Neoklassizismus, Goya und Kubismus: Merkmale, Werke und Picasso

Neoklassizismus: Malerei

PAINTING Neoclassical. Neoklassizismus ist ein Stil, der in Europa und in den Vereinigten Staaten im späten 18. und im 19. Jahrhundert vorherrschte. Er ist vom Klassizismus geprägt und orientiert sich an der Kunst der Griechen und Römer.

Merkmale des Neoklassizismus

Merkmale der neoklassischen Kunst: Der Neoklassizismus ist eine Reaktion auf das barocke Rokoko und seine übertriebene Dekoration. Es ist eine Rückkehr zum Klassizismus: Die Kunst strebt nach Harmonie und Ausgewogenheit, mit dem Ziel der Schönheit durch Reinheit der Linien. Einfachheit und Rationalität stehen im Vordergrund. Künstlerisches Schaffen unterliegt rationalen Regeln.

Merkmale der neoklassischen Malerei

Merkmale der neoklassischen Malerei: Neoklassizistische Maler orientierten sich an Modellen der klassischen Malerei und entwickelten eine Disziplinierung der Form: Zeichnung und Linie dominieren, die Verwendung der Farbe ist beherrscht, und die Kompositionen sind oft statisch mit idealisierter Natur. Die Themen entstammen überwiegend der Geschichte und dienen der Vermittlung bürgerlicher und moralischer Werte.

• 1. Farbtendenz: eher kühle Farben.
• 2. Keine übermäßigen Farben, ausgewogene Kompositionen und Dekoration.
• 3. Statische Kompositionen.
• 4. Idealisierte Vorstellung der Figuren.
• 5. Historische Themen zur Belehrung über menschliche Werte.

Werk: Der Schwur der Horatier

OBRA, „Der Schwur der Horatier“: Stil: Neoklassizismus; Technik: Öl; Träger: Leinwand. Standort: Louvre, Paris.

Inhalt des Gemäldes

Der Inhalt stellt den Schwur der drei Horatier dar, die ihrem Vater die Loyalität schwören. Alba Longa und Rom wetteiferten um die Vorherrschaft im zentralen Italien. Um einen Erfolg der Stadt zu erreichen, bestimmte man, dass die drei Brüder aus Rom, die Horatier, gegen die drei von Alba Longa, die Curiatier, kämpfen sollten. Der einzige Überlebende war ein Horaz, der seine Schwester tötete, weil sie um ihren Geliebten, einen Curiatier, trauerte. Dies ist keine historische, dokumentarische Darstellung, sondern eine Verherrlichung der Pflicht gegenüber dem Vaterland, wie sie vom Horatier vorgelebt wird.

Zusammensetzung

Die drei Bögen im Hintergrund teilen die Komposition der Leinwand in drei Bereiche: links die drei Horatier, im übergeordneten Zentrum die Männer und rechts die Frauen und Kinder. Alle Figuren sind zusammen angeordnet, berühren einander aber physisch kaum. Die Zahl drei erscheint als wichtiges Element: drei Bögen, drei Brüder, drei Schwerter; auch die Frauen treten als Dreiergruppe auf.

Geometrische Formen ordnen die Jugendlichen und Eltern zu einem Rechteck. Die Beine der Figuren bilden Dreiecke. David verwendete gerade Linien für die Männer und weichere, gewellte Linien für die Frauen. Die Farben sind klar und hell; Rot dominiert, insbesondere die Robe des Vaters, die den Mittelpunkt der Komposition betont.

Historisches Umfeld: 18. und frühes 19. Jahrhundert

Historisches und künstlerisches Umfeld des 18. und frühen 19. Jahrhunderts. Goya lebte in einer Reihe bedeutender historischer Perioden Spaniens: der Krise der bourbonischen Monarchie Karls IV., dem Unabhängigkeitskrieg, der Restauration des Absolutismus, dem liberalen Triennium und der zweiten Restauration des Absolutismus. Die Bedingungen im Spanien des 18. Jahrhunderts waren schwierig. In der ersten Hälfte des Jahrhunderts förderte die Dynastie der Bourbonen Künstler aus anderen Ländern wie Antonio Palomino, Jean Ranc und Van Loo. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts gewann Francisco Bayeu, Goyas Schwager, großen Einfluss am Hof in Madrid, wo auch Goya später tätig wurde. Weitere Maler dieser Zeit sind Alcázar und Menéndez.

Goyas künstlerische Entwicklung

Goyas künstlerische Entwicklung: Bei Goya mischten sich Rokoko-Elemente und romantische Traditionen mit neoklassizistischer Malerei auf spanische Weise. Er lernte von Velázquez und sah auch Vorbilder in Dürer. Goyas Werk lässt sich in zwei Phasen gliedern: Die erste Phase zeigt den Triumph der Profis, eine optimistische Sichtweise, mit überwiegend roten und grauen Tönen. In der zweiten Phase hinterließ der Krieg Taubheit und eine tiefere Pessimismus, sichtbar in düsteren künstlerischen Ausdrucksformen (el estilo negro). Goya ist ein Bezugspunkt des 19. und 20. Jahrhunderts; sein Werk lässt sich schwer eindeutig klassifizieren, weil es persönlich zwischen Klassizismus und Romantik steht.

Merkmale von Goyas Werk

Features der Arbeit Goyas: Goya entwickelte künstlerische Möglichkeiten, die später Realismus, Impressionismus, Expressionismus oder Surrealismus beeinflussten. Er produzierte eine Vielzahl von Arbeiten: Druckgrafiken, Textilien, Fresken und Zeichnungen zu religiösen sowie historischen Themen, patriotischen Motiven und Porträts. Er reflektierte die Geschichte seiner Zeit: Ancien Régime, den Unabhängigkeitskrieg, liberale Revolutionen etc. Goya betonte oft das Wohlergehen seines Volkes mit Szenen von Festen, war aber gleichzeitig kritisch gegenüber königlichen Porträts und schilderte die Schrecken des Krieges.

Einflüsse auf Goya

Einflüsse: Goya nannte Rembrandt und Velázquez als wichtige Bezugspunkte; er war außerdem vom Studium der Natur beeinflusst. Man kann Goya auch als einen Nachfolger in der spanischen Porträttradition sehen, etwa in Bezug auf Vicente López.

Werk: Die Familie Karls IV.

OBRA, „Die Familie Karls IV.“: Technik: Öl; Träger: Leinwand; Standort: Museo del Prado, Madrid. Als Goya „Die Familie Karls IV.“ malte, war er Hofmaler und zuständig für offizielle Porträts. Dieses Gruppenporträt ist auch als Röntgenbild der Politik Spaniens in jener Epoche zu lesen. Es wurde im Auftrag von König Carlos IV. erstellt und zeigt die Familienmitglieder einzeln, doch Kritiker fragten sich, ob Goya ironisieren oder gar karikieren wollte. Einige hielten das Bild für eine Satire der Königsfamilie.

In diesem Werk tritt die Zeichnung zugunsten einer auffälligen Farbigkeit zurück: Weiß, Gold, Blau und rote Akzente dominieren, insbesondere das Rot der Königin Maria Luisa und das Rot bei Francisco. Das Gruppenporträt erinnert in gewisser Weise an „Las Meninas“; die Figuren sind vertikal angeordnet und zeigen geringe Bewegung, ein Merkmal, das neoklassische Aspekte aufweist. Im zentralen Teil sind das Königspaar und zwei ihrer Kinder zu sehen: Fernando VII., hier als junger Prinz, dessen Gesicht nicht detailliert gezeichnet ist, und Carlos María Isidro. Rechts sind Antonio Pascual, die Töchter des Königs, ein Ehemann und das Kind Luis Carlos abgebildet. Goya selbst scheint etwas im Hintergrund platziert, fast versteckt.

Werk: Die Erschießungen in der Nacht

OBRA, „Die Erschießungen in der Nacht“ (Los fusilamientos del 3 de mayo): Technik: Öl; Träger: Leinwand; Gattung: Historienmalerei. Nach dem Unabhängigkeitskrieg malte Goya zwei große patriotische Bilder: den Aufstand des Volkes von Madrid gegen die Invasoren und die Erschießungen in der Nacht, in denen französische Soldaten Aufständische töteten. Die Szene spielt nachts, beleuchtet durch eine Lampe zwischen den beiden Gruppen von Figuren. Das Licht ist ungleich verteilt: Es richtet sich stärker auf die spanische, zum Tode Verurteilte Gruppe, während die Franzosen fast im Dunkeln stehen.

Die beiden Gruppen werden unterschiedlich dargestellt: Die französischen Soldaten stehen in Diagonalen in Formation mit dem Rücken zum Betrachter, sodass wir ihre Gesichter nicht sehen. Die spanische Gruppe ist diagonal gegenüber angeordnet und dem Betrachter zugewandt; die Haltungen der Verurteilten reichen von erhobenen Armen im Akt des Widerstands über Zittern, Verstecken bis zu Beten vor dem Tod. Links liegen Körper anderer Spanier, die kurz zuvor erschossen wurden, ihr Blut ist deutlich sichtbar.

Der Hintergrund zeigt eine schlecht definierte Landschaft mit der Silhouette einer Stadt und einem Turm links. Das Dunkel der Nacht deckt die Szene. Kontraste zwischen Licht und Schatten gestalten die Bildwirkung. Hervorgehoben wird ein Mann in weißem Hemd, der aufrecht steht und die Hände wie im Kreuz hält, eine Anspielung auf Christus. Links sitzt eine Frau mit einem Kind im Arm.

Kubismus: Historischer Kontext

Kubismus. Historischer Kontext des Kubismus. Das 20. Jahrhundert war ein Jahrhundert konsolidierter wissenschaftlicher und technologischer Revolutionen. Neue Verkehrsmittel wie Automobil und Flugzeug entstanden; Kommunikationsmittel wie Film und Radio entwickelten sich; Elektrizität und in der Wissenschaft die Relativitätstheorie veränderten die Welt. Die Menschen lebten in beschleunigten Strömungen und wirtschaftlichem Wachstum. Es entstand eine Massengesellschaft mit Film, Musik und Kino. Gleichzeitig gab es negative Seiten: ungleiche Verteilung des Reichtums, Kriege und schnelle Aufrüstung. Das 20. Jahrhundert brachte Fortschritte in Demokratie, Frauenwahlrecht und Menschenrechten, aber auch totalitäre Bewegungen wie Faschismus, Nationalsozialismus und Stalinismus.

Merkmale des Kubismus

Merkmale des Kubismus: Der Kubismus war eine transzendentale Avantgarde-Bewegung des 20. Jahrhunderts, die das Kunstverständnis veränderte und den Realismus hinter sich ließ. Das Ziel war, Schönheit neu zu definieren und die traditionelle Perspektive aufzubrechen: Objekte werden in geometrische Teile zerlegt. Die herkömmliche Ansicht, die wirklichen Farben oder das natürliche Licht sind nicht mehr zwingend. Es tritt eine Strenge auf, manchmal weniger emotional; man experimentiert mit Formen, und traditionelle Themen wie Gläser oder menschliche Figuren werden neu interpretiert. Ebenso wurden gedankliche oder wahrgenommene Aspekte dargestellt.

Pablo Picasso

Pablo Picasso ist eine der zentralen Figuren der Kunst des 20. Jahrhunderts. Er war Maler und Bildhauer aus Málaga und gilt als einer der Väter der modernen Kunst mit rund 20.000 Werken, darunter Gemälde, Skulpturen und Drucke.

Stationen in Picassos Werk

Stages von Picasso:

Lernzeit und frühe Jahre

- Lernzeit: Picasso begann sehr früh zu malen, angeleitet von seinem Vater. Er studierte in Málaga, Madrid und Barcelona, entwickelte sich schnell und hatte bereits mit 14 Jahren Zeichnung und Farbe gut beherrscht.

Blaue Periode

- Blaue Periode: Mit 19 kam er nach Paris; um sein 20. Lebensjahr war er in einer pessimistischen Phase und stellte Ausgestoßene, Randfiguren und Demütige dar. Die Farbpalette war kalt, vorwiegend blau; eine wichtige Arbeit aus dieser Zeit ist „Der blinde Gitarrist“.

Rosa Periode

- Rosa Periode: Eine Wiederkehr des Optimismus mit roten und rosa Tönen. Themen wechseln zu Harlekinen, Gauklern, Clowns und Schauspielern. Arbeiten wie „Akrobat am Ball“ stammen aus dieser Phase.

Geburt des Kubismus

- Kubismus: Picasso ließ sich von Skulptur, alten iberischen Reliefs und ägyptischer Kunst inspirieren; er begann, die Konturen der Figuren zu abstrahieren. Auch Cézanne wirkte einflussreich. Der Kubismus entstand mit Werken wie „Les Demoiselles d'Avignon“ („Die Avinyó-Mädchen“), einem Bruch mit den Fauves, der die Malerei in eine neue Welt führte.

Vom analytischen zum synthetischen Kubismus

- Analytischer zu synthetischem Kubismus: Der analytische Kubismus zerlegte das Bild in viele Blickwinkel, sodass das Ergebnis bisweilen kaum wiederzuerkennen war. Zusammen mit Georges Braque führte Picasso Collage-Elemente ein (Materialien, Schnüre, Gitter), die auf die Leinwand aufgeklebt wurden. Das führte zum synthetischen Kubismus, der neue Darstellungsweisen schuf und als revolutionärer Beitrag der Kunst des 20. Jahrhunderts gilt.

Klassische Phase

- Klassische Phase: In Italien studierte Picasso Werke des antiken Rom, Pompeji und der Renaissance. Er wandte sich in dieser Zeit einem gewissen Klassizismus zu, einer "Rückkehr zur Ordnung"; „La flûte de Pan“ ist ein Beispiel.

Metamorphose und spätere Phasen

- Metamorphose: Ab 1925 veränderte sich die Darstellung der Realität; Picasso erfand neue Anatomien und setzte Verformungen als expressives Mittel ein. Diese Phase verbindet sich mit expressionistischen Tendenzen. Eines der repräsentativsten Werke dieser Zeit ist „Guernica“, das das Leid in dieser Epoche ausdrückt.

Späte Jahre

- Letzte Jahre: In seinen letzten Jahren vertiefte er das Studium der Alten, etwa Delacroix. Manche sprechen von einer Ermüdung, doch das ist umstritten. In seinen letzten Jahren widmete er sich verstärkt Keramik und Druckgrafik.

Kubismus: Historischer Kontext (Wiederholung)

Kubismus. Historischer Kontext des Kubismus. (Wiederholung des vorherigen Abschnitts:) Das 20. Jahrhundert war ein Zeitalter großer wissenschaftlicher und technologischer Umbrüche: neue Verkehrsmittel (Auto, Flugzeug), moderne Kommunikation (Film, Radio), Elektrizität und neue wissenschaftliche Theorien (Relativität). Gesellschaftliche Beschleunigung, Wirtschaftswachstum und Massengesellschaft prägten diese Epoche, daneben soziale Ungleichheit, Kriege und schnelle Militarisierung. Politisch entstanden Demokratien, Frauenwahlrecht und Menschenrechtsanerkennungen, aber auch totalitäre Bewegungen wie Faschismus, Nationalsozialismus und Stalinismus.

Merkmale des Kubismus (Wiederholung)

Merkmale des Kubismus: Der Kubismus veränderte das Kunstverständnis: die konventionelle Perspektive wurde aufgebrochen, Objekte in geometrische Fragmenten dargestellt, Farbe und Licht oft abstrahiert. Es herrschte eine strenge Formensprache; die Bewegung experimentierte mit nichttraditionellen Themen und mit der Darstellung von Gedanken und Wahrnehmungen.

Picasso (Wiederholung und Details)

Pablo Picasso gilt als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Er war Maler und Bildhauer aus Málaga und schuf etwa 20.000 Werke, darunter Gemälde, Skulpturen und Drucke.

Stationen in Picassos Werk (Wiederholung)

- Lernzeit: Picasso begann sehr früh und wurde von seinem Vater unterrichtet. Er studierte in Málaga, Madrid und Barcelona und beherrschte bereits mit 14 Jahren Zeichnung und Farbe. Er studierte auch die Malerei des El Greco.

Blaue Periode (Wiederholung)

- Blaue Periode: Nach Paris mit 19 Jahren, um 20 begann eine pessimistische Phase, die sich den Ausgegrenzten und Demütigen widmete; kalte Töne und Blau dominierten. Ein wichtiges Werk ist „Der blinde Gitarrist“.

Rosa Periode (Wiederholung)

- Rosa Periode: Rückkehr des Optimismus mit Rot- und Rosa-Tönen; Themen wie Harlekine, Gaukler, Clowns und Schauspieler treten auf. Die Pink- und Schwarz-Kombination erscheint in bedeutenden Arbeiten wie „Akrobat am Ball“.

Kubismus (Wiederholung)

- Kubismus: Picasso fand Inspiration in Skulptur, antiken iberischen Reliefs und ägyptischer Kunst und begann, Figuren in Umrissen zu skizzieren; auch Cézanne beeinflusste diese Entwicklung. Der Kubismus entstand mit „Les Demoiselles d'Avignon“, einem Werk, das die Fauves hinter sich ließ und die Malerei in neue Dimensionen führte.

Analytischer und synthetischer Kubismus (Wiederholung)

- Analytischer zu synthetischem Kubismus: Der analytische Kubismus zerlegte Bilder in viele Blickwinkel; später führten Picasso und Braque Collage-Elemente ein, die auf die Leinwand geklebt wurden, was zum synthetischen Kubismus führte. Dieser Beitrag zählt zu den revolutionärsten des 20. Jahrhunderts.

Klassische Phase und Metamorphose (Wiederholung)

- Klassische Phase: Picasso studierte in Italien antike und renaissancehafte Werke und wandte sich zeitweise einer klassizistischen Ordnung zu („La flûte de Pan“). - Metamorphose: Ab 1925 veränderte Picasso die Darstellung der Realität, erfand Anatomien und nutzte Verformungen als expressives Mittel; „Guernica“ ist ein zentrales Beispiel.

Werk: „Die Avinyó-Mädchen“

OBRA, „Die Avinyó señoritas“ (1907): Stil: Kubismus; Technik: Öl auf Leinwand. Inhalt: Das Bild behandelt Sexualität als eines von Picassos bevorzugten Themen und stellt ein Bordell mit Prostituierten für den Betrachter dar. Die klassische Schönheit ist hier der Hässlichkeit gewichen. Verschiedene Blickwinkel repräsentieren die Figuren auf verzerrte Weise.

Die Gesichter der Frauen zeigen unterschiedliche Traditionen: ägyptische, iberische und afrikanische Einflüsse sind erkennbar. Die Figuren sind deformiert: das Gesicht links ist teilweise profiliert mit langen Ohren und mandelförmigen Augen; ein anderes Gesicht ist verformt mit gekrümmter Nase. Die Frauen interagieren nicht miteinander; sie schauen einander nicht an und ihre Gesten kreuzen sich nicht.

Die Komposition hat wenig räumliche Tiefe, ein Vorhang im Hintergrund teilt die Fläche; die Figuren treten in den Vordergrund, sodass es so wirkt, als stünden sie auf einer Bühne. Das Bild erlaubt mehrere Betrachtungswinkel und ist durch gebrochene Ebenen tief angelegt. Picasso zerstört das traditionelle Nacktbild auf radikale Weise.