Meisterwerke der Kunstgeschichte: Architektur und Skulptur von der Antike bis zur Moderne

Parthenon: Chronologie, Stil und Aufbau

Chronologie und Stil

Der Parthenon wurde zwischen 447 und 432 v. Chr. erbaut. Er repräsentiert den klassischen griechischen Stil. Die Architekten waren Iktinos und Kallikrates, unter der Aufsicht von Phidias.

Materialien: Pentelischer Marmor und Holz. Bausystem: Architrav (Sturzbauweise).

Vor dem Parthenon gab es einen ersten Tempel, der nie fertiggestellt und durch den heutigen Bau ersetzt wurde. Dieses Gebäude, das auf menschlicher Ebene konzipiert wurde, zeichnet sich durch die Dominanz gerader Linien aus, wie es die Architrav-Bauweise impliziert. Die griechische Architektur übernahm die ägyptischen Bezüge, die ebenfalls durch gerade Linien gekennzeichnet waren.

Tragende und gestützte Elemente

Die tragenden Elemente sind die Säulen, die ein Gebälk stützen. Das Gebälk des Parthenon besteht aus einem horizontalen Architrav, einem Fries und einem Gesims, das um den gesamten Umfang verläuft. Zusammen mit den Innenwänden und Säulen trägt es das geneigte Satteldach, das an den beiden Stirnseiten zu Giebeln führt (äußere und innere Giebel).

Raum und Ordnung

Der Parthenon wurde gemäß den Vorschriften der Dorischen Ordnung errichtet. Er ist ein Oktastylos, da er acht Säulen an der Hauptfassade besitzt, mit zwei Säulenhallen an beiden Fronten (Hexastylos, da es eine zweite Reihe von Säulen gibt) und ein Peripteros, da das Gebäude vollständig von Säulen umgeben ist.

Der Tempel erhebt sich auf dem Stylobat, der auf einem oder zwei Stereobaten ruht und die Treppe bildet, die den Zugang von allen Seiten ermöglicht. Darauf erheben sich, ohne Basis, die dorischen Säulen: schwer, direkt und imposant. Die Schäfte sind robust, von geringer Höhe (zwischen dem Vier- und Sechsfachen des unteren Durchmessers) und bestehen aus Blöcken, die optisch durch scharfe Kanneluren verbunden sind. Kurz vor dem Kapitell, das aus einem Abakus und einem Echinus besteht, befindet sich der Hypotrachelion (Hals), eine konkave Form, die so subtil ist, dass sie kaum wahrgenommen wird.

Darüber liegt das Entablement, bestehend aus:

• Dem Architrav, der direkt auf den Säulen ruht (glatt, ohne Dekoration).
• Dem Fries, unterteilt in Triglyphen und Metopen.
• Dem Gesims, das hervorsteht.

Der Giebel, der ein Dreieck bildet, dessen Basis das Gesims ist, war mit Skulpturen gefüllt, von denen einige noch erhalten sind.

Innenraum und Funktion

Der Parthenon war ein rechteckiges Gebäude mit einer inneren Cella, die in zwei Räume unterteilt war. Da diese Räume keinen Kontakt zur Außenwelt hatten, war ein Doppel-Tempel notwendig, weshalb es zwei Zugangsfassaden mit Portiken gab.

Der größere Raum enthielt die berühmte chryselephantine Statue (Gold und Elfenbein) der Athene (12,8 m hoch), die dem Tempel gewidmet war und von Phidias geformt wurde. Die Fenster, falls vorhanden, befanden sich am Ostportal, sodass die Statue beim Sonnenaufgang von den Strahlen beleuchtet wurde.

Der kleinere Raum, der Opisthodomos, beherbergte den Schatz des Tempels.

Bedeutung

Die Hauptfassade des Tempels war nach Osten ausgerichtet, zum Sonnenaufgang hin, wie es bei allen religiösen Gebäuden der Antike üblich war. Diese Ausrichtung bedeutete, dass der Haupteingang des Gebäudes von der Akropolis abgewandt war.

Das Theater von Epidaurus

Eckdaten und Stil

• Architekt: Polyklet von Sikyon, genannt der Jüngere.
• Art des Werkes: Theatergebäude.
• Stil: Klassische griechische Kunst.
• Chronologie: Ca. 330 v. Chr.
• Geografische Lage: Epidaurus in Argolis, Peloponnes.

Architektur und Akustik

Das Theater hat eine hufeisen- oder halbkreisförmige Form. Ursprünglich hatte das Theater 30 Sitzreihen, später wurden 20 weitere hinzugefügt und durch einen Gang getrennt. Es bot Platz für 14.000 Zuschauer.

Die Akustik dieses Theaters ist außergewöhnlich: Die am weitesten entfernte Reihe kann perfekt hören, was auf der Bühne gesprochen wird.

Das Orchester war kreisförmig (Durchmesser 20,30 Meter), ein Kreis zwischen den Sitzreihen (Cavea) und der Bühne. Hier entwickelte der Chor seine Aufführungen, sang Lieder und führte rituelle Tänze auf. Hier befand sich auch der Altar des Dionysos.

Das griechische Theater wurde in die natürlichen Gegebenheiten des Geländes integriert, meist auf einem Hügel errichtet, um den Zuschauerraum (Cavea) zu bilden. Die Sitzreihen wurden oft in den Fels gehauen. Diese Anordnung ermöglichte eine optimale Sicht auf das Orchester von jedem Punkt des Zuschauerraums.

Das Theater von Epidaurus ist in zwölf radial verlaufende Teile unterteilt, die in einem zentralen Punkt in der Mitte des Orchesters zusammenlaufen. Die beiden äußeren Seiten überschreiten die kanonische Kreisform und führen zur Szene.

Spätere römische Theater, die Erben der griechischen, hatten keine vollständige Semicircumferentia (Halbkreis-Cavea). Dennoch finden in Epidaurus auch heute noch Aufführungen statt, und das dortige Theaterfestival ist das wichtigste in Griechenland. Es gilt als eines der schönsten und am besten erhaltenen antiken griechischen Theater.

Der Pergamonaltar

Hellenistisches Meisterwerk

Der Pergamonaltar ist ein religiöses Denkmal aus der hellenistischen Zeit, das auf der Akropolis der Stadt Pergamon errichtet wurde, wahrscheinlich zu Beginn der Herrschaft von Eumenes II. (197–159 v. Chr.).

Seine monumentalen Friese, die die Gigantomachie und die Geschichte des Telephos darstellen, gelten als eines der Meisterwerke der griechischen Plastik und repräsentieren den sogenannten „hellenistischen Barock“. Der Altar entstand in einer Zeit, in der die Weltwunder geschaffen wurden.

Analyse Griechischer Plastik: Kouros und Doryphoros

Frühe Statuen und Archaismen

Die Darstellung einer Frau zeigt oft die maximale Entwicklung ihrer Muskelkraft, ohne dass die Figur dabei einen übertriebenen Zug aufweist. Eine männliche Figur (möglicherweise ein Kouros) wird in einer schreitenden Haltung dargestellt, mit dem linken Fuß voran, der Kopf leicht nach rechts geneigt und mit einem Lächeln im Gesicht, begleitet von einem fernen und verlorenen Blick.

Obwohl dieses Werk als klassisch gilt, bewahrt es noch gewisse Archaismen mit einer gewissen groben Schnittführung: Die Brustmuskeln sind flach, kaum entlastet, und die Linien von Hüfte und Taille sind perfekt markiert. Die Bewegung der Figur ist perfekt gemessen: Das vorgeschobene Bein steht gerade, während das andere leicht zurückgesetzt ist – eine Verzögerung im Vergleich zum Bild des Kouros der vorangegangenen Zeit.

Der Doryphoros und Polyklets Kanon

Die Schönheit des Doryphoros (Speerträger) liegt primär in seinen Proportionen und seiner Haltung. Das rechte Bein ist das Standbein, das das Gewicht des Körpers fest auf dem Boden trägt und die Hüfte auf dieser Seite anhebt. Das linke Bein trägt kein Gewicht und berührt den Boden nur mit den Zehen, leicht zurückgesetzt.

Im oberen Teil ist die funktionale Verteilung der Lasten ebenfalls klar: Der rechte Arm führt keine Aktion aus und hängt entspannt am Körper herab, während der linke Arm angewinkelt ist, um den Speer zu halten, den er ursprünglich trug. Der Rumpf biegt sich leicht zur rechten Seite, und der Kopf dreht sich und neigt sich leicht in dieselbe Richtung. In dieser Position wird die Körperhaltung als Contrapposto bezeichnet.

Obwohl die vertikale Achse klar erkennbar ist, brach Polyklet mit dem traditionellen Begriff der Symmetrie, indem er die Körperteile der Achse unterordnete und sie in den Dienst der Gesamtskulptur stellte.

Der Doryphoros ist Polyklets berühmtestes Werk, da der griechische Künstler in ihm den Kanon der Schönheit von sieben Kopfhöhen festlegte. Er gilt als das Modell für die Proportionen des menschlichen Körpers und die praktische Umsetzung dieses Systems.

Der Kopf ist gerade (ein Siebtel der Gesamthöhe), die Winde und das Unglück sind sehr ausgeprägt, was eine gewisse Steifheit und Übertreibung in der Brust und eine unnatürliche Darstellung der Gelenke (Diarthrose) zeigt. Wie die meisten griechischen Werke ist das Original (Bronze) nicht erhalten; wir kennen es nur durch spätere Kopien in Marmor. Die am besten erhaltene Kopie befindet sich im Archäologischen Nationalmuseum von Neapel.

Die Figur steht im Contrapposto, wobei ihr Gewicht auf dem Standbein liegt. Das im Archäologischen Nationalmuseum von Athen erhaltene Exemplar hat ein gebrochenes Knie. Es zeigt, dass die meisten Kopien durch die Poren Wasser filtrierten, was den Kalkstein brach und verschiedene Rekonstruktionen erforderlich machte. Der Kopf ist leicht nach rechts geneigt, scheinbar in göttliches Leben versunken.

Der Diadumenos

Der Diadumenos ist neben dem Doryphoros eine der bekanntesten Skulpturen Polyklets. Beide bilden grundlegende Modelle für die Skulptur des antiken Griechenlands, da sie die idealisierte Jugend auf überzeugend naturalistische Weise darstellen.

Die Statue veranschaulicht die von Polyklet in seinem Kanon dargelegten Prinzipien: Die Gesamthöhe entspricht siebenmal der Kopfhöhe, was der Länge des Standbeins entspricht.

Der Diadumenos verkörpert den wahren, emblematischen Klassizismus. Die Skulptur verbindet Gleichgewicht und Dynamik durch eine geschickte Verbindung der Torsion von Rücken und Hüften.

Hôtel Tassel, Brüssel (Victor Horta)

Architektur des Art Nouveau

Das Hôtel Tassel wurde zwischen 1892 und 1893 von Victor Horta in Brüssel, Belgien, errichtet.

Es ist eines der ersten Gebäude des Architekten (genauer gesagt sein zweites Wohnhaus) und gilt als die erste globale Synthese der Modernismo (Art Nouveau) Architektur. Es bleibt ein Leuchtturmwerk, da es zum ersten Mal radikal mit der klassischen Raumaufteilung in Brüsseler Residenzen brach.

Traditionell befand sich der Eingang an der Seite der Fassade und führte über einen langen Flur ins Innere. Dieser Flur ermöglichte den Zugang zu den drei hintereinander liegenden Räumen: dem Salon zur Straße hin, dem Esszimmer in der Mitte und der überdachten Terrasse neben dem Garten. Infolgedessen war das Esszimmer oft sehr dunkel. Die Treppe war normalerweise im Flur versteckt.

Victor Horta platzierte den Eingang in die Mitte der Fassade und verlagerte den zentralen Flur in die Mitte des Hauses, um dort einen Lichtschacht zu installieren.

Dies war auch die erste Anwendung des Prinzips der „darstellenden Architektur“ (siehe Victor Horta). Herr Tassel war Professor an der ULB (Université Libre de Bruxelles). Horta baute eine „Empfangshalle“ am Eingang, die auch als Büro oder Garderobe diente.

Da Herr Tassel ein begeisterter Fotograf und Kinematograf war und seinen Gästen gerne Filme zeigte, baute der Architekt im ersten Stock eine „Terrasse“ über dem Lichtschacht. Er konnte dort den Projektor aufstellen, um auf eine Leinwand im Erdgeschoss zu projizieren.

Im Jahr 2000 wurde das Hôtel Tassel von der UNESCO zusammen mit drei weiteren späteren Bauten zum Weltkulturerbe erklärt.

Amor und Psyche (Antonio Canova)

Neoklassizistische Skulptur

Die Skulptur Amor und Psyche wurde 1787 in Auftrag gegeben, aber erst 1793 von dem berühmten neoklassizistischen Bildhauer Antonio Canova (Possagno, 1757 – Venedig, 1822) fertiggestellt.

Ursprünglich wurde sie 1787 vom spanischen Oberst John Campbell (Lord Cawdor) in Auftrag gegeben, gelangte aber schließlich 1800 in den Besitz des holländischen Sammlers und Händlers Heinrich Hoppe und landete dann in den Händen von Napoleons Schwager, König Joachim Murat von Neapel, der sie für sein Schloss erwarb.

Es ist eine von sechs Versionen der Legende von Amor und Psyche, die von Apuleius in seinen Metamorphosen (Der Goldene Esel) verewigt wurde und Canova inspirierte.

Aktuelle Ausstellung: Louvre, Paris, Frankreich.

• Stil: Neoklassizistisch
• Höhe: 1,55 Meter
• Länge: 1,68 Meter
• Breite: 1,01 Meter
• Material: Marmor
• Technik: Skulptur

Der Denker (Auguste Rodin)

Entstehung und Bedeutung

Der Denker (Französisch: Le Penseur) ist eine der bekanntesten Bronzeskulpturen von Auguste Rodin.

Das Werk, ursprünglich als Der Poet betitelt, war Teil eines Auftrags des Museums für dekorative Künste in Paris, ein monumentales Portal zu schaffen, das auf Dantes Göttlicher Komödie basierte. Jede der Statuen sollte eine der Hauptfiguren des Epos darstellen. Ursprünglich stellte Der Denker Dante selbst dar, wie er vor Die Pforten der Hölle (zu denen das Portal gehörte) über sein großes Gedicht nachdachte.

Die Skulptur ist ein Akt und eine heroische Figur, die Rodin im Stil Michelangelos wünschte, um sowohl den Gedanken als auch die Darstellung der Poesie zu verkörpern.

Es existieren mehr als 20 verschiedene Versionen der Skulptur in Museen auf der ganzen Welt. Einige sind vergrößerte Originalversionen, andere stammen aus verschiedenen Gießereien. Eine Kopie befindet sich im Museo Soumaya in Mexiko-Stadt, eine andere im Museo d'Arte Italiano.

Die Bronzefassung des Denkers wurde 1880 fertiggestellt. Auguste Rodin wurde bei der Anfertigung seiner Arbeit von seinem Schüler Miguel, genannt "der Asturier", unterstützt.

Palau de la Música Catalana (Barcelona)

Meisterwerk des Katalanischen Modernismus

Der Palau de la Música Catalana ist eine Konzerthalle in der Carrer de Sant Pere Més Alt, im Viertel La Ribera in Barcelona, Spanien.

Er wurde von dem Architekten Lluís Domènech i Montaner entworfen, einem der bedeutendsten Vertreter des Katalanischen Modernismus.

Der Bau wurde zwischen 1905 und 1908 durchgeführt. Domènech i Montaner nutzte sehr fortschrittliche strukturelle Lösungen, darunter große Glaswände und die Integration aller Künste: Skulptur, Mosaik, Glasmalerei und Schmiedekunst.

Das Gebäude dient als Hauptsitz des Orfeó Català, der 1891 von Lluís Millet und Amadeu Vives gegründet wurde. Die Finanzierung erfolgte durch illustre katalanische Industrielle und Finanziers sowie Musikliebhaber, dieselbe Schicht, die siebzig Jahre zuvor bereits die Oper und das Gran Teatre del Liceu finanziert hatte.

Im Jahr 1997 nahm die UNESCO das Gebäude in ihre Liste des Weltkulturerbes auf.

Baugeschichte und Funktion

Das Projekt begann mit dem Auftrag des Orfeó Català an den Architekten Lluís Domènech i Montaner, ein Gebäude als neuen sozialen Hauptsitz zu errichten. Das Projekt und das entsprechende Budget wurden der Versammlung am 31. Mai 1904 vorgelegt.

Vor der Fertigstellung des Projekts wurde das Gelände erworben: das Kloster von San Francisco, mit einer Fläche von 1350,75 Quadratmetern, zu einem Endpreis von 240.322,60 Peseten. Dieses Gelände sollte für den Bau des Gebäudes genutzt werden.

Im folgenden Jahr, genauer gesagt am 23. April 1905, fand die Grundsteinlegung statt. Zur Finanzierung wurden 6000 Schuldverschreibungen zu je 100 Peseten ausgegeben.

Etwas mehr als drei Jahre später, am 9. Februar 1908, wurde der Palau eingeweiht. Das Auditorium war für Orchester- und Instrumentalkonzerte sowie für Choraufführungen und Liederabende bestimmt. Im Laufe der Zeit fanden im Palau auch kulturelle und politische Veranstaltungen, Theaterstücke und natürlich verschiedene musikalische Darbietungen statt. Er erfüllt diese Funktionen bis heute, sowohl im Bereich der klassischen als auch der Volksmusik.

Akustik und Restaurierung

Die Akustik des Auditoriums ist unvergleichlich. Die besten Interpreten und Dirigenten der Welt des letzten Jahrhunderts (von Richard Strauss über Daniel Barenboim bis Igor Strawinsky, Arthur Rubinstein, Pau Casals und Frederic Mompou) sind ununterbrochen durch den Palau defiliert, der als Heiligtum der katalanischen Musik und als internationaler Konzertsaal gilt.

Der Palau de la Música Catalana wurde 1971 zum Nationaldenkmal erklärt. Aufgrund seiner Bedeutung wurden Restaurierungsarbeiten unter der Leitung der Architekten Joan Bassegoda i Nonell und George Vilardaga durchgeführt.

In den 1980er Jahren beschloss der Orfeó Català, eine große Reform des Gebäudes durchzuführen. 1983 wurde das Konsortium des Palau de la Música Catalana gegründet, wobei der Orfeó Eigentümer blieb, aber die Stadtverwaltung von Barcelona, die Generalitat de Catalunya und das Kulturministerium beteiligt waren.

Mit Blick auf die Bauarbeiten wurde Óscar Tusquets mit dem Projekt beauftragt. Diese Arbeiten dauerten sieben Jahre. Tusquets führte das gesamte Projekt durch, das 1989 mit dem FAD-Preis für Architektur ausgezeichnet wurde. Lluís Domènech Girbau, der Architekt des ursprünglichen Palau, schrieb über diese Arbeiten lobend:

Die Sanierung der Zugänge und Räume sowie der Bau des neuen Nebengebäudes (...) haben zu einem kooperativen und kreativen Werk geführt, das in Bezug auf Sicherheit, Komfort und Akustik perfekt auf dem neuesten Stand ist, im radikalsten und innovativsten Geist, den Domènech i Montaner von Anfang an liebte und eröffnete.

Im Jahr 1990 wurde die Stiftung Palau de la Música Catalana – Orfeó Català gegründet, um die Hundertjahrfeier des Orfeó zu begehen und zusätzliche private Mittel durch im Palau organisierte Aktivitäten zu beschaffen.

Der Deutsche Pavillon (Mies van der Rohe)

Ikone der Modernen Architektur

Der Deutsche Pavillon (auch Barcelona-Pavillon genannt) wurde von Ludwig Mies van der Rohe entworfen und diente als Repräsentationspavillon Deutschlands auf der Internationalen Ausstellung, die 1929 in Barcelona stattfand.

Es ist ein äußerst wichtiges Gebäude in der Geschichte der modernen Architektur, da in ihm alle Ideen der damals aufkommenden Modernen Bewegung mit größerer Freiheit als in anderen Werken umgesetzt wurden. Dies lag daran, dass es keine andere Funktion hatte, als diese neuen Ideen zu präsentieren, insbesondere die Nutzung von Raum, Licht und neuen Bautechniken.

Innerhalb des Geländes der Internationalen Ausstellung wurde der Standort des Deutschen Pavillons vom Architekten selbst gewählt: ein etwas abgelegener Ort, abseits der Hauptachse der Ausstellung, wo sich die großen, für diesen Anlass errichteten Gebäude befanden. Darüber hinaus überrascht der Pavillon durch seine bescheidene Größe, da er kleiner ist als ein Einfamilienhaus.

Konstruktion und Materialien

Das Gebäude wurde auf einem Podium errichtet, das mit Travertin verkleidet war. Vor und um das Gebäude herum befanden sich zwei Wasserbecken. Der Zugang erfolgte über eine kleine, tangential zum Podium verlaufende Treppe.

Die Struktur bestand aus acht kreuzförmigen Stahlsäulen, die ein leichtes Dach trugen. Ergänzt wurde das Werk durch Innenwände, die von der Struktur freistehend waren und aus großen Marmorstücken sowie großen verglasten Abschlüssen bestanden. Der Gesamteindruck ist ein luxuriöser Raum, der durch senkrechte Ebenen in den drei Dimensionen geschaffen wird.

Ergänzt wurde das Werk durch die Skulptur Der Morgen von Georg Kolbe, eine spärliche Möblierung, bestehend aus Stühlen, die vom Architekten selbst entworfen wurden (die berühmten Barcelona-Stühle, die ein wichtiges Element in der Geschichte des Designs des 20. Jahrhunderts darstellen), einem Vorhang und einem schwarzen Teppich, der mit der Farbe des gelbbraunen Marmors kombiniert wurde und die Farben der deutschen Flagge imitierte.

Wiederaufbau

Nach dem Ende der Ausstellung wurde der Pavillon demontiert. Doch im Laufe der Zeit wurde dieses Werk zu einem Schlüsselreferenzpunkt in der Geschichte der Architektur des 20. Jahrhunderts und für die Karriere von Ludwig Mies van der Rohe.

Aus diesem Grund wurde 1980 auf Initiative von Oriol Bohigas von der Stadtverwaltung Barcelonas der Wiederaufbau des Gebäudes am ursprünglichen Standort geplant. Die Arbeiten begannen 1983 unter der Leitung der Architekten Ignasi Solà-Morales, Cristian Cirici und Fernando Ramos. Die Rekonstruktion basierte vollständig auf dem ursprünglichen Design, den Materialien und den Techniken und wurde 1986 eingeweiht.

Fallingwater (Haus am Wasserfall)

Organische Architektur von Frank Lloyd Wright

Das Haus Fallingwater (Haus am Wasserfall) in Pennsylvania, USA, wurde 1939 fertiggestellt. Frank Lloyd Wright (1876–1959) wird von einigen Autoren als der bedeutendste amerikanische Architekt angesehen. Fallingwater gilt als sein berühmtestes Werk. Das American Institute of Architects (AIA) bezeichnete es als „eines der besten Werke der amerikanischen Architektur“.

Das Haus wurde zwischen 1934 und 1935 entworfen und von 1936 bis 1937 in Pennsylvania für Edgar Kaufmann Sr., seine Frau Liliane und ihren Sohn Edgar Jr. gebaut, die Eigentümer eines großen Kaufhauses in Pittsburgh waren. Heute ist Fallingwater ein nationales Denkmal der USA und gehört dem Western Pennsylvania Conservancy.

Fallingwater ist ein frühes Beispiel für die von Wright in seinem Atelier und seiner Schule Taliesin betonte Organische Architektur. Dieses Konzept bestand im Wesentlichen darin, das Gebäude in eine Einheit mit den Umweltfaktoren des Ortes, den verwendeten Materialien, den Bauprozessen und dem menschlichen Nutzer (dem Kunden) zu integrieren.

Entwurf und Anekdoten

Es gibt mehrere Anekdoten über den Bau von Fallingwater. Die Kaufmanns bevorzugten es, dass ihr Anwesen vor dem Bach, über den der Wasserfall floss, lag.

Nachdem Wright den Ort besichtigt hatte und Herr Kaufmann vorschlug, das Haus über dem Wasserfall zu bauen (was akzeptiert wurde), soll Frank Lloyd Wright neun Monate lang „ohne einen Bleistift anzufassen“ das Projekt in seinem Kopf entwickelt haben.

Als Edgar Kaufmann seinen Besuch in Taliesin ankündigte (September 1935), zeichnete Wright den ersten Entwurf des Hauses und entwickelte die Pläne in wenigen Stunden. Wright kommentierte gegenüber Kaufmann: „Ich habe die Musik des Wasserfalls entworfen... damit Sie ihn hören können, wo immer Sie sind.“ Tatsächlich ist das Geräusch des Wasserfalls heute von jedem Punkt des Hauses aus wahrnehmbar.