Miguel Hernández: Leben, Liebe und Tod in seiner Poesie

Miguel Hernández: Leben, Liebe und Tod

Ein Gedicht von Miguel Hernández beginnt oft mit jubelnden, lebendig nuancierten, chromatischen, mediterranen Klängen und strahlt eine festliche Atmosphäre aus. Doch im Laufe seines Lebens nimmt sein Schreiben einen grauen Farbton an und wird zu einem unschätzbaren Dokument, das materielles und moralisches Elend, Leid und den Tod als tragisches, finales Ende entlarvt.

Tragödien und Wandel im Werk

Tragödien prägten sein persönliches Leben: der Mord an drei seiner Schwestern und der frühe Tod seines Erstgeborenen Manuel Ramón. Die frühen Werke, die in den Zeitungen Orihuelas veröffentlicht wurden, zeugten von einer unbeschwerten Lebensphilosophie, kompromissloser Freiheit und sonnigem Optimismus, ähnlich seinen Landschaftsversen.

Die Darstellung des Todes in seinem Werk ist eher ein melancholisches Gefühl, eine rein literarische Art. Experten würden dies bestätigen, wenn die Sinnlichkeit der Natur eine beträchtliche Verschiebung im Fokus beginnt. „Alles hört auf zu leiden, es ist nicht wert zu lieben“ – dies ist der Ausgangspunkt einer tragischen Geschichte, in der der Tod den Tod liebt, wie er die Liebe liebt, wie im Finalen Sonett festgestellt wird.

Doch der Dichter lebt mit Liebe und Leidenschaft, die sich in verschiedenen Formen manifestiert: als Entdeckung (M. Mallo), zitternde Absichtserklärung (Die Calabacica) oder Abwesenheit (J. Manresa) und platonische Liebe als Ferne (M. Cegarra).

Sein Leben war von unaufhörlichen Suchen und Definitionen geprägt, die ihn in Verwirrung, Wunden des Zweifels und tiefen Pessimismus stürzten. Dies verursachte einen inneren „Hurrikan“, der ihn mit „Messern, Schwertern und Todesstrahlen“ quälte und eine untrennbare Einheit von Unsicherheiten bildete. Liebe, die ein stechendes Leid verursacht, Freundschaft und Tod vereinen sich ebenfalls.

Die Elegie auf den Begriff des Lebens von Hernández, die das Beste der kastilischen Sprache vereint, ist nichts anderes als das Werk, das Liebe und Sterben ausdrückt. Dennoch gab er die Hoffnung nie auf, und selbst in jenen poetischen Momenten war seine Stimme wie Wind, der für die kämpfenden Menschen sprach.

Krieg, Gefängnis und die Poesie der Abwesenheit

Das Cancionero y romancero de ausencias ist das Paradigma dieses Gefühls. Nun ist der Tod Leben und der Tod kämpferisch. Er singt konstant und anonym vom Tod, und der 1939 veröffentlichte Schatten lauert auf Helden. Hier entsteht Pessimismus vor dem menschlichen Schatten. Das Genre wird als verwerflich angesehen, voller Hass und Groll, der sich gegen dieselben Schatten richtet.

Enttäuschung und Verzweiflung ergreifen den Geist des Dichters und leiten einen Übergang zu einer introspektiveren Poesie ein. Die intime Beobachtung des Schlachtfeldes und die grausame Gewalt des Krieges führen ihn zum Tod, einem schrecklichen Schauspiel.

Nach Kriegsende beginnt die Zeit im Gefängnis, geprägt von Krankheit und Traurigkeit. Die Gedichte nehmen einen dunklen Hauch von Enttäuschung an, und es erscheinen Lieder und Gedichte der Abwesenheit, die die härteste Wahrheit der Nacktheit offenbaren.

Der Tod seines Erstgeborenen, sein Todesurteil, die entwürdigende Arbeit und seine Behandlung im Gefängnis – Misshandlung, Krankheit, Einsamkeit, familiäre Distanz – eine Reihe aufeinanderfolgender Strafen, die seine innere Stärke brachen und ihn zu einem langen Rückzug führten. Ohne Pathos in seinen Schriften, aber seine Schritte kehren gerne zu seiner Frau und seinem lebenden Sohn zurück, die er liebt und die ihn befreien. Denn der Dichter sagt: „Nur wer liebt und darüber hinaus gelitten hat, dem bleiben Liebe und Freiheit.“