Meisterwerke der Italienischen Hochrenaissance: Raffael, Michelangelo und Tizian

Die Schule von Athen von Raffael

Kontext und Stil

Zeitraum: 1509–1511 (nicht 1500–1530).
Stil: Cinquecento, Kunst der italienischen Hochrenaissance.
Technik: Fresko an einer Wand.

Das Thema des Bildes ist säkular und der klassischen Antike gewidmet. Die Szene zeigt eine große Anzahl der bedeutendsten Philosophen des Altertums.

Figurenanalyse und Komposition

In der Mitte stehen die beiden großen Weisen des Altertums, Platon und Aristoteles. Ihre Körper bilden den Fluchtpunkt der Komposition.

Auf der linken Seite ist Pythagoras dargestellt, umgeben von einer Gruppe, die sich konzentriert seinen Ausführungen widmet. Unter ihnen befindet sich Averroes, der einen Turban trägt. Weiter links liest Epikur ein Buch, das von einem Kind gehalten wird.

Heraklit, der die Gesichtszüge Michelangelos trägt, lehnt sich nachdenklich an die erste Stufe der Treppe. Diogenes, der Kyniker, liegt auf der Treppe. Euklid misst mit dem Zirkel eine geometrische Figur.

Auf der rechten Seite, neben Platon, präsentiert Sokrates seine Ideen Alexander dem Großen. Zoroaster ist mit einer Himmelskugel dargestellt, während Ptolemäus einen Globus in Händen hält. Ein junger Mann mit schwarzer Kappe, der uns ansieht, ist Raffael selbst. Neben ihm steht Sodoma, einer seiner Schüler.

Künstlerische Merkmale

Die Szene spielt in einem monumentalen architektonischen Rahmen. Die Komposition ist symmetrisch und zentralisiert; die Kompositionslinien konvergieren in den Körpern von Platon und Aristoteles. Alle anderen Figuren sind in Gruppen unterteilt, die sich auf ihre führenden Persönlichkeiten und ihre eigene Dynamik beziehen.

Die weichen Pinselstriche und die Harmonie der Farben spiegeln den inneren Frieden wider, den die Lehrer mit ihren Werken vermitteln wollten. Die Zeichnung ist präzise und detailliert, mit einer sorgfältigen Untersuchung der Proportionen, Haltungen und Verteilung der Figuren. Die Schule von Athen ist ein Meisterwerk der Perspektive und ein Ausdruck der künstlerischen Ideale der Renaissance.

Das Gewölbe der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo

Kontext und Stil

Zeitraum: Erste Hälfte des 16. Jahrhunderts.
Stil: Cinquecento, Kunst der italienischen Hochrenaissance.
Technik: Fresko an der Decke.

Dieses Werk ist religiösen Themen gewidmet. Die Malereien an der Decke der Sixtinischen Kapelle erzählen die Geschichte der frühen Menschheit.

Aufbau und Thematik

Die berühmteste Szene im Gewölbe ist Die Erschaffung Adams, in der Gott, mit ausgestrecktem Finger, Adam das Leben einhaucht. Michelangelo simulierte zehn Bögen, um das Tonnengewölbe in neun Abschnitte zu unterteilen. Zwei vorgetäuschte Gesimse unterteilen die Abschnitte in drei Register.

Die Rechtecke im zentralen Register erzählen Geschichten aus dem Alten Testament:

1. Die Trennung von Licht und Dunkelheit
2. Die Erschaffung der Sterne und Planeten
3. Die Trennung von Land und Wasser
4. Die Erschaffung Adams
5. Die Erschaffung Evas
6. Die Erbsünde und die Vertreibung aus dem Paradies
7. Das Opfer Noahs
8. Die Sintflut
9. Die Trunkenheit Noahs

In den vier Ecken sitzen die Ignudi (nackte Jünglinge), die bronzefarbene Medaillons mit weiteren Szenen aus dem Alten Testament halten. In den Lünetten und Zwickeln der Seitenregister sind die Vorfahren Jesu dargestellt. Unter den fünf stellvertretenden Trommelfellen befinden sich die Sibyllen und sieben Propheten.

Künstlerische Merkmale

Die plastische Gestaltung der Gemälde ist typisch für Michelangelo, was sich in der Rundung der Torsi und den Verrenkungen der Körper zeigt. Die nackten Körper und die extreme Natürlichkeit der Gesten demonstrieren seine tiefgreifende Kenntnis der menschlichen Anatomie.

Die Restaurierung der Fresken enthüllte starke und helle Farben, wobei Grün und Violett dominieren. Je näher die Szenen dem Altar kommen, desto größer und dynamischer werden die Figuren, und die Pinselstriche werden freier und kräftiger. Die Fresken an der Decke der Sixtinischen Kapelle stellen eine neue Konzeption des Raumes in der Malerei und eine Apotheose der Aktdarstellung dar.

Danaë von Tizian

Mythologischer Hintergrund und Interpretation

Zeitraum: Zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts.
Stil: Cinquecento, Renaissance-Manierismus.
Technik: Öl auf Leinwand.

Es handelt sich um ein Werk mythologischen Themas. Danaë wurde von ihrem Vater in einem Turm eingesperrt, um eine schreckliche Prophezeiung zu verhindern, nach der ihr Enkel ihn töten würde. Zeus verwandelte sich in einen Goldregen, um das Mädchen zu erreichen. Trotz der Vorsichtsmaßnahmen tötete ihr Enkel Perseus seinen Großvater, wenn auch zufällig.

Tizian schuf dieses Bild für König Philipp II. Tizian nutzte antike Mythen, um zu reflektieren, wie Menschen Opfer ihrer Umstände werden: Danaë symbolisiert die Akzeptanz des Schicksals und den Verkauf der Tugend. Der Gott kommt in Form von Regen, um die Prinzessin zu verführen, und das Mädchen beugt sich schnell, um die Münzen aufzusammeln, was ihre Akzeptanz des Angebots verdeutlicht.

Maltechnische Aspekte

Sowohl die alte Dienerin als auch der Goldregen konvergieren in der Mitte des Bildes, obwohl die Hauptprotagonistin die junge Danaë ist, die von einem übernatürlichen Licht beleuchtet wird. Das goldene Licht strömt vom Himmel herab und badet ihren perfekten nackten Körper und das Gold, das zum absoluten Star des Bildes wird. Die Sfumato-Technik ist besonders im Körper von Danaë signifikant.

Die Farbgebung ist reich, dicht und sehr warm, charakteristisch für Tizian. Die Behandlung des Lichts, das Thema und die Verwendung heller Farben, wie das gewalttätige Rot der Vorhänge und der Tagesdecke, sind bemerkenswert. Tizian war sehr berühmt für seine prächtigen Porträts von Adligen und den mächtigsten Monarchen seiner Zeit.

Merkmale der Renaissance-Epoche

Die Renaissance war kein einheitliches Phänomen in chronologischer und geografischer Hinsicht. Ihr Anwendungsbereich beschränkte sich auf die europäische Kultur und die neu entdeckten amerikanischen Gebiete.

Wichtige Entwicklungen der Zeit:

• Die Renaissance war zeitgleich mit der Epoche der Entdeckungen und Eroberungen in Übersee.
• Die Reformation führte zur Verbreitung des Buchdrucks und zum Aufkommen des merkantilen Kapitalismus.
• Der Künstler wird nicht mehr als Handwerker betrachtet, der in der Zunft arbeitet, sondern übt einen freien Beruf aus.
• Die Figur des Mäzens gewinnt eine herausragende Rolle, da er die Arbeit finanziert, um sein soziales Prestige und die Ehre seiner Familie zu steigern.
• Die Perspektive, das geometrische Interesse an der menschlichen Anatomie und die Techniken des architektonischen Bauens werden weiterentwickelt.