Meisterwerke des Barock: Bernini, Versailles und Caravaggio im 17. Jahrhundert

Kolonnaden des Petersplatzes: Bernini und der Barock

Die Kolonnaden des Petersplatzes (Piazza San Pietro) in der Vatikanstadt wurden von Gian Lorenzo Bernini entworfen und sind ein herausragendes Beispiel der italienischen Barockarchitektur. Bernini legte die Grundlagen des italienischen Barockstils. Er verstand die Bedürfnisse der Gegenreformation und spiegelte den Wunsch nach Macht der Kirche wider. Berninis Ansatz gelang es, einen würdigen Zugang zur Basilika von St. Peter, dem höchsten Symbol des Christentums, zu schaffen.

Symbolik und Gestaltung

• Bernini entwarf einen Platz, der durch zwei konvergierende, gerade Arme begrenzt ist und sich in einem großen elliptischen Platz öffnet.
• Dieser Ansatz ermöglichte es, dass der Papst von überall sichtbar war.
• Die Form der zwei runden Arme symbolisiert den Willen der Kirche, die Gläubigen zu umarmen und willkommen zu heißen.

Jeder der beiden ovalen Arme besteht aus vier Reihen toskanischer Säulen und Pfeiler, die drei Gänge bilden und ein Gebälk mit ionischen Säulen tragen. Die Kolonnade gipfelt in einer Balustrade. Das Projekt des Platzes diente Bernini dazu, der Kuppel Michelangelos die Relevanz zu verleihen, die sie verdiente. Die Fassade der Basilika, die an beiden Enden die Basen von zwei Türmen aufwies, wirkte übermäßig horizontal. Bernini nutzte optische Mittel, um die Höhe der Fassade und der Kuppel zu akzentuieren und sie zur dominierenden visuellen Achse zu machen. Die freistehenden Säulen erzeugten ein starkes architektonisches Helldunkel (Chiaroscuro).

Bedeutung des Barock

Die Kolonnaden von St. Peter zeigen die wichtigsten Aspekte des Barock:

• Funktionalität: Schaffung eines würdigen Zugangs.
• Symbolik: Die Umarmung der Kirche.
• Theatralik: Dramatische Inszenierung des Raumes.

Der Platz wurde als natürliche Verbindung zwischen der Basilika und der Stadt konzipiert. Die elliptischen Arme der Kolonnade reagieren auf das neue Konzept der offenen, dynamischen Architektur, die vollständig in ihre städtische Umgebung integriert ist.

Schloss Versailles: Mansart, Le Vau und Ludwig XIV.

Das Schloss von Versailles, entworfen von Mansart und Le Vau, ist ein Meisterwerk des Barock in Versailles (Frankreich). Versailles durchlief drei Bauphasen. In der ersten und zweiten Phase reformierte Ludwig XIV. das Jagdschloss seines Vorgängers und erweiterte es, um es zum Hauptsitz der Regierung zu machen. Nach dem Tod von Le Vau führte Mansart die dritte massive Erweiterung und Sanierung von Versailles durch, die sich im Bau von zwei Flügeln manifestierte, welche den Ehrenhof (Cour d'Honneur) gestalteten. Le Brun und Le Nôtre legten den Grundstein für die europäische Innenarchitektur und Landschaftsgestaltung des 18. Jahrhunderts.

Architektur und Landschaft

Versailles besitzt zwei Fassaden: die Hauptfassade, die dem Stadtzentrum zugewandt ist, und die hintere Fassade, die sich zum Garten hin öffnet. Das Gebäude ist in drei Ebenen unterteilt: Keller, Hauptgeschoss und Dachgeschoss, gekrönt von Trophäen. Sein Design ist klassisch, dezent und majestätisch. Ein ausgeklügeltes System von ein- und ausgehenden Brüchen durchbricht die Monotonie, die sich aus der linearen Konstruktion ergeben könnte. Die Beziehung zwischen dem Gebäude und der Landschaft ist so tief, dass sie die imaginäre Achse, die durch die Mitte des Gartens verläuft, betont.

Propaganda und Spiegelgalerie

Die Gestaltung des Gartens ist mit Symbolik beladen. Der Barock nutzte das Potenzial des Wassers intensiv. Ludwig XIV. verlieh dem Schloss einen göttlichen Charakter. Er nutzte den propagandistischen Wert von Versailles voll aus, um die Macht des absolutistischen Regimes und die Hegemonie Frankreichs zu erhöhen. Le Brun setzte im Inneren der prunkvollen Barockpaläste Maßstäbe. Seine Spiegelgalerie (Galerie des Glaces) ist ein Höhepunkt künstlerischer Verfeinerung: Sie ist ein Verbindungsgang, dessen große, offene Fenster, die zu den Gärten zeigen, riesigen Spiegeln gegenüberliegen, welche das Licht reflektieren.

Apollo und Daphne: Berninis Meisterwerk der Metamorphose

Die Skulptur Apollo und Daphne von Gian Lorenzo Bernini (17. Jahrhundert) ist eine barocke Marmorskulptur. Die Gruppe basiert auf einer Episode aus Ovids „Metamorphosen“, einem Gedicht, das Geschichten und Legenden über das Thema der Verwandlung enthält. Daphne, in die Enge getrieben, suchte Hilfe bei ihrem Vater, der sie in einen Lorbeerbaum verwandelte, genau in dem Moment, als Apollo sie fangen wollte.

Bewegung und Ausdruck

Obwohl Apollo und Daphne antike Modelle und Kriterien der klassischen Idealisierung widerspiegeln, folgt die dargestellte Bewegung, in der sie agieren, einem neuen, realistischeren Ansatz. Bernini war der erste Künstler, der es wagte, die der Metamorphose innewohnende Bewegung darzustellen, indem er den flüchtigen Moment einfing, in dem Daphne zum Lorbeerbaum wird. Die psychologische Feinheit des Ausdrucks der Figuren ist bemerkenswert:

• Daphne, die sich verwandelt, ist voller Angst, während Apollo gerade ihre Hand ergreift, aber ihre Verwandlung noch nicht vollständig bemerkt.
• Apollo zeigt einen betäubten Ausdruck, als er die Veränderung wahrnimmt.

Bernini konzipierte die Skulptur so, dass sie von einem bestimmten Aussichtspunkt aus betrachtet werden sollte. Das Konzept war eminent malerisch und bot dem Besucher eine einzigartige Perspektive. Bernini interessierte sich zutiefst für das dramatische Potenzial des Lichts auf Gesichtern, Augen und Haaren. In keiner anderen Skulptur zeigte Bernini seine Virtuosität in der Behandlung von Haut und Texturen so deutlich. Die kompositorischen Kurven beschreiben die Körper, die am Ende der Szene auf dem Felsen ruhen, auf dem die Rinde des Baumes beginnt. Dies unterstreicht das Gefühl der Tonnage, das durch die plötzliche Inhaftierung verursacht wird. Die Skulptur von Apollo und Daphne ist die höchste Verkörperung des Augenblicks und der Bewegung.

Der Tod der Jungfrau: Caravaggios Tenebrismus

Das Gemälde Der Tod der Jungfrau (La Morte della Vergine) von Caravaggio (17. Jahrhundert) ist im italienischen Barockstil in Öl auf Leinwand ausgeführt. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem die Jungfrau Maria gerade gestorben ist. Die Auftraggeber des Gemäldes waren die Mönche der Kirche Santa Maria della Scala. Dies geschah in einer Zeit, als die italienische Malerei den strengen religiösen Vorschriften der Gegenreformation folgte.

Naturalismus und Kontroverse

Der direkte und strenge Blick des Malers erfüllte nicht die Funktion, überzeugende und ermutigende religiöse Gefühle zu wecken. Caravaggio nutzte oft einfache, unidealisiert dargestellte Menschen als Modelle, was im Gegensatz zu den idealisierten Darstellungen stand, die auf klassischen Schönheitsmodellen basierten. Er stellte die harte Realität aus. Der Tod der Jungfrau ist ein klares Beispiel für den Tenebrismus in der religiösen Malerei.

Licht und Drama

Caravaggio spielt offen mit dem Helldunkel (Chiaroscuro), dem Kontrast von Licht und Schatten. Er beleuchtet das Wesentliche und lässt das weniger Wichtige in der Dunkelheit verschwinden. Der Lichtstrahl wird zur wahren Struktur des Gemäldes. Das Drama wird durch die Farbe betont, da er eine Palette gesättigter Farben und dunkle Bereiche verwendet. Der Lichtstrahl kommt aus der oberen linken Ecke. Er durchquert die gesamte Leinwand und beleuchtet die Köpfe der Apostel bis hin zur Jungfrau, die zur Protagonistin wird. Das Licht offenbart die Existenz eines roten Farbtons, der an einen Theatervorhang erinnert und der Szene einen dramatischen Effekt verleiht, während er gleichzeitig die Diagonale über die Komposition verstärkt und das Gleichgewicht um eine vertikale Achse tendiert.

Caravaggios Stil

Obwohl man an Farbtöne und Naturalismus gewöhnt war, verlieh dieser einzigartige Künstler dem Werk eine beispiellose dramatische Intensität. Beeinflusst von Michelangelo in der plastischen Modellierung der Körper, schuf Caravaggio seinen eigenen Stil, der folgende Merkmale aufweist:

• Dunkle, diagonale Kompositionen.
• Naturalismus in der Darstellung der Charaktere.
• Desakralisierung religiöser Themen, als wären sie Szenen des täglichen Lebens.

Caravaggio wurde in Rom als Maler ausgebildet. Seine intensive bildnerische Tätigkeit wechselte mit einem intensiven und turbulenten Leben ab. Er gilt als der Vorläufer des Tenebrismus.