Merkmale der Musik der Romantik

Technische Merkmale der Romantik

Melodie, Harmonie und Ausdruck

In der Romantik entstanden neue Formen der melodischen Gestaltung. Während die klassische Melodik oft auf Ausgewogenheit und Stärke abzielte, versuchte die romantische Melodie zu überraschen und war vor allem ausdrucksstark. Auch die harmonische Organisation entwickelte sich weiter: Das etablierte tonale System, basierend auf dem Dreiklang und seinen Erweiterungen, blieb zwar die Grundlage, wurde aber polyphon erweitert. Die Harmonik gewann an Ausdruckskraft, sowohl in einzelnen Akkorden als auch in harmonischen Verläufen. Generell gab es mehr Freiheit im Umgang mit Dissonanzen und eine intensivere Erforschung der Chromatik, insbesondere bei Komponisten wie Schumann und Chopin. Im Gegensatz dazu blieb die Harmonik in der italienischen Oper, in der der Sologesang dominierte, in der Regel einfacher gehalten.

Neue Klangfarben und Orchestrierung

Es gab eine systematische Suche nach neuen Klangfarben. Aufbauend auf dem kodifizierten klassischen Orchester gewannen einzelne Instrumente, insbesondere die Bläser (sowohl Holz- als auch Blechbläser), an Bedeutung. Das romantische Orchester integrierte neue Instrumente und erweiterte die Möglichkeiten, sie zu kombinieren. Das Thema der Orchestrierung wurde systematisch erforscht, was zu den ersten schriftlichen Versuchen führte, die neuen „Eroberungen“ zu kodifizieren. So entstanden die ersten Abhandlungen über Orchestrierung, wie die von Hector Berlioz.

Die Bedeutung kleiner musikalischer Formen

Die großen romantischen Komponisten schrieben zwar weiterhin Klaviersonaten, Kammermusik oder Sinfonien, doch ihre musikalischen Ideen kamen oft am besten in kleineren Formen zum Ausdruck. Generell verloren die Komponisten der Romantik das Interesse an der klassischen thematischen Entwicklung und zogen es vor, große Formen durch die Aneinanderreihung von Episoden zu gestalten. Ihr Fokus verlagerte sich auf das Detail. Man glaubte, dass eine einfachere und konstruktiv weniger starre Form den Ausdruck besser ermöglichte und zu höherer Qualität führte.

Das romantische Lied

Das Lied ist eine kurze musikalische Komposition für Singstimme, in der Regel mit Klavierbegleitung. In den meisten Liedern ist das Klavier weit mehr als eine bloße Begleitung der Stimme. Stattdessen behandelten die Komponisten Stimme und Klavier als gleichberechtigte Partner. Oft hatte das Klavier die Aufgabe, die passende Atmosphäre zu schaffen und dramatische oder bildliche Details hinzuzufügen. Aufgrund seines intimen Charakters wurde das Lied selten im großen Konzertsaal aufgeführt.

Der Stil ist raffiniert und verzichtet auf vordergründige Gesangseffekte. Das entscheidende Merkmal, das das romantische Lied definiert, ist die Verschmelzung von Musik und Poesie. Als Grundlage dienten Gedichte der besten deutschen Dichter. Manchmal wurden Lieder zu einem Liederzyklus zusammengefasst, der auf einer Reihe von Gedichten mit einer gemeinsamen Idee basierte oder eine Geschichte erzählte.

Formen des Liedes

Einfaches Strophenlied

Dies ist das einfachste Modell. Der Text besteht aus einem Gedicht mit mehreren regelmäßigen Strophen, für die der Komponist dieselbe Musik schreibt (Schema: A-A-A).

Variiertes Strophenlied

Hier wird die Melodie oder die Begleitung leicht variiert, um jeder Strophe unterschiedliche expressive Nuancen zu verleihen, obwohl das musikalische Grundmaterial gleich bleibt (Schema: A-A'-A'').

Durchkomponiertes Lied

Melodie und Begleitung sind ständig neu und folgen dem Verlauf der Handlung oder des Textes.

Lied in ABA-Form

Ein musikalischer Abschnitt eröffnet und schließt die Komposition, während ein anderer, mehr oder weniger kontrastierender Teil in der Mitte steht.

Rondoform

Ein wiederkehrender Abschnitt (Refrain) wechselt sich mit unterschiedlichen Strophen (Episoden) ab.

Der Musiker in der Romantik

Der Künstler im Konflikt mit der Gesellschaft

Der Musiker des 19. Jahrhunderts erlangte ein beträchtliches Maß an persönlicher Freiheit, doch diese war nicht klar definiert und ihre Ausübung oft unsicher. Der Subjektivismus herrschte in der Musik vor, und es entstanden zunehmend Werke ohne Auftraggeber. Die Komponisten sahen sich mit dem Kunstgeschmack neuer sozialer Schichten konfrontiert – einem Bürgertum, das nach leicht zugänglicher Unterhaltung verlangte. Der Musiker fühlte sich oft sozial isoliert und missverstanden, eine Art „artiste maudit“ (verdammter Künstler), der jene als Feinde betrachtete, die Kunst nur als Dekoration und nicht als eine neue Religion ansahen. Das Leitbild des romantischen Musikers wurde der Künstler im Konflikt mit der Gesellschaft, ein Konflikt, der oft zu Wahnsinn und frühem Tod führte. Das wachsende historische Interesse führte dazu, dass auch frühere Musiker wie Mozart oder Pergolesi fälschlicherweise als „romantische“ Künstler betrachtet wurden.

Neue Wege zum Überleben

Der „freie“ Komponist des 19. Jahrhunderts musste neue Wege finden, um seinen Lebensunterhalt zu sichern. Dank ihrer hohen kulturellen und literarischen Bildung wurden viele zu Mitarbeitern oder Leitern neuer Medien wie Zeitungen und Fachzeitschriften, so zum Beispiel Berlioz und Schumann. Der eigentliche Erfolg wurde jedoch auf zwei traditionellen Wegen erreicht, die nun neue Facetten aufwiesen: als ausübender Künstler und als Virtuose. Der neue instrumentale „Divo“ konkurrierte erfolgreich mit den traditionellen Gesangsstars. Persönlichkeiten wie Paganini an der Geige oder Liszt am Klavier eröffneten neue Wege, um ein großes Publikum zu erreichen, das von ihren technischen Fähigkeiten begeistert war. Die Virtuosität, die notwendig war, um die Massen zu fesseln, prägte die Musik selbst und trieb die Entwicklung der Instrumentalsprache voran. Die Größe der Orchester und die Komplexität der neuen Partituren schufen die Bühne für einen weiteren neuen Star: den Dirigenten, den es in dieser Form zuvor nicht gab. Theaterkomponisten mussten ihre Musik oft unter großem Zeitdruck schreiben. Die Spannung zwischen künstlerischer Schöpfung und den Anforderungen des Marktes ist ein Schlüssel zum Verständnis dieses Jahrhunderts.

Fallbeispiel: Wagners Musikdrama

Siegfrieds Trauermarsch aus der „Götterdämmerung“

Ein Beispiel ist Siegfrieds Trauermarsch aus Richard Wagners Oper „Götterdämmerung“. Sie ist die vierte und letzte Oper seines Zyklus „Der Ring des Nibelungen“, der an vier aufeinanderfolgenden Abenden aufgeführt wurde. Wagners Opern sind als durchkomponierte Werke konzipiert, mit durchgehender Musik vom Anfang bis zum Ende jedes Aktes. Das musikalische Gewebe enthält viele miteinander verflochtene musikalische Motive, die in der Regel kurz sind und als Leitmotive bezeichnet werden.

Jedes dieser Leitmotive repräsentiert eine Figur, ein Objekt, eine Idee, eine Emotion oder einen Ort. Wagner entwickelt diese musikalischen Ideen im Verlauf der Oper symbolisch weiter und passt sie durch Veränderungen und Transformationen der jeweiligen dramatischen Situation an.

Orchesterbesetzung des Trauermarschs

Die Orchesterbesetzung für Siegfrieds Trauermarsch bei Wagner ist sehr groß:

• Holzbläser: 1 Piccoloflöte, 3 Flöten, 3 Oboen, 1 Englischhorn, 3 Klarinetten, 1 Bassklarinette, 3 Fagotte
• Blechbläser: 4 Hörner, 2 Tenortuben, 2 Basstuben, 3 Trompeten, 1 Bassposaune, 3 Posaunen, 1 Kontrabasstuba
• Schlagwerk: 4 Pauken, Triangel, Becken, Rührtrommel
• Saiteninstrumente: 6 Harfen und eine große Streicherbesetzung