Meisterwerke der italienischen Renaissance

San Pietro in Montorio: Bramantes Tempietto

Stil: 1. Hälfte des 16. Jahrhunderts, Renaissance, Klassizismus, Cinquecento.
Material: Marmor und Granit.

Dieser Tempel wurde von den Katholischen Königen finanziert, um das Martyrium des Heiligen Petrus zu gedenken und thront auf dem Felsen, wo der Heilige geopfert wurde. Beachten Sie die platonische Konzeption, die besagt, dass die Kugelform Gott entsprach und die Kuppel den Übergang von der irdischen Welt in den Himmel symbolisierte. Bramante plante ursprünglich einen kreisrunden Hof, der den Tempel umrahmen sollte. Dieser Plan konnte jedoch nicht vollständig umgesetzt werden, weshalb der Tempietto heute etwas beengt im Kloster von San Pietro wirkt.

Der Bau ist zentral und kreisförmig angelegt. Das Peristyl, eine Säulenhalle, die den Tempel umgibt, besteht aus 16 toskanischen Säulen. Es steht auf einem gestuften Sockel und trägt ein Gebälk aus Architrav, Fries und Gesims. Der Fries ist in Triglyphen und Metopen unterteilt, die mit Basreliefs von Instrumenten des Martyriums des Heiligen Petrus und Objekten des christlichen Gottesdienstes verziert sind. Die obere Etage wird von einer Balustrade um das Gebäude eingefasst. Der zylindrische Aufbau, der den zweiten Stock bildet, gleicht einer Trommel. Er ist mit abwechselnd offenen und blinden Fenstern sowie Nischen in Form von Halbkuppeln versehen, die in Muschelformen enden. Den Tempel krönt eine gerippte, halbkugelförmige Kuppel, deren Rippen in einer Laterne zusammenlaufen, die von einem Kreuz überragt wird.

Fra Angelicos Verkündigung: Meisterwerk des Quattrocento

Chronologie: 15. Jahrhundert (Quattrocento).
Stil: Italienische Renaissance.
Technik: Tempera auf Holz.
Standort: Museo del Prado, Madrid.

Das religiöse Thema der Verkündigung zeigt die Jungfrau Maria, die vom Engel die Nachricht ihrer Schwangerschaft empfängt. Die Verkündigung ist Teil eines Altargemäldes, dessen zentrale Tafel die Szene der Verkündigung darstellt. Die beiden Hauptfiguren sind jeweils unter einem Bogen platziert. Der Erzengel Gabriel nimmt den zentralen Teil der Komposition ein, während die Jungfrau auf der rechten Seite platziert ist. Der Engel ist leicht geneigt, während Maria mit über der Brust verschränkten Armen und einem aufgeschlagenen Buch auf ihrem rechten Bein schaut. Ein Lichtstrahl erhellt die Jungfrau Maria, und eine Taube, Symbol des Heiligen Geistes, strömt durch den Strahl auf Maria zu.

Im Hintergrund links ist die Szene der Vertreibung von Adam und Eva aus dem Paradies dargestellt. Drei Medaillons schmücken den Pavillon: In der Mitte erscheint die Büste Jesu, darüber formt der Heilige Geist als Taube die Dreifaltigkeit, und Gottvater ist durch seine mächtige Hand angedeutet. Der türlose Eingang, der zu Marias Gemach führt, verleiht der Szene Tiefe.

Fra Angelicos Kunst ist ein herausragendes Beispiel für die Errungenschaften der frühen Quattrocento-Maler:

• Anwendung der Perspektive
• Detaillierte architektonische Hintergründe
• Darstellung menschlicherer Figuren

Botticellis Geburt der Venus: Mythos und Symbolik

Chronologie: 15. Jahrhundert (Quattrocento).
Stil: Italienische Renaissance.
Technik: Tempera auf Leinwand.

Die Geburt der Venus ist kein religiöses Thema. Das Gemälde stellt nicht die Geburt der Venus, der römischen Göttin der Liebe und Schönheit, dar, sondern ihre Ankunft auf der Insel Kythera. Venus wird an den Strand getrieben, vom wehenden Zephyr, dem Westwind, und Chloris, seiner Partnerin und Herrin der Blumen, die eng umschlungen fliegen. Am Ufer wartet die Hora des Frühlings, um sie in ein mit Blumen besticktes Gewand zu hüllen.

Es ist nicht nur eine einfache Feier der weiblichen Schönheit, sondern eine Anspielung auf die Macht der Liebe. Das Gemälde enthält viele Symbole:

• Die auf die Göttin fallenden Rosen stehen für Liebe und Freude, aber auch für den Schmerz (wegen der Dornen).
• Die Muschel bezieht sich auf Fruchtbarkeit.
• Der Kranz der Frühlingsgöttin symbolisiert ewige Liebe.

Dieses Gemälde ist eine lineare Malerei, bei der schwarze Linien die Konturen der Protagonisten betonen. Es nutzt weiche Farben und ein nahezu gleichmäßiges Licht. Die Blässe der Venus und der anderen weiblichen Figuren kontrastiert mit der dunkleren Haut des Mannes. Die Körper sind schlank und zeigen eine geringere muskuläre Entwicklung im Vergleich zu den Darstellungen anderer Renaissance-Künstler. Die Komposition ist zentralisiert. Die vier Figuren, die das Bild komponieren, von denen zwei miteinander verbunden sind, erzeugen ein Gleichgewicht von Kräften, die der Szene Harmonie und Bewegung verleihen. Venus steht auf einem Bein, das als Drehpunkt dient, während das andere frei ist, ganz nach dem Vorbild der griechischen Bildhauerkunst (Kontrapost). Sie wird auf der rechten Seite durch die Frühlingsgöttin ausgeglichen, die eilig herbeieilt, um Venus mit ihrem Mantel zu bedecken. Die Landschaft ist idealisiert und als Rahmen konzipiert. Dieses berühmte Gemälde war eine Revolution seiner Zeit, da es zum ersten Mal ein mythologisches Thema in einem großformatigen Gemälde darstellte, Nacktheit zeigte und neue bildnerische Lösungen erprobte.

Leonardo da Vincis Mona Lisa: Das rätselhafte Lächeln

Chronologie: ca. 1503-1519.
Stil: Italienische Hochrenaissance, Klassizismus, Cinquecento.
Technik: Öl auf Pappelholz.
Standort: Louvre Museum, Paris.

Das Thema dieses Gemäldes ist ein Porträt. Ebenso rätselhaft wie der Ausdruck der Mona Lisa ist ihre Identität. Es wurde viel über ihre Identität spekuliert: von einem Schönheitsideal des Künstlers über eine junge Frau, eine Geliebte Giuliano de' Medicis bis hin zu einem Selbstporträt Leonardos in Frauenkleidern.

Die Komposition ist einfach: Eine Frau sitzt in einem Sessel vor einer Landschaft. Die Dame wendet ihren Körper zur Seite und richtet einen rätselhaften Blick auf den Betrachter. Der Hauptfluchtpunkt ist das Gesicht der Frau, obwohl ein zweiter Punkt ihre Hände sind. Die linke Horizontlinie ist höher als die rechte, wodurch die Frau auf der linken Seite des Bildes höher und mit einem anderen Ausdruck erscheint als auf der rechten Seite.

Vielleicht, was die meiste Aufmerksamkeit der rätselhaften Mona Lisa anzieht, ist ihr Blick und ihr geheimnisvolles und attraktives Lächeln. Das Fehlen von Wimpern und Augenbrauen sowie die grünliche Verfärbung des Gesichts, die auf eine schlechte Restaurierung zurückzuführen ist, können ihre Anziehungskraft noch verstärken. Der Hintergrund des Gemäldes ist die Landschaft. Leonardo nutzte die Sfumato-Technik (eine verschwimmende Maltechnik). Das Licht wirkt unwirklich, und die Farbskala ist gedämpfter als bei seinen Zeitgenossen, wobei Brauntöne dominieren. Durch die Sfumato-Technik wirkt die Mona Lisa unwirklich, engelhaft und doch zutiefst menschlich.