Musikgeschichte: Rokoko, Klassik und Barock im Überblick

Das Rokoko in der Musik und Kunst (1700–1755)

Das Rokoko, oder die Kunst des Louis XV, dominierte die erste Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts in Frankreich. Frankreich war in dieser Zeit der intellektuelle und moralische Leitstern Europas. Der Palast von Versailles und die Akademien wurden in ganz Europa nachgeahmt.

Allgemeine Merkmale des Rokoko

Das Rokoko ist im Wesentlichen eine dekorative und ornamentale Weiterentwicklung des Barock. Es zeichnet sich aus durch:

• Die reichliche Verwendung von Steinen und Muscheln.
• Unregelmäßigkeiten und asymmetrische Linien.
• Wellenförmige, dekorative Pflanzenblätter und Kränze.
• Spiegelmöbel, Porzellan und Chinoiserie.
• Wandteppiche.

Malerei und Musik im Rokoko

In der Malerei sind die Lieblingsthemen galante Feste, Porträts sowie ländliche und pastorale Szenen. Künstler wie Watteau, Boucher und Fragonard stellten das frivole und lustvolle Leben der Oberschicht dar. Dieselbe galante, frivole und sinnliche Haltung prägte auch die Musik.

Die Kunst- und Konzertsäle des achtzehnten Jahrhunderts erinnern an Ritter mit Schnallen und Perücken, Damen mit Hüten und Reifröcken, die Schritte und Rigadoons der Menuette sowie ländliche und pastorale Szenen in Wiesen und Parks.

Instrumentenentwicklung und Virtuosität

Die Verbesserung der Instrumente führte zur Geburt der sinfonischen Kunst in der Mitte des Jahrhunderts.

Bevorzugte Instrumente und Neuerungen

Die bevorzugten Instrumente in den Sälen waren die Violine und das Cembalo, die sich die Vorherrschaft mit der Flöte teilten. In dieser Zeit entstand die Klarinette. Das Fagott und die Oboe wurden perfektioniert. Im Jahr 1709 wurde das Klavier von Bartolomeo Cristofori erfunden.

Die Rolle der Violine

Mit der Einführung der Violine im Orchester durch Corelli entstanden verschiedene Schulen und Interpretationstechniken. Zu den wichtigsten Vertretern dieser Technik zählen:

• Frankreich: Leclair
• Italien: Vivaldi, Veraccini, Viotti, Germiniani, Tartini
• Andere: Kreutzer, Stamitz

In Italien sind neben Albinoni, Dall'Abaco, Locatelli, B. Marcello sowie Germiniani und Veraccini die bedeutendsten Namen für das Violinspiel Vivaldi und Tartini. Auf der Cembalo-Bühne dominierte Domenico Scarlatti.

Das Französische Cembalo

In Frankreich repräsentierte der bedeutendste Violinist, Leclair, die Blütezeit der französischen Sonaten und Konzerte. Das Instrument, das das französische Rokoko am besten repräsentiert, ist jedoch das Cembalo. Höhepunkte der französischen Cembalistenkunst sind François Couperin und Jean-Philippe Rameau.

Übergang zum Klassizismus

Im Großen und Ganzen wurden die instrumentalen Gattungen und Formen, die im siebzehnten Jahrhundert begonnen wurden, weiterentwickelt. Andere Komponisten des Rokoko und des Übergangs zur Klassik sind:

• Christopher Gluck und Pergolessi (Frankreich)
• Johann Stamitz (Schöpfer der Symphonie und Violine) aus Mannheim
• Carl Philipp Emanuel Bach (Schöpfer des Sonatenstrukturplans)
• John Matheson und Georg Philipp Telemann (Nord- und Mitteldeutschland)
• Luigi Boccherini (Madrid)

Die Klassische Periode (ca. 1750–1820)

Die Klassik oder klassische Periode beginnt ungefähr im Jahr 1750 und endet um 1820. Dieser Zeitraum in der Musikgeschichte wird als die Klassische Musik im engeren Sinne bezeichnet, im Gegensatz zur allgemeinen Verwendung des Begriffs für die gesamte ausgebildete Musiktradition.

Das Klassische Ideal

In anderen Künsten war die Klassik die Wiederentdeckung und Kopie der griechisch-römischen Kunst. In der Musik gab es keine „Original-Klassiker“, da aus der griechischen oder römischen Zeit keine Musik überliefert ist. Die Musik der Klassik entwickelte sich zu einem äußerst ausgewogenen Verhältnis zwischen Harmonie und Melodie.

Die Hauptvertreter waren Haydn, Mozart und der frühe Beethoven. Beethoven markiert einen Wendepunkt in der Entwicklung der tonalen Musik, indem er sich weiter vom tonalen Zentrum entfernt. An diesem Punkt beginnt die Romantische Epoche in der Musikgeschichte.

Instrumente im Klassizismus

Einige Instrumente entstanden in dieser Zeit, wie das Klavier, die Arpeggione und die Klarinette. Die meisten symphonischen Instrumente, die seit dem Barock existierten (wie Fagott, Oboe und Bass), erreichten in dieser Zeit ihre Reife.

Während neue Instrumente entwickelt wurden, gerieten andere in Vergessenheit oder waren vom Aussterben bedroht:

• Viola da Gamba
• Cembalo
• Flageolett
• Blockflöte (wiederbelebt im zwanzigsten Jahrhundert)
• Laute

Das Klavier wurde als Tasteninstrument eingeführt und nahm einen zentralen Platz in der Kammermusik und in Solokonzerten ein. Diese Entwicklung vertiefte sich in der Romantik.

Die Frühklassik (1750–1775) und Joseph Haydn

Um 1750 hatten instrumentale Gattungen wie die Symphonie und das Konzert genügend Kraft gewonnen, um unabhängig von der Vokalmusik aufzutreten, und fanden große Akzeptanz an den Höfen. Der führende Komponist dieser Zeit war Joseph Haydn.

Haydn schrieb Symphonien mit klarer klassischer Struktur und Sonaten für das neue Tasteninstrument, das Klavier, welches größere expressive Fähigkeiten ermöglichte. Er gilt auch als der „Vater des Streichquartetts“, da seine Werke für diese Besetzung sehr melodisch und harmonisch raffiniert sind. Dies trug dazu bei, dass das Quartett heute etabliert ist.

Harmonie und Textur in der Klassik

Obwohl die wichtigsten harmonischen Regeln bereits in der Vorperiode festgelegt wurden, gab es erhebliche Veränderungen in der Textur. Es wurde ein reinerer und ausgewogenerer Stil verwendet, oft eine begleitete Melodie und manchmal vertikale Homophonie oder Polyphonie. Der Alberti-Bass (eine Form der Begleitung, bei der Akkorde zerlegt werden) wurde häufig eingesetzt.

Dies stand im Gegensatz zum überladenen Nachahmungsstil des Barock, der komplexe Fugen und Kanons hervorbrachte. Das klassische Ideal ist Balance und Harmonie. Durch die Entwicklung der Instrumente wurde zunehmend mehr Vielfalt in Dynamik und Artikulation genutzt. Die Melodien wurden cantabile (gesanglich), und die musikalische Form gewann besondere Bedeutung.

Die Sonatenform als Grundstruktur

In dieser Periode entstanden klare Strukturen, die die „ernste“ Musik des Westens fast bis heute untermauern: die klassische Symphonie, die Sonate und das Konzert.

Die Sonate besteht aus drei oder vier Sätzen:

1. Erster Satz: Folgt einem Schema mit drei Teilen:
   • Exposition: Der Komponist stellt zwei Themen vor, ein starkes und ein melodischeres.
   • Durchführung: Es entsteht ein „Kampf“ zwischen den beiden Themen.
   • Reprise: Die harmonische Spannung wird gelöst und die ersten Themen werden wiederholt.
2. Zweiter Satz: Langsam, oft ein melodisches Thema, lyrisch und in dreiteiliger Liedform.
3. Dritter Satz: Ein lockerer Satz, in der Regel als Menuetto (ein Tanz französischer Herkunft) oder im Falle Beethovens als Scherzo.
4. Vierter Satz: Fast immer in der Form des Rondos, bei dem feste Abschnitte mit variablen Abschnitten abwechseln.

Die Sonate selbst ist für ein Instrument oder eine kleine Gruppe (Duette, Trios) geschrieben. Die Sonatenform kann auch für ein Kammermusik-Ensemble (Quartett, Quintett usw.) verwendet werden. Wenn sie für ein Orchester geschrieben ist, wird sie als Symphonie bezeichnet, und wenn sie orchestral ist, aber ein Solo-Instrument hervorhebt, als Konzert.

Die Barockmusik (17. Jahrhundert bis 1750)

Die Barockmusik dominierte Europa während des siebzehnten Jahrhunderts und der ersten Hälfte des nächsten, bevor sie um 1750–1760 von der Klassik abgelöst wurde. Sie gilt als eine der reichsten, fruchtbarsten, kreativsten und revolutionärsten Perioden in der Musikgeschichte. Sie entstand in Italien und erlebte ihre Blütezeit in Deutschland im Spätbarock.

Wichtige Merkmale und Gattungen des Barock

In dieser Zeit wurden neue Formen entwickelt und technische Durchbrüche in Komposition und Virtuosität erzielt. Dazu gehören:

• Chromatik und Expressivität
• Der Generalbass (Basso Continuo)
• Oper, Oratorium und Kantate
• Sonate, Toccata, Suite und Fuge
• Die frühe Symphonie

Der Basso Continuo (Generalbass)

Der Bass, auch Generalbass genannt, ist eine Begleitform, die im frühen Barock entwickelt wurde und als stenografische Kurzschrift dient. Als Kompositionstechnik erlaubte er dem Komponisten, sich auf die Kontur der Melodie und des Basses zu konzentrieren, während die Mittelstimmen (die harmonische Füllung) der Erfindung des Continuo-Spielers überlassen blieben.

Die konsequente Ausführung des Generalbasses erforderte zwei Instrumentalisten: einen tiefen Melodie-Instrumentalisten (Viola da Gamba, Violoncello, Kontrabass, Fagott usw.), der die tiefen Töne spielte, und ein Harmonie-Instrument (Laute, Cembalo, Orgel), das die Harmonien „aus dem Stegreif“ (on the fly) ausführte, basierend auf den Bassnoten in Form von Akkorden, Arpeggien oder anderen Figuren, alles im Einklang mit dem Stil und den expressiven Bedürfnissen des Notentextes.

Das Tonalitätssystem

Das tonale System entwickelte sich aus den alten Kirchentonarten der mittelalterlichen Musik und wurde seit Bach bis zur Post-Romantik zur vorherrschenden Struktur.

Der Italienische Barock: Virtuosität und Oper

Der italienische Barock erlebte seine Blütezeit im sechzehnten, siebzehnten und frühen achtzehnten Jahrhundert. Er war geprägt von künstlerischem Glanz und dem Motto „delectare et movere“ (erfreuen und bewegen). Die italienische sprezzatura (lässige Eleganz) führte zur größten Schau der menschlichen Stimme: der Oper.

Das italienische Concerto Grosso und das Orchester wurden zum Prototyp der italienischen Komposition und beeinflussten die Entwicklung in ganz Westeuropa. Die Kastraten spielten eine starke Rolle im italienischen Barock. Sie verkörperten eine extravagante und zugleich groteske Schönheit, deren Stimme (z. B. Caffarelli, Carestini) den Begriff der „Vollkommenheit“ bis hin zur „Locura“ (Wahnsinn) verkörperte.

Die italienische Violine, die den barocken Manierismus überwand, war ein Vehikel für die Virtuosität des Musikers, wobei der Komponist lediglich Leitlinien lieferte, die der ausübende Künstler mit großer Freiheit interpretierte. Beispiele aus dieser Zeit sind die zwölf Konzerte von Pietro Locatelli, das Concerto Grosso von Arcangelo Corelli und das berühmte Concerto Grosso der quattro stagioni (Die vier Jahreszeiten) von Antonio Vivaldi (il Prete rosso, der rote Priester, wegen seiner Haarfarbe).

Georg Friedrich Händel (1685–1759)

Händel ist einer der bedeutendsten Komponisten des Barock und gilt zusammen mit seinem Zeitgenossen Bach als die wichtigste Figur der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Geboren 1685 in Deutschland, zog er 1712 nach England, wo er als einer der besten britischen Komponisten geweiht wurde und 1727 die britische Staatsbürgerschaft erhielt. Händel stammte aus einer wohlhabenden Familie und hatte nicht die typischen Hindernisse und Einschränkungen der meisten Musiker.

Er starb 1759 im Alter von 74 Jahren mit einem sehr guten Ruf in den Londoner Musikkreisen und wurde in der Westminster Abbey begraben. Sein Werk ist sehr umfangreich (über 600 Werke). Zu den Höhepunkten zählen:

• Seine Opern (z. B. Julius Caesar, 1724)
• Seine Oratorien (z. B. Messiah, 1741)
• Seine Konzerte (z. B. Konzerte für Orgel op. 4, 1735)
• Seine Orchestersuiten (z. B. Water Music, 1717, und Music for the Royal Fireworks, 1749)

Weitere Komponisten des Deutschen Barock

• Heinrich Schütz
• Dietrich Buxtehude
• Georg Philipp Telemann
• Johann Pachelbel

Johann Sebastian Bach (1685–1750)

Johann Sebastian Bach war ein deutscher Organist und Komponist der klassischen Barockmusik und Mitglied einer der außergewöhnlichsten Musikerfamilien (ca. 120 Musiker). Sein reiches Werk gilt als der Höhepunkt der Barockmusik und als einer der Gipfel der Weltmusik, nicht nur wegen seiner intellektuellen Tiefe, technischen Perfektion und künstlerischen Schönheit, sondern auch wegen seiner Synthese verschiedener internationaler Stile der Zeit und der Vergangenheit sowie seiner einzigartigen Erweiterung.

Bach hatte einen enormen Einfluss auf spätere Musiker, insbesondere nach seiner Wiederentdeckung durch Felix Mendelssohn. Alle seine Werke sind vollständig und bekannt für ihre Originalität und technische Perfektion. Von besonderer Bedeutung sind:

• Die Brandenburgischen Konzerte
• Das Wohltemperierte Klavier
• Die Messe in h-Moll
• Die Matthäus-Passion
• Die Kunst der Fuge
• Das Musikalische Opfer
• Die Goldberg-Variationen