Pablo Picasso: Leben, Werk und Kubismus – Analyse von "Les Demoiselles d'Avignon"

Pablo Picasso: Leben und Werk

Geboren in Málaga und gestorben in Frankreich (1881–1973), ist Pablo Picasso eines der einflussreichsten bildnerischen Genies des zwanzigsten Jahrhunderts. Mit einer sehr frühen Begabung und außergewöhnlichen technischen Fähigkeiten begann Picasso seine Laufbahn. Nachdem er seine Kindheit und Jugend zunächst in Málaga und La Coruña verbracht hatte, entschied er sich für die Malerei und ging nach Barcelona und dann nach Paris, wo er Kontakt zu postimpressionistischen Tendenzen aufnahm.

Frühe Schaffensperioden

Zu Beginn des Jahrhunderts, beeinflusst von einem gewissen Symbolismus und Expressionismus, malte er Werke von bescheidener Darstellung, die eine sentimentale und melancholische Interpretation zeigten. Dies war die sogenannte Blaue Periode (benannt nach dem dominanten Ton seiner Gemälde). Etwas später stellte er Zirkusfiguren, Puppenspieler und Flanierende in der sogenannten Rosa Periode dar.

Die Geburt des Kubismus

Der große Beitrag Picassos erfolgte, als er nach intensiven Vorbereitungen im Jahr 1907 Les Demoiselles d'Avignon malte – das wahre Gründungsdokument des Kubismus. Das Bild, obwohl es zunächst in seinem Atelier nur zögerlich aufgenommen wurde, markierte einen Wendepunkt in der Kunstgeschichte.

Analytischer Kubismus (1909–1911)

Zwischen 1909 und 1911 entwickelte Picasso gemeinsam mit Georges Braque den analytischen Kubismus. In dieser Phase erscheint das Objekt durch zahlreiche sich kreuzende schwarze Linien sowie viele kleine Flächen in Ocker, Grau und Braun zerlegt. Das resultierende Bild sollte eine Aufzeichnung der unendlichen körperlichen und intellektuellen Empfindungen werden, die ein Objekt hervorrufen kann.

Synthetischer Kubismus (ab 1911)

Bis 1911 begann der sogenannte synthetische Kubismus, in dem sowohl Picasso als auch Braque begannen, Teile von Texten und Notenblättern in ihre Gemälde einzufügen. Bei Picasso bezogen sich Wörter wie „Journal“ (Zeitung) oder „Ma Jolie“ (Meine Schöne), mit denen er seine Geliebte anspielte, auf andere Weise auf das Dargestellte.

Zu dieser Zeit führte er Texturen wie Tapeten, Korbgeflecht oder Holz einer Gitarre ein, manchmal durch:

• Frottage: Platzierung der Textur unter dem Lack und Reiben der Spitze, um die Struktur sichtbar zu machen.
• Collage: Befestigung realer Fragmente dieser Elemente auf der Leinwandoberfläche.

Das Bild wurde so zu einer Art Kompendium der Wahrnehmungen, in dem das Material durch malerische Textur und angebrachte Elemente an Präsenz gewinnt. Sowohl der Wahrnehmungsprozess als auch das künstlerische Bild wurden zu einem intellektuellen Akt.

Spätere Entwicklungen

Klassische Periode

Gegen Ende des Ersten Weltkriegs begann eine Periode, die als Picassos klassische Periode bezeichnet wird. Er gewann die Perspektive und die Darstellung der Volumina durch traditionelles Hell-Dunkel zurück, mit rundlichen Körperformen, die auf die klassische Tradition verweisen (von Griechenland über Poussin bis Masaccio), obwohl diese mit alternativen Bildern des synthetischen Kubismus verschmolzen.

Einfluss des Surrealismus und politisches Engagement

Der Kontakt mit der surrealistischen Gruppe um den Dichter André Breton um 1925 führte dazu, dass Picasso sich den Vorschriften dieser Bewegung annäherte, ohne jedoch seine starke Persönlichkeit aufzugeben.

Der Beginn des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica veranlassten nicht nur die Schaffung dieses Meisterwerks, Guernica, sondern auch ein wachsendes politisches Engagement. Dies zeigte sich in der Annahme des ehrenamtlichen Direktors des Prado-Museums für die Zweite Republik und seinem Beitritt zur Kommunistischen Partei im Jahr 1945.

Kritik und Spätwerk

Viele Kritiker haben Picassos Werk nach Guernica unterschätzt, da es eine erhebliche Entwicklung zeigt. So finden wir noch die 50er Jahre mit Massaker in Korea, das auf Goyas Die Erschießung der Aufständischen vom 3. Mai verweist, oder die Serie, in der er Delacroix' Die Frauen von Algier, Manets Das Frühstück im Grünen und Velázquez' Las Meninas (von dem er 58 Versionen anfertigte) neu interpretierte. Diese Werke zeigen eine Nähe zu den angesagtesten zeitgenössischen Trends (wie dem abstrakten Expressionismus), wobei er stets seine starke Persönlichkeit und sein unglaubliches Talent sowie seine Fähigkeit zur kontinuierlichen Entwicklung beibehielt.

In den letzten Jahren widmete sich Picasso auch der Keramik und schuf sehr experimentelle Bilder, die auf seine eigene körperliche und sexuelle Dekadenz verweisen.

Picassos Skulpturen

Im Laufe seiner Karriere schuf Picasso auch sehr bemerkenswerte Skulpturen. Wie bei seinen Gemälden dienten diese als Ausgangspunkt für einen Großteil der Entwicklung der Bildhauerei des zwanzigsten Jahrhunderts. Dies reicht von seinen ersten Anwendungen des Kubismus auf die skulpturale Form in den 1910er Jahren, wie die Verwendung von Schweißarbeiten aus Eisen, die neue Wege in der Beziehung zwischen Form und Raum eröffneten (z. B. das „Denkmal für Apollinaire“), bis hin zur Neuinterpretation des Ready-made der Dadaisten („Cabeza de Toro“).

Analyse: Les Demoiselles d'Avignon (1907)

Les Demoiselles d'Avignon ist ein monumentales Ölgemälde, das Picasso 1907 schuf. Darin vereint er sein gesamtes Wissen über die Malerei, indem er Bereiche schafft, in denen die Striche verschmelzen, um große Farbflächen zu bilden, während er gleichzeitig den Wechsel von dichten und beladenen Pinselstrichen zu helleren, verdünnten Partien auf der Oberfläche des Bildes zeigt.

Farbgebung und Komposition

Die Farbpalette ist sehr begrenzt und wird von den Hauttönen der Figuren dominiert, ergänzt durch Braun, Weiß, Blau und Grau.

Revolutionäre Bildbehandlung

Die Bildbehandlung ist absolut bahnbrechend und bricht die seit der Renaissance geltenden Darstellungsregeln. Die traditionelle konische Zentralperspektive zur Darstellung des Raumes wurde von Picasso vollständig verworfen, ebenso wie die naturalistische Darstellung der Figuren.

Picasso war sich bewusst, dass unsere Sichtweise, anders als bei einer festen Perspektive, nicht fixiert ist, sondern oszilliert. Daher erscheint das Bild in mehreren geometrischen Flächen, die lediglich das Ergebnis von Beobachtungen aus verschiedenen Blickwinkeln und zu verschiedenen Zeiten sind. Das Gemälde ist somit die bildnerische Darstellung eines Prozesses des geistigen Wiederaufbaus des beobachteten Bildes.

Das Ergebnis ist eine neue Darstellungsweise, ein neues Bild, eine neue Wahrheit (Picasso sagte: „Kunst ist eine Lüge, die uns die Wahrheit lehrt“). Obwohl die Illusion der Tiefe verschwindet, wird das Volumen durch diese gebrochenen Ebenen nachdrücklich hervorgehoben.

Einflüsse auf das Werk

Das Bild zeigt einige der Einflüsse, die diesen gewaltigen Schritt nach vorn in der Malerei bestimmten:

• Die Kunst der afrikanischen Masken, mit ihren formalen und kategorischen Vereinfachungen des Volumens (sichtbar in den Gesichtern der beiden Figuren rechts).
• Vorklassische Kunstformen und die ägyptische Malerei (das von vorne gesehene Auge in der linken Figur).
• Der Versuch, die von Cézanne eingeleitete Darstellung des Hell-Dunkels zu überwinden.

Thema und Vorbereitung

Als Grundakt des Kubismus war Les Demoiselles d'Avignon das Ergebnis einer mühsamen Arbeit Picassos, der Hunderte von Skizzen anfertigte, um alle plastischen Überlegungen, über die er nachdachte, in dieses Bild einfließen zu lassen.

Obwohl das Thema klassisch erscheint – eine Gruppe weiblicher Akte, die sich an Rubens und Poussin anlehnen könnten –, liegt hier eine Ablenkung vor: Es sind keine Nymphen und Göttinnen, sondern Prostituierte in einem Bordell in der Carrer d'Avinyó in Barcelona (was dem Bild seinen Namen gibt). Dieses Thema lässt sich eher mit Manets Olympia sowie den Darstellungen von Prostituierten bei Degas und Toulouse-Lautrec in Verbindung bringen.

Wie erwähnt, bereitete Picasso mit zahlreichen Skizzen vor, was er als ein malerisches Programm verstand, das die Aufnahme weiterer Figuren und eine neue Handhabung der Darstellung forderte.

Bedeutung für die Kunstgeschichte

Dieses Gemälde markiert einen Vorher-Nachher-Punkt in der Kunstgeschichte. Mit ihm beginnt der Kubismus, und unzählige Künstler werden von dieser neuen künstlerischen Sprache verführt. Die eröffneten Wege werden als neue Maßstäbe in der Entwicklung der künstlerischen Avantgarde-Bewegungen betrachtet und untersucht.