Miguel Hernández und die Entwicklung der spanischen Literatur

Miguel Hernández: Natur als Inspirationsquelle

Miguel Hernández, oft als der „große Hirte“ bezeichnet, verstand es, der Natur Poesie zu entlocken. Die tiefe Präsenz der Natur in seinem Werk ist eng mit seiner Biografie verbunden, da er einen Großteil seiner Kindheit und Jugend in der ländlichen und viehwirtschaftlich geprägten Umgebung von Orihuela verbrachte. Der Dichter, ein gebildeter Modernist, schildert in seinen Werken gefühlvolle Szenen aus dem Gemüsegarten, von Weiden und Pflanzen, wie beispielsweise in seinem Gedicht „Pastoral“.

Die ländliche Prägung und poetische Transformation

Sein Werk ist eine Hommage an die Landschaft und zeigt die untrennbare Verbindung zwischen menschlichen Gefühlen und der Natur. Hernández sah sich als „verlorenen Sohn der Natur“, der sie eines Tages verließ, um sich der Kultur zuzuwenden, nur um später für immer zu ihr zurückzukehren. Seine literarische Reise beginnt mit Perito en lunas, einem Werk, das eine intellektuelle Einheit, Ästhetik und eine Objektivierung der Gefühle darstellt. Er genoss das Spiel der Worte, ohne zu ahnen, dass seine eigentliche Mission darin bestand, die Poesie zur Natur zurückzuführen und ihr einen natürlichen Ausdruck zu verleihen.

Flora und Fauna als Ausdrucksmittel in Hernández' Werk

Seine Gedichte sind reich an Flora und Fauna: Schafe, Stiere und Bienen dienen ihm als Metaphern, um seine leidenschaftliche Liebe auszudrücken. In El rayo que no cesa (Der Strahl, der nicht aufhört) wird die Liebe in einem Ton gequälter Leidenschaft behandelt. Metaphern und ländliche Motive vermitteln eine eindringliche Kraft, wobei Fauna, Flora und der metaphorische Fluss der Sprache eine zentrale Rolle spielen. Hernández suchte nach stärkeren Bildern, indem er Sonette mit scharfen, metallischen Konstruktionen schuf, die seine Art, die Natur zu erfassen, beeinflussten, aber auch weniger konventionelle Metriken nutzte. Das „Messer“ ist dabei metaphorisch, aber zugleich real und verletzend, und hinterlässt ein einfaches Bild, in dem es „am Ende der Zeit gelb wird“. In „Mein Name ist Schlamm“ wird der Mensch im Schlamm degradiert.

Die vier Elemente und ihre tiefere Symbolik

Die Elegien für Ramón Sijé und den Bäcker von Orihuela sind nicht aus Worten, sondern aus den Dingen selbst gemacht. Auch die vier vorsokratischen Elemente werden behandelt:

• Wasser: Vital und kraftvoll, wie die Flüssigkeit, die die Natur durchzieht – als Fluss, Meer, Eis oder Tränen.
• Feuer: Symbolisiert durch Sonne, Vulkan, Blitze und Asche.
• Erde: Der Ursprung von allem, aber auch der Staub des Vergessens und des Nichts.
• Wind: Steht für Begeisterung, aber auch für Hurrikan und Sturm.

In Viento del pueblo (Wind des Volkes) symbolisieren Wind, Feuer, Blitz und Donner nicht nur die Liebe zur Poesie, sondern auch die Wut und den Heroismus eines Menschen, der sich dem Krieg entgegenstellt. Dies wird zu einer Tragödie, die Land, Luft und Wasser betrifft. In El hombre acecha (Der Mensch lauert) herrscht ein Ton des Pessimismus und der Verzweiflung; das fast völlige Verschwinden des Blitzes ist symptomatisch. Der Mensch wird zu einem lauernden Tier, und eine Kluft hat sich zwischen ihm und der Erde aufgetan.

Krieg, Zerstörung und die Hoffnung der Natur

In Cancionero y romancero de ausencias (Liederbuch und Romanzen der Abwesenheiten) wird das Wasser zu einer Last der Zerstörung, die die drei Schlüsselbegriffe – Leben, Liebe und Tod –, die er in den Sand geschrieben hatte, auslöscht. Das Meer wird jedoch auch zu seinem Freund und Vertrauten. Der Krieg befreit die Häfen der Kultisten und erweckt plötzlich das Leben und die Natur wieder zum Leben, indem er die Landschaft verwandelt. Hernández nimmt Dinge wie das Leben wahr und stattet sie mit Absichten aus: die steinerne Bedrohung, der Mond, der die Venen beeinflusst, der Frühling, der eine Sünde schenkt. Er betrachtet Mensch und Natur als eine Einheit. Er kann die menschliche Vollkommenheit der Natur im Freien nicht verstehen: Der Mensch ist Erde, und die Erde wird gleichbedeutend mit Leben sein.

Spanische Literatur: Epochen und Strömungen

Das neunzehnte Jahrhundert endete für Spanien mit der Katastrophe von 1898. Die nationale Politik und Ideologie wurden dadurch erschüttert, und Intellektuelle forderten eine umfassende Reform des spanischen Lebens. Viele Bewegungen und Autoren traten in diesen turbulenten Jahren hervor. Die Krise führte zur Geburt von Erneuerungsbewegungen.

Die Krise von 1898 und ihre literarischen Folgen

Der Modernismo, der den Beginn dieser Bewegung kennzeichnet, entstand typischerweise nach dem Zusammenschluss einer Gruppe von Schriftstellern, die von ästhetischer Erneuerung und der Suche nach einer Lebensweise besessen waren, die sich von der gewöhnlichen Realität um sie herum abwandte. Zu seinen Merkmalen gehören der Kult der Schönheit, ein raffinierter Ton, der Ausdruck der Intimität des Dichters, exotische Schauplätze, der Klang der Sprache und die Erweiterung der Metrik. Frühe Autoren sind Teil dieses Trends.

Modernismo: Ästhetik und Flucht vor der Realität

Unterdessen suchte eine andere Gruppe von Schriftstellern eine umfassendere Reform. Sie bildeten die Generation von '98. Zwischen 1914 und 1930 waren ihre Erneuerungswünsche radikaler als die der vorhergehenden Bewegungen, im Einklang mit der Avantgarde des europäischen Zwischenkriegszeitraums.

Die Generation von '98: Suche nach umfassender Reform

Die Persönlichkeiten des Novecentismo, wie Ortega y Gasset und Marañón, folgten der reinen Kunst und dem ästhetischen Vergnügen durch eine strenge und intellektuelle Konstruktion ihrer Werke. Bevorzugte Genres waren der Roman und der Essay.

Novecentismo (1914-1930): Intellektualität und reine Kunst

Die Werke der Avantgarde, die an die Grenzen des Verständnisses stießen, forderten den Leser auf, die Realität und ihre künstlerischen Ausdrucksformen zu vertiefen. Die avantgardistischen Strömungen des Kreationismus, des Ultraismus und des Surrealismus waren besonders poetisch und wurden durch Persönlichkeiten wie Ramón Gómez de la Serna gefördert. Sie sprachen die Dichter der Generation von '27 an.

Die Avantgarde: Experimente und neue Ausdrucksformen

Die Autoren der Generation von '27 entwickelten sich auf ähnliche Weise: von der reinen Poesie über den Surrealismus hin zu einer humaneren und der Realität verpflichteten Poesie. Zu den Besonderheiten dieser Generation zählen die Rückbesinnung auf Bécquer und die Anerkennung von Juan Ramón Jiménez als Meister, sowie die Wiederbelebung traditioneller spanischer Themen und Metriken. Bis zum Jahr 1930 widmete sich die Poesie zunehmend menschlichen und sozialen Problemen. Es entstand auch ein sozialkritischer Roman, der im Bürgerkrieg münden sollte.

Die Generation von '27: Poesie zwischen Tradition und Moderne

Miguel Hernández zeichnet sich in der Lyrik während des Bürgerkriegs durch die Qualität und starke Emotionen seiner Gedichte aus, die sich durch sein gesamtes Werk ziehen.

Literatur nach 1930: Soziales Engagement und Bürgerkrieg

Was die Literatur nach dem Bürgerkrieg betrifft, so versuchte man in den 1940er Jahren, sich von der Tragödie des Krieges zu lösen. Verwirrung und Ausflucht sind zwei gegensätzliche Trends, die diese Ära prägten.

Die 1940er Jahre: Verwirrung und Ausflucht

In den 1950er Jahren war der Realismus der vorherrschende Trend in allen Gattungen. Dies war eine Literatur, die mehr Wert auf den Inhalt legte und die Verbindung zum Publikum suchte.

Die 1950er Jahre: Realismus und Publikumsnähe

Von den frühen 1960er Jahren bis Mitte der 1970er Jahre setzte sich der Experimentalismus durch, der versuchte, an die Avantgarde anzuknüpfen. Nach der Ankunft der Demokratie kehrte man zu konventionellen Formeln zurück. Ein prominenter Name dieser Zeit ist Julio Llamazares.

Die 1960er bis 1970er Jahre: Experimentalismus

Nach der Demokratie: Rückkehr zu konventionellen Formen