metrik

Er verwendet Dodekasyllaben und Alexandriner in Gedichten mit modernistischem Einfluss, bevorzugt aber die niedere Kunst (Oktosyllaben, ein typisch spanisches Versmaß). Bei den Versen verwendet er die Silva arromanzada und den Assonanzreim, da die freie Kombination von Sieben- und Elfsilbern eine Freiheit bietet, die von Machado sehr geschätzt wird. Antonio wählt ein bestimmtes Versmaß nicht als Klangeffekt, sondern als das am besten geeignete Vehikel, um seine Gefühle auszudrücken.

Die Poesie von Juan Ramón Jiménez

Juan Ramón Jiménez ist ein Dichter des 19. Jahrhunderts und des Modernismus des 19. Jahrhunderts. Die Kritiker neigen dazu, seine dichterische Laufbahn in drei Phasen zu unterteilen: die sinnliche, die intellektuelle und die letzte oder wahre Phase.

Sinnliche Phase (1898-1915)

Sie ist vom Modernismus geprägt, beeinflusst von Bécquer und dem Symbolismus. Es dominieren Landschaftsbeschreibungen, die die Seele des Dichters widerspiegeln: Herbstlandschaften, Gärten in der Abenddämmerung, vage Gefühle, Traurigkeit, Melancholie, Musik, Farbe, Träume, Erinnerungen und Liebe. Es ist eine emotionale und sentimentale Poesie. Zu dieser Zeit gehören:

• Rhymes (1902): Ein Titel zu Ehren Bécquers, der die besten Gedichte seines ersten Buches sammelt.
• Traurige Arien (1903): In diesem Werk überwiegen Melancholie, Traurigkeit und eindringliche Nostalgie, und das Hauptthema ist die Landschaft und die Seele des Dichters.
• Ferne Gärten (1904): Ein Gedichtband mit deutlich bécquerianischem Klang.
• Einsamkeit (1911): Hier erscheinen Schönheit, Einsamkeit und die Frau als Themen.
• Sommer (1916): In diesem Werk entfernt sich der Dichter vom Modernismus auf der Suche nach einer weiteren Ausgestaltung des Wortes.

Intellektuelle Phase (1916-1936)

Seine erste Reise nach Amerika im Jahre 1916 prägte die zweite Phase tief. Das Meer erscheint als Symbol des Lebens, der Einsamkeit, der Freude, der ewigen Gegenwart... Es beginnt eine spirituelle Evolution auf der Suche nach Transzendenz (sein Wunsch, dem Tod zu entgehen), er strebt nach Ewigkeit, die nur durch poetische Schönheit und Verfeinerung erreicht werden kann. Im Jahre 1916 veröffentlichte er The Diary of a frisch verheiratete Dichter, das eine radikale Abkehr von der Poesie darstellt, die er zuvor geschrieben hatte. Die neuen Merkmale sind: die Abkehr von der modernistischen Ästhetik, die Reduzierung von Adjektiven und die Vereinfachung des verwendeten Vokabulars. Das Gedicht eliminiert alles Oberflächliche und Punktuelle, um Raum für eine konzeptuelle und emotionale Konzentration zu schaffen. Die Gedichte sind kurz oder sehr kurz. Metrisch hervorzuheben sind der kurze Vers, der freie Vers und das Auftreten von Prosagedichten. Beschwörungen der Vergangenheit verschwinden, die durch eine kontinuierliche Gegenwart ersetzt werden. Die Stadt ersetzt den ländlichen Raum und die Natur als Poesie-Werkstatt. Zusätzlich zu diesem Werk erschienen:

• Erste Gedichte Anthologie (1917)
• Ewigkeit (1918)
• Stein und Himmel (1919)
• Gedichte (1917-1923)
• Schönheit & Die Gesamtstation (1923-1936)

Letzte oder wahre Phase (1937-1968)

Er setzt seine Suche nach Schönheit und Vollkommenheit fort. Seine Sehnsucht nach Transzendenz führt ihn dazu, sich mit Gott zu identifizieren. In dieser Phase wurden die Werke veröffentlicht:

• Tier der Substanz: Hier sucht der Dichter Gott, aber dieser Gott ist kein Gott außerhalb des Dichters, sondern in ihm und in seinem Werk; er ist die Ursache und der Zweck der Schönheit.
• Dritte Anthologie
• Auf der anderen Seite und Gott wollte und in dem Wunsch: Der Dichter erreicht die gewünschte Identifikation mit dem Gott, den er so sehr gesucht hat.

Generation von '27 und Avantgarde

Die Avantgarden sind künstlerische Bewegungen, die sich im frühen 20. Jahrhundert entwickelten und auf einer Revolte gegen die etablierte Kunstproduktion basieren. Diese Bewegungen pflegen einen Geschmack für das Außergewöhnliche und eine seltsame Symbolik, die vererbt wird. Ihre ideologischen und ästhetischen Programme werden durch Manifeste und literarische Zeitschriften verbreitet. Obwohl sie verschiedene Positionen vertraten, teilten sie eine Reihe gemeinsamer Merkmale: Anti-Realismus und die Autonomie der Kunst; Irrationalismus; der Wunsch nach Originalität: die Avantgarden suchten und verteidigten Schönheit im Schwierigen, Ursprünglichen, ihre Individualität und lehnten die Vermassung der Gesellschaft ab. Das Ergebnis war eine Kunst für eine kleine, elitäre Gruppe. In der Literatur gab es eine Ablehnung der literarischen Tradition, ästhetische Experimente und die Verwendung freier Verse.

Europäische Avantgarden

Die europäischen Avantgarden werden auch als 'Ismen' bezeichnet. Sie entwickelten sich schnell und hatten unterschiedliche Bedeutungen.

• Futurismus

  Entstand in Italien durch Marinetti, der 1909 sein erstes Manifest veröffentlichte. Er verteidigt die mechanische Zivilisation, das Städtische und neue Technologien. Er fordert eine vollständige Erneuerung der poetischen Sprache und greift die Romantik an, da Gefühle nichts damit zu tun haben.

• Kubismus

  Eine bildliche Avantgarde-Bewegung (Picasso, Juan Gris und Braque). Sie zerlegt die Realität in geometrische Formen und stellt eine neue Sichtweise auf die Welt dar. Diese Form der Darstellung von Objekten verführte den französischen Dichter Guillaume Apollinaire mit seinen berühmten Kalligrammen, in denen die Texte reale visuelle Objekte bilden.

• Surrealismus

  André Breton veröffentlichte sein Erstes surrealistisches Manifest von 1924. Die Surrealisten wollten die wahre Realität durch die Erforschung der Welt des Unbewussten suchen, weshalb sie sich sehr für Träume interessierten.

• Ultraismus

  Entstand durch Rafael Cansinos Assens. Sie befürworten die Abschaffung narrativer Elemente. Sie legten großes Gewicht auf Wahrnehmung und Metapher. Wichtige Ultraisten sind Guillermo de la Torre und Jorge Luis Borges.

• Kreationismus

  Sie sind Vicente Huidobro zuzuschreiben. In Spanien sind die wichtigsten Vertreter Gerardo Diego und Juan Larrea, die die Symbolik verteidigen.

• Expressionismus

  Entwickelte sich im Zusammenhang mit der Malerei. Er ist geprägt durch die Verwendung intensiver und heftiger Bilder sowie die Deformation von Figuren und Situationen. Sie interessieren sich für Fragen der Angst, Unterdrückung und der modernen Welt.

• Dadaismus

  Sein Schöpfer ist der Rumäne Tristan Tzara. Er fordert die Zerstörung von Kunststandards, die Inkonsequenz der Welt, verbunden mit Intuition und dem Unbewussten.

Avantgarde in Spanien

In den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts gab es eine kulturelle Öffnung nach Europa. 1909 veröffentlichte Ramón Gómez de la Serna die Übersetzung des Futuristischen Manifests und im folgenden Jahr die Futuristische Proklamation an die Spanier. Diese Bewegungen werden durch Zeitschriften verbreitet. 1918 kam Vicente Huidobro nach Spanien, und im folgenden Jahr erschien das erste Manifest des Ultraismus. 1925 veröffentlichte er die Übersetzung von André Bretons Manifest des Surrealismus. Der Surrealismus, vorangetrieben von Juan Larrea, wurde die einflussreichste Avantgarde-Bewegung in Spanien.

Novecentismo (Generation von 1914)

Der Novecentismo ist eine kulturelle und künstlerische Bewegung, die von einer Gruppe von Intellektuellen initiiert wurde. Dieser Begriff wurde vom katalanischen Eugenio d'Ors geprägt, der den Namen 1906 verwendete. Teil dieser Bewegung sind Eugenio d'Ors selbst, Ortega y Gasset, Manuel Azaña, Gregorio Marañón, Pérez de Ayala, Salvador de Madariaga, Américo Castro und Claudio Sánchez. Die Novecentistas werden auch als Generation von 1914 bezeichnet, da sie ihre neue Kultur einführten, während sich in Europa die Avantgarde-Bewegungen entwickelten. Sie dominierten die spanische Kulturszene im zweiten und dritten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Ihre Merkmale sind:

• Die Novecentistas zeichnen sich durch eine starke intellektuelle Bildung und die Systematisierung ihrer Vorschläge aus.
• Sie sind echte Fachleute (Philosophen, Wissenschaftler, Historiker...).
• Die Novecentistas bevorzugen intellektuelle Strenge, Nüchternheit und eine objektive Analyse der Umstände sowie eine klare Darstellung.
• Sie lehnen das Sentimentale und Leidenschaftliche ab und bevorzugen eine klassische, ausgewogene und ruhige Haltung sowie einen vergeistigten Ausdruck.
• Verteidigung der reinen Kunst: Die Kunst sollte sich darauf beschränken, ästhetisches Vergnügen zu bieten.
• Das aristokratische Streben nach intellektueller Perfektion und Objektivität führt dazu, dass die Texte dieser Autoren an Kenner gerichtet sind; Kunst ist für eine sehr ausgewählte Minderheit.
• Der Stil ist sorgfältig, ordentlich und sauber, das Ideal einer gut gemachten Arbeit.
• Äußerst besorgt um das Design und die Struktur der betreffenden Werke.
• Integration in das öffentliche Leben, um die spanische Realität ihrer Zeit zu beeinflussen.

Die Generation von '27

In den 1920er Jahren gab es eine einzigartige Förderung führender Dichter der spanischen Literatur, die einen ihrer hellsten Momente erlebte. Diese Gruppe überschneidet sich mit dem poetischen Novecentismo und führenden Gruppen. Der Name 'Generation von '27' geht auf Dámaso Alonso (ein Mitglied) zurück, und das Datum bezieht sich auf eine Hommage an Góngora zu seinem 300. Todestag. Sie sind Teil dieser Gruppe: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, F. García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre, Dámaso Alonso, Concha Méndez...

Tradition und Erneuerung (Avantgarde)

Die Generation von '27 folgte nicht der ikonoklastischen Berufung der früheren Avantgarde. Tatsächlich wurde alles, was schlechte Poesie war, verachtet. Es gab keinen Bruch mit der Vergangenheit, sondern die Integration ihrer wertvollsten Elemente in die Anforderungen der modernen Poesie. Von der traditionellen spanischen Lyrik erbten sie Formen und thematische Motive, die für die Volksdichtung charakteristisch sind, zum Beispiel Balladen und traditionelle Lieder, sowie kultivierte Formen (San Juan, Fray Luis de León, Garcilaso...) wie Balladen, Sonette, Vierzeiler. Die Leidenschaft für die klassische spanische Literatur, sowohl die kultivierte als auch die populäre nach dem 15. Jahrhundert, zeigt sich im Einfluss der Romanzen bei Lorca und Gerardo Diego. Man sieht es in der Poesie Rafael Albertis oder in einem Lied von Luis Cernuda an Garcilaso. Entscheidend war die starke Anziehungskraft, die Góngora auf die Gruppe ausübte, als Schöpfer einer besonderen Sprache für die Poesie, und das Interesse an seinem Werk, das sich in vielen Studien über seine Figur in diesem Zeitraum zeigte. Sie zeigt auch den Einfluss Bécquers mit seinem raffinierten und fundierten Konzept der Poesie und der Mission des Dichters. Als thematische Motive, die für die Tradition unserer Literatur charakteristisch sind, können wir anführen: der Fluss als Bild der Vergänglichkeit des Lebens, die Rose als ewige Schönheit (Garcilaso), das Leben als Traum. Bei der Anpassung modernster Formen verschwanden feste Metren, Pausen und Akzente der Verse. Das Tempo der Kompositionen wird durch andere Mittel wie Wiederholungen, den Ausdruck von Ideen und parallele Strukturen erreicht. Innovative metrische Formen wie freie Verse, Strophen, Blankverse, Kalligramme, Collagen werden verwendet. Manchmal sind die Zeilen so angeordnet, dass sie das Thema oder den Titel der Komposition simulieren. Die Dichter der Generation von '27 setzen ihre innovativen Beiträge in die Avantgarde und in die Tradition von J.R. Jiménez. So näherten sich in ihren jeweiligen Phasen der Avantgarde: Salinas nahm Marinetti als Modell für die Zukunft, Vicente Aleixandre vertiefte sich in den Surrealismus, Jorge Guillén entschied sich für die Philosophie der Pythagoräer, Rafael Alberti deckte verschiedene Themen ab, Gerardo Diego warf sich in die Arme des Kreationismus.

Themen der Generation von '27

Die Hauptthemen sind Liebe, Tod, Schicksal und das Universum. Wir können zwei Phasen in der Generation von '27 unterscheiden:

• Die erste Stufe ist durch die Dominanz der reinen Poesie und Bewunderung von Juan Ramón Jiménez markiert. Sie ist durch folgende Merkmale gekennzeichnet: Unterdrückung der Sentimentalität und Lob der Intelligenz; Suche nach Schönheit; Strenge in der Konstruktion der Poesie und Verfeinerung der poetischen Sprache; Tendenz zur Schaffung kurzer Gedichte.
• In der zweiten Phase begann der Zusammenhalt der Gruppe zu bröckeln, da einige wie Guillén und Salinas der reinen Poesie Juan Ramón Jiménez' treu blieben, während andere neue Ausdrucksformen durch trendige Bewegungen suchten. In dieser Phase dominierte der Einfluss des Surrealismus, der Rebellion, antireligiöse Affekte, imaginative Freiheit und die Welt der Träume mit sich brachte. Der Bürgerkrieg führte zum Zerfall der Gruppe; die Mehrheit seiner Mitglieder ging ins Exil, einige blieben in Spanien, und andere wurden Opfer des Bürgerkriegs.

Pedro Salinas

Salinas' Poesie ist eine Möglichkeit, Erfahrungen über das Wesen der Dinge und des Lebens zu machen.

• Themen: Liebe und das Verlangen nach absolutem Verständnis und Wissen.
• Stil: Zurückhaltung im Ausdruck der Gefühle und die Bedeutung der lexikalischen Auswahl durch Kontraste, Gegensätze, Parallelen, Wiederholungen.
• Phasen: Man unterscheidet drei Phasen:
  • Die erste Phase entspricht dem Einfluss der Avantgarde und Góngoras und umfasst die Werke Omens, Secure and Sign und Fable Chance.
  • Die zweite Phase umfasst die Liebestrilogie Stimme durch dich, Grund der Liebe, Langes Bedauern, die eine Art Liebeslieder bilden und seine Meisterwerke sind. Stimme durch dich ist eine Hommage an das poetische Ich, das die Erfahrung der Liebe ermöglicht hat. Der Ton ist fröhlich. Es gibt sich wiederholende Muster von Freude, Tränen, Erinnerungen, Schatten... Der eigentliche Protagonist ist die Ethopöe der Geliebten, ihr inneres Wesen wird zur Erkenntnis enthüllt. Das Gefühl der Einheit von Stimme durch dich ist aus dem Untertitel (Gedicht) ersichtlich; es ist thematisch geschlossen. Der Dialog zwischen den Pronomen 'ich' und 'du' beginnt in der ersten Zeile und endet in der letzten. Ein Gedicht in 70 Sequenzen ohne Titel, um die Einheit nicht zu brechen, in dem die Erfahrung der Liebenden dem platonischen Höhlengleichnis ähnelt. In der ersten Komposition ist das 'Ich' ein einsamer Schatten, der das Licht mit der Geliebten teilt, und am Ende kehrt es nach seiner Erfahrung in ein Schattendasein zurück, wartend auf eine erneute Inkarnation. Diese Erwartung ist der Auftakt zur ersten Phase des sentimentalen Zyklus: 'Die Entstehung der Liebe und des Wahnsinns'. Die beschriebene Geliebte in Stimme durch dich wird mit dem Pronomen der zweiten Person synthetisiert: 'Ich liebe dich rein, befreit, irreduzibel, du.' Die Gedichte in Stimme durch dich beziehen sich auf Fakten und Empfindungen, die das 'Ich' in der Vergangenheit erlebt hat. Viel wurde über die Kontroverse diskutiert, ob dies ein Buch war, das aus einer biographischen Episode des Dichters entstand oder nicht. Einige Kritiker argumentieren, die 70 Gedichte in eine thematische Gliederung in 3 oder 4 Teile zu unterteilen. Dámaso Alonso bemerkt eine aufsteigende Skala, wie in der Mystik der zwei Wege: Was aus dem Nichts kommt, wo die Geliebte vor der Liebe in der Macht war, und das Fallen aus dieser Höhe in die Trostlosigkeit der Schatten. Das Crescendo und Diminuendo in der Struktur des Buches beginnt mit den Vorbereitungen für die Ankunft der Geliebten, der Freude ihres Zusammentreffens, der Suche nach der wahren Liebe, der Angst vor der perfekten Vereinigung, der Unruhe der wesentlichen Liebe, die unmöglich zu überprüfen ist, der Aggregation der Liebe, dem Gefühl des Scheiterns, die geliebte Frau nicht zu erreichen, und der schmerzhaften Wahrheit (dass sie das Trugbild des anderen ist, eine Fälschung). Dieser Prozess ist in drei Teile unterteilt: Freude, Freude des Zusammentreffens; Angst in Freude; Schmerz und Schatten. Nach Betancourt hat das Buch drei Ziele: die Feststellung der realen Persönlichkeit der Geliebten, die Erfüllung der Liebe und durch sie den Besitz der Welt mit dem Besitz der Liebenden. Zudem gibt es drei aufeinanderfolgende Phasen: der Vorbote des Erscheinens der Frau, die Erfüllung ihrer Leiden und Freuden, und die letzte Phase bis zum Ende der Beziehung, in der der Dichter allein das verlorene Glück wiederbeleben muss. Perugini klassifiziert einen Dreiklang von Gedichten in Stimme durch dich: Poesie der Freude (frühe Gedichte), die einen euphorischen Zustand dominiert durch die Offenbarung; amouröse Poesie der Unsicherheit, die Zweifel, Suche, Sinn und Begrenzung der Geliebten zu zeigen scheint; und schließlich die Poesie des Wiederaufbaus, wo der Liebende eine Totalrevision des mit seiner Geliebten Erlebten vornimmt, wie eine Katharsis (Reinigung). Rozas verteidigt eine vierteilige Struktur: Gedicht-Prolog: die ersten 36 Verse; Geburt der Leidenschaft: Verse 37 bis 856; Höhepunkt des Bruchs, Verse des Abschieds der Liebenden: 857 bis 2.430; Epilog-Gedicht: Gedichte 2431 bis 2462.
• Stilmittel: Parallelen, Paradoxien, Antithesen. Er verschiebt Akzente, um ein eigenes Tempo zu schaffen, bricht mit der Orthodoxie in der gesamten Partitur, verwendet in einem wesentlichen Teil der Rede symbolische Metaphern, konzeptuellen Manierismus in Wortspielen. In der Metrik dominieren siebensilbige Zeilen.

Jorge Guillén

Guilléns poetisches Werk ist das Ergebnis eines strengen Auswahlverfahrens, das alles Überflüssige eliminiert, um nur die Idee zu vermitteln.

• Werke: Cántico durchlief vier Ausgaben, die erste 1928 (75 Gedichte), die letzte 1950 (334 Gedichte). Es ist eine Hymne an die Schöpfung; reine Poesie ist für ihn alles, was im Gedicht übrig bleibt, nachdem alles entfernt wurde, was nicht Poesie ist. Weitere Werke sind Clamor und Homenaje.

Gerardo Diego

Gerardo Diego vereint avantgardistische Merkmale mit Werken aus der literarischen Tradition.

• Werke: Balladen der Braut, Chopin-Nocturnes, Bild, Handbuch des Schaums (Gedichte, in denen er versucht, den Kubismus zu imitieren), Menschliche Verse, Legende von Equis und Zeda.

Man unterscheidet in seiner Poesie zwei Phasen:

• Die erste wird als Poesie oder Lyrik des Ausdrucks bezeichnet. Diese Poesie ist mit der traditionellen Lyrik verbunden und entspricht der Phase 1917-1920. Sie ist von Bécquer und J.R. Jiménez beeinflusst. Zu dieser ersten Phase gehören Balladen der Braut und Chopin.
• Die zweite Phase wird als absolute Dichtung und Poesie der Schöpfung bezeichnet. Seine Poesie beeinflusste die Post-Avantgarde. Zu dieser Zeit gehören Bild und Handbuch des Schaums. In Werken wie Menschliche Verse und Legende von Equis und Zeda findet sich eine Mischung aus klassischer Dichtung, insbesondere Góngoras, und moderner Poesie.

Federico García Lorca

Federico García Lorca ist die Schlüsselfigur der Generation von '27. Großer Musiker, Maler, Dramatiker und Dichter. Seine Poesie ist visuell und musikalisch. Seine Kindheit und die fröhliche Bauernschaft von Fuente Vaqueros prägten ihn stark, besonders die Sommer auf dem Land. In seinen Gedichten erscheint das Thema der verlorenen Kindheit mit großer Beharrlichkeit. Für Lorca ist Homosexualität Sterilität; er assoziiert das Erwachsenenalter mit Unfruchtbarkeit. Die Kindheit ist Fülle, die Obsession mit dem Tod. Das Jahr 1928 ist das Jahr seiner Weihe als großer Dichter der Generation; in diesem Jahr veröffentlichte er Zigeunerromanzen. Lorca war produktiv, aber seine Produktivität war keine direkte Folge des Glücks.

Poetische Karriere

Seine Poesie ist ästhetisch durch die Suche nach einem eigenen Stil gekennzeichnet. Sein erster Gedichtband, eines seiner Hauptwerke, ist von J.R. Jiménez, Salvador Rueda und Antonio Machado beeinflusst. Seine ersten Werke waren von der Moderne und der Romantik beeinflusst. Sie enthalten Elemente der traditionellen und populären Dichtung sowie Avantgarde-Elemente. Dazu gehören:

• Lieder (1927)
• Zigeunerromanzen (1928)
• Gedicht des Cante Jondo

Die beiden letztgenannten Werke sind der Welt der Zigeuner gewidmet. Anlässlich der Veröffentlichung seiner Zigeunerromanzen beschwerten sich seine Kollegen und Freunde, dass er sich zu viel Zeit für dieses Buch nahm, und er ging nach New York. Diese Reise stellt eine große Veränderung in seinen poetischen Werken dar. Wie wir sehen können, herrscht in Dichter in New York eine avantgardistische Ästhetik vor. In seinen letzten Werken, Klage um Ignacio Sánchez Mejías, Sechs galizische Gedichte, Divan del Tamarit und Die Sonette der dunklen Liebe, dominieren die lyrischen Themen Liebe und Tod.

Themen

Liebe, Tod, Kindheit und soziale Themen. Lorcas poetische Welt ist tragisch und gewalttätig.

Manuel Machado

Manuel Machado bewunderte Darío und seine metrischen Innovationen, ohne den rhythmischen Schwung und das Lexikon zu vernachlässigen. Er verzichtete auf dekorative und kostspielige Zeilen auf der Suche nach einem Gedicht, das in die Tiefe geht. Der modernistische Einfluss zeigt sich in Alma, wo exotische Länder, Erotik, Weltschmerz und die Vermeidung von Apathie erscheinen. Die Einbeziehung der Themen Herbst, Melancholie, Orient, Okzident, Süden und arabisches Spanien, Versailles. Das schlechte Gedicht ist eine Sammlung von Gedichten über das bewusst prosaische, schmutzige und rohe Stadtleben; es führt die von Baudelaire und Verlaine beeinflusste urbane Poesie ein. Cante Jondo wuchs zu einem populären Genre heran, erreichte aber nicht die Tiefe, die Lorca Jahre später erreichte. In Ars dominiert eine traurige und resignierte, reflektierende Haltung, die die Realität widerspiegelt und eine Kunst des Überlebens ist.

Ramón Gómez de la Serna

Ramón Gómez de la Sernas Rolle als Initiator und Anführer der Avantgarde-Dichter wurde von vielen anerkannt. Beispiele für seine Sätze sind:

• Soda: Wasser-Schluckauf
• Motorrad: verrückte Ziege
• Die Acht: Zahlen-Schrauben
• Frisuren: die Roste
• Sanduhr: in der Mitte
• Kometen: Sterne, er hat die Brötchenschuppen, etc.

Zusammen werden sie Greguerías genannt, die er als humoristische Metaphern definiert. Seine Greguerías sind kurze Texte, in denen, ausgehend von Objekten oder Umständen, überraschende logische Verbindungen angeboten werden, die nicht der Realität entsprechen und eine Wirkung erzielen.

Miguel de Unamuno

Seine Gedichte waren im Panorama des Jahrhunderts anomal, da sie die Bemühungen der Romantik, die poetische Sprache von rhetorischer Betonung zu befreien, fortsetzten. Er kritisierte den Modernismus und seine Liebe zum Reim, verfolgte eine poetische Konstruktion, die frei von solchen Zwängen war, und fand Unterstützung im freien Vers. Er war besessen von der Erfahrung und dem Wissen, denen der Geist Sinn verleiht. In seinem Werk schließt er sich dem 'Noventayochista'-Flügel an, der sich mit Familie, Staat und Religion befasst. Der Christus von Velázquez, ein lyrisches Gedicht in vier Teilen, glänzt mit Symbolen, die Christus, den Zeitpunkt seines Todes und Körperteile zuordnen. Weitere Werke sind Gedichte, Lyrische Sonette des Rosenkranzes, Reime von innen, Teresa und Poemario der Diktatur. Letzteres entstand infolge seines Exils, das er wegen seiner Opposition gegen die Diktatur Primo de Riveras erlebte, und besteht aus zwei Teilen: 'Von Fuerteventura nach Paris' und 'Ballade des Exils'. Im Liederbuch findet sich bald eine essentialistische Haltung.

Rubén Darío

Rubén Darío begann in jungen Jahren mit Briefen und Gedichten, wo er die Kirche und die Tyrannei anprangert und Fortschritt, die Einheit Zentralamerikas und Demokratie fordert. Es zeigen sich auch Zweifel, Ängste und Erotik. Er schreibt in umständlichen Couplets und ahmt Bécquer nach. Azul... enthält Kurzgeschichten und Gedichte; dieses Buch ist ein Produkt seiner französischen Dichterlektüre und schafft eine Fantasiewelt. Das Lexikon ist voll von exotischen Objekten, die den exquisiten, aristokratischen Parnassismus und den Kult der Kunst um der Kunst willen widerspiegeln, was auf eine Ablehnung der bürgerlichen Realität hindeutet. Sein Werk ist voller eindrucksvoller Bilder und unerwarteter Adjektive, verblüffender Prosa, ungewöhnlicher Rhythmen, der Helligkeit der Worte, Kühnheit und Sinnlichkeit. Die Zugehörigkeit zum Modernismus offenbart sich in der Verwendung von Symbolen, insbesondere Blau (Farbe der Träume und der Kunst) und dem Schwan (heidnische und sinnliche Konnotationen, die den Charme des Rittertums suggerieren). Profane Prosas ist metrisch blendend in seinen Innovationen und verbal in seiner bewussten Verwechslung mit dem liturgischen Gebrauch seiner Worte. Es zeigt eine stellvertretende Faszination und Abscheu der modernen Poesie gegenüber der Religion. Er setzte die aristokratische Flucht vor der Realität fort und bezog soziale Belange ein, ein breites Spektrum an Themen, und sein Gegenstand ist das ultimative erotische Vergnügen, das Opfer und Leid nicht ausschließt. Lieder des Lebens und der Hoffnung zeigen eine nüchternere Ausdrucksweise; im 'Vorwort' besteht er auf seinem Respekt für die Aristokratie des Denkens und den Adel der Kunst gegenüber allem, was Mittelmäßigkeit bedeutet. Er erkennt sich als Initiator des Modernismus und drückt die Neuheit aus, seinen Elfenbeinturm zu verlassen und sich politischen Angelegenheiten zuzuwenden. Er befasst sich mit den Problemen der hispanischen Welt und der existenziellen Reflexion der poetischen Stimme, versucht, die hispanische Kultur zu verstehen, und beschäftigt sich mit alten Kulturen und der amerikanischen Gegenwart und erklärt ihre Vereinigung für gültig. Manche Kompositionen drücken die Müdigkeit und Bitterkeit des Dichters aus, dessen Leben vergeht, immer pessimistisch über das Gedicht.