Musiktheorie der Renaissance: Glareanus, Zarlino und die neue Harmonie

Henricus Glareanus: Wegbereiter der Musiktheorie

Henricus Glareanus gilt als ein bedeutender Theoretiker des Cinquecento, der mit seinem Auftreten den frühen humanistischen Gelehrten glich. Glareanus war Theoretiker, Dichter und Gelehrter, bekannt für sein Werk Dodecachordon. Sein Traktat stellt einen Versuch dar, die mittelalterlichen Ansätze der Musiktheorie mit der musikalischen Praxis in Einklang zu bringen. Er ersetzte dabei das System von Guido von Arezzo und die Überlegenheit des Hexachords. Seine Konzepte beeinflussten später die Nutzung der Camerata de' Bardi sowie die Schaffung der Monodie im Melodram.

Gioseffo Zarlino und die neue Harmonie

Gioseffo Zarlino erkannte die Notwendigkeit, die Musiktheorie stärker mit der Realität des historischen Augenblicks in Einklang zu bringen. Zu seinen herausragenden Werken zählen die Istitutioni harmoniche (in denen er nicht auf weltliche Musik verzichtet) und die Dimostrationi harmoniche. Zarlino berief sich auf die „Musik der Welt“ und behauptete die Konsistenz der Intervalle in einem Verhältnis, das der Natur der Dinge entspricht. Für Zarlino erforderte die Basis eine Anpassung der Instrumente und Kompositionen an praktische Gründe für jede Art von ausgeführter Musik. Im Gegensatz zur rein rationalen Theorie der Vergangenheit sah er die menschliche Stimme als perfekt, natürlich und unveränderlich an. Diese Vernunft wird im harmonischen Klang untersucht, wobei die neue Harmonie auf zwei Modi basiert: dem höchsten (Dur) und dem niedrigsten (Moll). Zarlino strebte eine Rückkehr zur griechischen Musiktheorie an, die durch mittelalterliche Theoretiker verändert worden war. Sein Ziel war es, Klarheit in ein ungeordnetes Forschungsfeld zu bringen; er wollte in der Musik eine natürliche Ordnung finden.

Die Geburt des Publikums und der Dualismus

Es entstand ein Dualismus zwischen denjenigen, die Musik komponieren und ausführen, und jenen, die sie hören. Im Mittelalter vermischte sich die Liturgie noch mit den Empfängern, welche die Musik interpretierten. Das Madrigal hingegen erzeugte eine intensivere Trennung zwischen der Musik, den Ausführenden und den Zuhörern. Das Ziel war es, die neue Musik den Erwartungen der Hörer anzupassen. Dies adressiert ein passives Publikum. Musik konnte nicht mehr trivial oder einfach übertragen werden, sondern musste eine gewisse Qualität wahren. Es ging darum, dem Publikum Vergnügen zu bereiten, es durch Harmonie zu bewegen und durch das Verfahren der Affekte sowie einen kohärenten musikalischen Diskurs zu unterhalten.

Instrumentalmusik und die neue Würde des Musikers

Die Institutionalisierung der Instrumentalmusik war ein sehr langsamer Prozess, der in der Renaissance begann und erst in der Romantik seine volle Entwicklung erreichte. Die instrumentale Vervollkommnung wurde durch die Entwicklung von Tasteninstrumenten, Streichbögen und Blasinstrumenten bestimmt. Dieser Fortschritt brachte neue Probleme und eine neue Konzeption der Musik sowie des Verhältnisses zwischen Theorie und Praxis mit sich. Während die Ausführung im Mittelalter aus intellektueller Sicht oft kritisch betrachtet wurde, änderte sich dies nun. Die technische Beherrschung der Instrumente, insbesondere der komplexen Mechanismen bei Blasinstrumenten, machte die Umsetzung zu einem spezialisierten und verantwortungsvollen Unterfangen. So erwarb die Figur des Interpreten eine neue Würde. Die Harmonie war nicht mehr nur ein theoretischer Bereich, sondern alle Musiker sollten darauf vorbereitet sein, mit der Kunst als Ganzem umzugehen. Theoretische Werte, Komponist und Interpret verschmolzen laut Zarlino und Galilei zu einer Einheit unter gemeinsamen Gesetzen.